艺术概论：美术的基本特征和广泛应用

“美术”是一个比较宽泛的概念，它是采用造型手段塑造视觉形象的众多艺术类型的总称。它一般包括绘画、雕塑、工艺美术、工业设计和书法、篆刻。有时也把同样具有造型和视觉特点的建筑、园林和摄影艺术等纳入其中。美术创作可以使用的材料极其广泛，包括从颜料到金属、石料、竹木、陶土、纤维、织物、皮革、塑料等等几乎一切能够构成直观形象的天然的和人工的材料。

美术是最古老的艺术门类之一。在很长的历史时期中，它是人类直观地反映现实和掌握世界的惟一的艺术手段。人类对于客观世界无比丰富的形状和色彩的强烈关注和浓厚兴趣，对于采用直观方式反映生活和表达情感意志的愿望，对于物质产品和其他一切可视事物的审美要求和理想，是美术发生和发展的深厚根源。

（一）美术的主要特征

美术是造型艺术中最重要的部分，在感知方式上是属于视觉的，在存在方式上要占有一定的空间，因此具有造型性、视觉性和空间性。同时，它所创造的艺术形象又是静态的，只能表现出事物的一个瞬间的状态，而且形象一经完成就固定不变，因此又具有静止性、瞬间性和永固性。这六个特点中，起主导作用的是造型性和静止性，其他特点都是由此生发出来的。下面做一些具体分析。

1.造型性

造型是美术的基本手段，也是它最主要的特征。所谓“造型”，就是塑造形体，中国古代画论中谓之“象形”。这种造型性特征使美术长于刻画事物的外部形态，一切内容都要通过外部形态来表现。因此，美术所采用的题材也主要是可以通过外部形态来表现的东西。但是，不能因此而认为美术只能反映生活的外在现象，对于反映内在的本质、精神、心理等就无能为力。美术作品可以通过艺术形象的外部特征，表现内在的精神、思想、情感和意义等等。中国绘画历来重视“以形写神”，通过外形表现精神、气质等。生动地刻画人物形象，包括揭示他们的生存状态以至心理状态，也是西方美术的传统精神。美术形象实际上是“形”与“神”、外在与内在有机结合的体现。严格地说，徒有形似的模拟和空洞无物的点染，都不能成为真正的美术作品。

与造型性相一致的是视觉性，因为这种造型必然是可视的实在形体。这是美术的巨大优势，人们可以直观作品中的艺术形象，同时获得视觉上的审美享受。美术作品中创造出来的可视的造型，又必然要存在于一定的空间。例如绘画需要占有二维（平面的）空间，雕塑需要占有三维（立体的）空间。由于上述情况的存在，就使得美术作品同时具有造型性、视觉性和空间性。这三种因素有机联系，互为条件，形成美术第一层面的基本特征。

2.静止性

美术作品中可视的造型又是静止的，不同于某些艺术种类所创造的可视的活动图像。动画电影虽然首先需要采用美术手段来设计制作一幅一幅的画面，因此也称“美术片”，但最终完成的作品是由电影手段创作成的活动画面，因而在门类的划分中属于电影。木偶剧在人物造型设计阶段，也主要依靠美术，但从最终的展示方式来看就属于戏剧。现代美术中有动感试验，这只是个别现象，而且这种运动是机械性的反复，不足以改变美术本来的基本特征。但是，美术并非不能表现运动，它依然可以描绘运动中的事物，例如奔驰的马、正在进行的战斗等等。对于运动，美术不是直接表现它的过程，而只是通过静止的形象“暗示”一定的过程。

美术形象的静止性，又必然带来瞬间性的特点。因为它不能表现运动和情节发展的过程，只能表现出任何题材的瞬间状态。这是一种局限性。美术作品中的情节内容，只能在一个瞬间体现出来。即使用多幅连续性的画面来表现一个情节过程，能够提供出来的也只是这个过程中的某些瞬间。但是美术作品中的瞬间是具有高度凝聚性和典型性的，它可以表现画面隐含的和从画面延伸出去的内容。莱辛在他的名著《拉奥孔》中说，美术表现的是“最富于孕育性的那一顷刻”，这样就为观赏者提供了对于有关事件的发展过程进行联想的确切依据，“使得其前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解”^[3]。美术史上生动地表现情节或运动过程中瞬间情状的优秀作品是不少的。而且情节性的美术作品，历来在美术创作中占有重要地位。一些原始壁画中就带有情节因素，例如有些画面表现了狩猎过程或其他劳动过程中的场面。各个时期的历史画和社会风俗画，更是绝大多数属于情节性绘画。在风景画和花鸟画中，有时也带有情节性。雕塑虽然比绘画更加难于表现情节性内容，但是塑造正处于事件或运动过程中的形象的作品也不少见。

美术的静止的造型，还可以使它固定下来保持不变。它不像文学形象那样依靠想象而形成差异；更不像舞蹈、戏剧等形象，同一作品的多次表演不可能完全不变，甚至随着创作过程的结束而消失。这也是美术的巨大优势之一。由于这个固有的特性，才能让人们直接观赏到历代保留下来的美术作品。

（二）美术的主要类型

1.绘画

绘画是以线条、色彩、块面等造型手段，塑造具有一定内涵和意味的平面视觉形象的艺术样式。它在美术门类之中应用最为广泛，并且居于基础地位。绘画可以由创作主体根据自己的经验，描绘出取材于社会和自然的一切可视形象，以及从现实生活的体验中生发出来的幻想的视觉形象。古人说：“存形莫善于画。”在照相术发明之前的漫长岁月里，绘画是用直观形象记录和反映现实的主要手段。

绘画是造型艺术中最为自由的一种类型。它的题材极为广阔，从宏观到微观，从重大的社会历史事件到日常生活琐事，从千山万水到一花一草，都能够加以表现。在塑造人物形象方面，绘画可以表现各种动作和表情以及具体细致的心理活动。达·芬奇曾说过：“画所表现的人物神情只要和他们内心活动相适应，它就能被人理解。”他甚至认为这种表达的明确性“与说话毫无二致”^[4]。黑格尔也说，绘画“可以用外在的东西把内在的东西完全表现出来”^[5]。绘画还可以具体地表现出人物所处的有关环境。

绘画因为使用的物质材料和技法的不同，分为许多品种。其中主要的是油画、水墨画、版画、水彩画、水粉画、壁画、素描等。

油画是西方传统绘画的代表，具有极高的表现力，创造了辉煌成果，对世界绘画的发展也产生了极大影响。油画因使用油质颜料而得名，在文艺复兴时期有很大发展，出现了达·芬奇等大师。油画色彩丰富，能体现色调层次、光线、质感和空间感，能真实生动地描绘一切有形事物。油画的传统观念重视对于自然的忠实，崇尚“模仿”说。著名的十八世纪法国画家安格尔说：“造型艺术只有当它酷似造化到这种程度，以至把它当成自然本身了时，才算达到了高度完美的境地。”^[6]因此，作画时严格运用符合视觉原理的焦点透视，强调写生的基础和色、光的运用。十九世纪后期印象派的崛起，绘画的观念发生了变化，强调个人印象的表现，形体和色彩带有更多的主观因素。表现主义则更加追求主观情感意念的表现，把形象的客观真实性降低到无足轻重的地步。抽象主义完全抛弃具体形象，把绘画作为纯粹色彩线条的抽象组合。但是，油画在近现代多元化的发展中，追求客观再现与主观表现的统一，并且重视技法，则是主流。

水墨画主要使用墨和水质颜料，中国画是其代表，因此中国画也经常成为水墨画的同义词。中国画主要用线条勾画形象，十分重视笔墨技法，采取散点透视的观察与表现方式，形象创造和画面构图有更大的自由度。中国画重视空白的运用，例如画人物不画或少画背景，画游动的鱼虾而不画水，山水画中的天空、云雾和水面也经常用空白来表示，造成“虚实相生”的效果。重视艺术与自然之间的辩证关系，既主张“师法自然”又反对单纯“形似”，崇尚“似与不似之间”、“以形写神”，追求“气韵生动”，讲究意境的营造，是中国画的传统思想。中国画又与书法有很深的渊源，历来有“书画同源”、“书画同法”之说；它还与诗有相通之处，因而推崇“画中有诗”。中国画还经常使用印章。朱红印章不仅有某些说明作用，更重要的是可以点缀画面，增加韵味和美感。画与诗、书、印的结合，也是中国画突出的特点之一。在处理再现与表现、具体描绘与情感抒发的关系上，由于侧重点不同，形成工笔画和写意画的不同样式。工笔画工整细腻、注重细节真实；写意画悠意挥洒，追求意趣。也有工笔与写意结合的做法。如齐白石的昆虫与花卉，昆虫是精雕细刻，花卉是姿意挥洒，在一幅画面上，两种手法各得其所，相得益彰。现代中国画吸收了西方绘画的一些有益的因素，特别是写生的基本技能受到重视，明暗的处理等等也有所吸取。同时对其他画种的形式技巧也多有借鉴，探索、创新蔚为风气，风格更趋多样。

版画是通过制版来印制作品的一种绘画样式。制版的材料和方式有多种，如木刻、铜版、石版、麻胶版、丝网版等。版画一般线条清晰，色彩明快，形式感强；但不同类别的版画又有其各自独特的效果。版画的创作主要体现在制版上。制版完成之后，可以反复印制作品，这是版画的优点之一。

壁画是指绘制在建筑物内外墙壁和天顶上的作品。它的制作手段多种多样，除了一般描绘之外，还有镶嵌、拼贴、雕刻、陶瓷工艺以及综合手段等等。壁画除了发挥重要的装饰作用之外，还由于它往往是鸿篇巨制，题材重大，技艺不凡，在美术史上占有显著地位。埃及、印度、中国等文明古国，历代都留下许多优秀的壁画；欧洲文艺复兴的大师达·芬奇和米开朗基罗等人，都有著名壁画如《最后的晚餐》、《创世纪》等保留至今。在历代的墓穴、寺庙和居室庭院中，也还存在大量面积不等的壁画。现代壁画形式手法更趋多样，被大量应用于公共场所和宾馆、学校、医院等地，除美化环境外，还有传播思想文化、进行宣传教育的作用。(www.xing528.com)

2.雕塑

雕塑是最具有实体感的造型艺术类型，它的艺术形象具有立体性，是在三维空间展示出来的，并且有一定的重量；它不仅诉诸视觉，而且是可以触摸的。“雕塑”这一称谓，是由于它的基本技术包括雕和塑两种方式。雕是在硬质材料上进行加工创造，削去不需要的部分，塑是用软性材料按照构思来堆积捏塑。雕塑的立体性，更加提高了形象的真实感和魅力。

雕塑的题材，只适合于可以通过静态形体来表现的内容。从长期的实践来看，雕塑主要是表现人，特别是人体；有时也以动物为题材。雕塑的全部内容，都蕴含在塑造成的形体之中。在人体雕塑中，身体形状就是内在精神的体现。黑格尔说：“在雕刻里感性因素本身所有的表现都同时是心灵因素的表现”；他认为，如果心灵内容不是可以用身体形状完全呈现出来，这样的雕塑就是不完满的。雕塑的形体，除了表现出本身的心灵、气质之外，其内涵可能还要继续延伸或扩展。例如有许多雕塑作品具有象征意义，通过外形与内心和谐统一的形象，来象征某种精神、信念、观念以及自然规律、形象等等。著名的维纳斯雕像除了表现出内心与外形的优美、高雅之外，还是爱的化身，象征着爱情。古代宫廷雕塑中，有不少象征权力、地位、威严的东西。某些城市的主要雕塑，可以说是这个城市历史文化的象征。纪念性雕塑除了象征某种精神之外，可能还凝聚着一段难忘的历史。

雕塑形象具有单纯性。绘画中复杂的人物关系和背景、具体细致的表情和情感活动，在雕塑中是难以表现的。雕塑中塑造人物，宜于表现人物的形体与心灵最为本质的东西。如黑格尔所说，雕塑形象应当“突出地表现出与精神相契合的身体形状中一般的常住不变的东西”，要排除特殊的个别细节和一时的表情与心理活动。这种单纯性要求雕塑艺术达到高度凝练，以少胜多，表现丰富、深刻的内容。因此，卓越的雕塑作品总是耐人品味，具有无限的意韵和永恒的魅力。

雕塑还注重发挥材质的审美作用。雕塑使用的物质材料有不同的质感，如大理石的细腻润滑，花岗岩的粗糙坚硬，木料的质朴和纹理趣味等，可以和一定的造型恰当结合起来，相得益彰。比如大型英雄雕像采用花岗岩来塑造，就更有利于表现坚毅威武的气质。有的雕塑作品，在展示造型的同时，甚至刻意突出材质的美感。

雕塑在表现形式上由于实际深度的不同，分为圆雕和浮雕两种类型。圆雕是完全的立体形式，也是雕塑的主要形式。浮雕在深度上有所压缩，形体的背面结合在底版上，观赏角度只限制在正面。浮雕可以有背景，也可以表现复杂一点的内容，一般不独立使用，多依附于建筑物上，或作为其他方面的装饰。

3.书法

书法是文字书写的艺术。各种文字的书写如果力求美化，也可能具有艺术的性质。例如被称为“美术字”或“艺术字”的书写形式，就属于这种情况。但是一般地说，“书法”一词是有特定内涵的，即专指汉字的书写艺术，因为迄今为止，世界上还只有汉字的书写形成了一种具有独立价值的艺术。至于为什么惟有汉字的书写能够达到这样的境界，一般认为是由于汉字始于象形和使用毛笔这样两个原因。汉字始于象形，是与绘画同源的，虽然在发展过程中逐渐抽象化了，但是形态上仍然具备造型的条件。同时，汉字书写用的毛笔，比西方所用的硬笔在书写技法的发挥方面有大得多的余地，粗细刚柔，浓淡干湿，抑扬顿挫，富有变化，也为艺术创造提供了有利条件。这两个条件结合起来，就在实践中形成了书法艺术。因此可以看出，凡是具有这两个条件的地区，例如东亚和南亚一些国家，都存在书法；其中日本对这种艺术尤为重视。

书法属于造型艺术范畴，具有艺术的一般的共同性质，也是人在现实中所产生的情感的艺术反映。真正的书法作品，不仅仅是一种外在形式，而且显示着作者的思想意趣和精神气质。所以美学家宗白华说，书法“表达着深一层的对生命形象的构思，成为反映生命的艺术”。^[7]

关于书法的艺术特征主要把握两点。其一是抽象性。在造型艺术中，书法是最具有抽象意味的。它通过用笔、结构和章法三方面技巧的运用，创造特有的形式美。用笔有出锋、藏锋、侧锋、方笔、圆笔和轻重、疾徐等。结构也称布白，它要求每一个字的落墨处与空白处都要安排适当，收到虚实相生的效果。章法是指一幅字的整体结构的法则，它要求安排好全篇的布局。其二是形与意的结合。书法是一种抽象表现艺术，在抽象的形式之中包含着深厚的意识。这种意识是从两个层面体现出来的。第一层面是由于书法要以文字语言为依托，文字语言例如诗词、文章等，本来就具有一定的思想内容，而书法的美与这种思想内容结合起来，就更加富有魅力。第二层面是书法本身的形态直接体现出来的，因为书法就是书法家的生活体验与情感的艺术表现。例如唐代韩愈在《送高闲上人序》中说，草书宗师张旭“喜怒窘穷，忧悲愉佚，怨恨思慕”等等，“有动于心，必于草书发之”；同时，“观于物，见山川崖谷，鸟兽虫鱼，草木之花实，日月列星，风雨水火，雷霆霹雳，歌舞战斗，天地事物之变可喜可谔一寓于书”。

书法根据字体的不同，分为篆、隶、楷、行、草五个基本类型。篆书起源于古老的甲骨文，周代青铜器上的钟鼎文是典型表现。秦汉之际，篆书演化为隶书。到魏晋南北朝，楷书又盛行起来。然后又出现行书和草书。

4.工艺美术

这是美术所属的一个品类繁多的系统。传统工艺美术有陶瓷工艺、金属工艺、竹木工艺、编织工艺、印染工艺、玻璃工艺、漆器工艺、服饰工艺和石雕、玉雕、骨雕等等。随着新材料新技术的出现，其品类还会不断地扩展。工艺美术涉及日常用品的许多方面，对于美化生活起着重要作用。例如茶具、餐具、文具、家具、服饰和室内摆设等等，就有不少具有工艺美术的性质，有些甚至具有很高的艺术价值。它们融实用性与观赏性于一体，具有物质与精神双重属性。一般地说，实用性是其主要方面，美化是在实用的基础上进行的。实用与美观相统一，是工艺美术追求的一般标准。

也有专供观赏的工艺美术品，例如玉雕、景泰蓝工艺、陶瓷雕塑、金银摆件和一些其他特种工艺。这类作品特别注重精美的形式和高超的技艺，而且有的材料本身就具有很高的审美价值或经济价值，让人感到珍贵。另外，各地还有许多制作简便、材料普通的玩赏品，如泥塑、草编等等。

工艺美术由于和人民生活有着广泛联系，社会需求量大，一般采取批量制作的方式，重复生产。

5.现代工业设计

现代工业设计也称现代设计或工业设计，是二十世纪中叶发展起来的一个新兴艺术范畴。十九世纪西方工业的大规模发展，一方面满足了人们对于新的物质产品的需求，同时也使人们逐渐意识到机械化生产的产品缺乏美感；只有使工业技术和美术设计结合起来，才能生产出在市场上更受欢迎的产品，同时满足人们对于物质和精神两方面的需要。基于这种客观形势，二十世纪初期在德国出现了德国工业联盟和称为“包豪斯”的组织，旨在致力于新的技术与艺术的统一。这种主张得到了广泛响应，随后成为一股风靡世界的艺术思潮，影响了工业产品的生产与消费，同时也影响到整个造型艺术领域的美学观念。

现代工业设计在国际上称为“迪扎因”，它担负着一切现代工业产品的造型设计任务，涉及的范围十分广泛，从家具、餐具等日常生活用品到轿车、飞机、电脑等高新技术产品；也就是像一次国际技术美学会议上说的“从小匙到大城市”，都在它关照的范围之内。它在现代工业和美学的基础上，综合了技术的、艺术的、心理的、生理的、商业的、社会的等各种因素，为批量生产符合人们日益提高的物质和精神需要的产品进行创造。它的最为突出的特点，是把造型艺术和工业产品结合起来，也就是使工业产品艺术化。配合工业生产，创造出大批既有先进的技术性能又有新颖美观的形式的产品，就是它的任务和目标。

现代工业设计对于美化生活有着突出作用。随着科学技术和工业生产的加速发展，它的作用将越来越重要。