了解鲁本斯的色彩与线条：听傅雷讲艺术

鲁本斯的“色彩与线条”

鲁本斯的《抢夺吕西普的女儿》是取材于神话故事的一幅画，但这类作品还有很多，这幅画代表了他此类题材的最高水平。

这幅画取材于希腊神话：众神之父宙斯变作天鹅，与丽达交欢，致使丽达产卵，卵中孵出了一对孪生兄弟卡斯托尔和普鲁克斯。他们二人以武士身份著称，从不分开，是古罗马骑士的保护者。他们爱上了迈锡尼国王吕西普的两个女儿，可是她们已经许配给了另外一对孪生兄弟，即他们的两个表兄弟，于是卡斯托尔兄弟便强行把这两姐妹劫走为妻。需要指出的是，抢亲在欧洲历史上也是一种风俗，所以这类题材并无暴力的含义，反而带有亢奋激越的节日欢庆氛围。

这幅画在艺术处理上别具新意，采用了戏剧性和装饰性相结合的表现方法。画面上卡斯托尔和普鲁克斯两兄弟被描绘成两个皮肤黝黑的壮汉，他们骑着两匹壮健的骏马，以迅雷不及掩耳之势，将睡梦中的两姐妹拉着抱上马。画面上的两姐妹肤色柔嫩润洁，体态丰盈健硕，对突如其来的抢劫显示出惊慌和半推半就的神态。

整个画面色彩绚丽，裸女的肌肤是整个画面中最引人注目的，抢劫者和马匹浓重的棕、黑、青灰色将其衬托得异常鲜亮夺目。这一组激烈活动的人物在和平宁静的大自然中，造成了静中有动的效果。在整个画面上最吸引人的是裸女的人体。鲁本斯画中的裸女总是丰腴饱满，具有旺盛的生命力，这一幅画也不例外。

在鲁本斯的笔下，女性的裸体与奇花异兽的价值是相同的，它们都是画家组成绚丽动人的画面的材料，是娱人感官的观赏对象。可是，在描绘这些令人赏心悦目的对象时，鲁本斯在绘画技艺上确实达到了他人难以企及的造诣。克拉克在《裸像》一书中写道：“人的肉体是一种奇怪的物体……它是一个使用粘稠颜料和刷子（油画笔）的画家最难描绘的物体，只有三个人——提香、鲁本斯和雷诺阿知道怎样去做。”的确，在表现女性的肉体美方面，鲁本斯达到了他人难以媲美的高度。

为了表现画面的雄伟气魄和力量感，画家有意将视平线压得很低，整个画面里的人物组成了一个巨轮，好像在大地上滚动似的。而画面的整个构图又像是一个近似的正方形，其中一个角在女子后屈的腿和青年前脚的交点上，从这一点引向仰起的马蹄，由马蹄引向高处的马头和小爱神，再回到出发点。这一方形的、布置得十分紧凑的运动形象，初看上去他们似乎扭成一团，然而仔细看却具有匀称的节奏变化，这一变化是通过人物动作姿态的呼应以及明暗、冷暖色彩的对比实现的。

两个青年的动作是向中的，而两个女子的动作是向上的，这体现出劫夺和反抗两种不同的情态以及与此相应的变化。而两位女子的体态动作也各不相同，一个是向上屈起，一个是向后屈起，伸出的手臂和腿的屈伸动作在对比中达到呼应和统一。

《抬起十字架》与《基督下十字架》是两幅宗教题材的画，将耶稣上十字架与下十字架时的情景表现了出来。

《抬起十字架》具有明显的意大利风格。画面上一个十字架从右上角到左下角首先吸引了观众的视线，钉在十字架上的耶稣赤裸着身体，上身肌肉紧张，下身松弛，面孔向上扭转着，表情既痛苦又有信心，似乎把自己的一切交给了上帝，表现出了耶稣坚贞不屈，为了信仰而献出生命的悲壮。强烈的光线照在他的身上，使他在整个画面上占有极为醒目的位置。在他周围，行刑的兵丁处于不同层次的暗背景中，他们有着大力士般的身体，隆起的肌肉饱满而紧张，他们象征着暴力，与象征着真理与信仰的耶稣形成了鲜明的对比。

整个画中的人物都处在运动之中，扭曲的身体动作，隆起的一块块肌肉，使画面充满了张力与动感，而“上十字架”这一历史性、戏剧性的时刻更使观者能于屏息中体验到一种精神的紧张。

《基督下十字架》是《抬起十字架》的姊妹篇，同样属于教堂的祭坛画，是在《抬起十字架》绘制完成后开始制作的。这幅画主要表现了耶稣的门徒和亲人在他死后的哀痛。由于教堂不许表现过分悲痛的场面，画家着力表现了人物的“强忍悲痛”之情，但正是由于这样，才使画面具有了高度的表现力和悲剧效果——正如莱辛在《拉奥孔》中所说，艺术作品极度感情的表达往往会使作品因夸张而失真，而选择在感情高潮前后的某一时刻表达则将使作品具有饱满的张力，并且能给观者留有想象的余地。在这一幅画中就是如此，透过人物矜持而内敛的表情，我们更能感受到他们内心深沉的悲伤和哀痛。

画面上耶稣的身体被从十字架上放下来，整个身体被置于强烈的光照下形成了构图的中心，画面上耶稣的面容没有痛苦，显得十分平静，他的灵魂似乎已经进入了天国。在十字架横木左上角的位置上趴着一位老者，他就是耶稣的信徒——善良的约瑟，他曾向总督彼拉多请求安葬耶稣。此时他正用力咬住托着耶稣身体的布单。这块白色的布单从左上角扯挂到右下角，形成了一个强光的对角线，在构图上具有鲜明的效果。

耶稣最喜欢的门徒约翰身穿红袍，他在画面的下方，他从下面接住布单，轻轻地放下了耶稣，他承担了耶稣大部分的身体重量，他侧过脸去，望着圣母。(www.xing528.com)

圣母玛丽亚悲痛地伸出手，似乎想要拥抱自己的孩子，她的整个身体都被沉重的头巾和披风包裹着，只露出了悲伤的面部表情。使徒彼得站在圣母的上方，在耶稣被捕的时候，他曾受指而三次表示不认识耶稣，耶稣虽然没有怪罪他，但他此时却感到十分内疚。在画面上，他的形象和其他人一样，陷入深深的内心矛盾之中而不能自拔。

整幅画面上人物的情感虽然受到了压抑，可从中仍然能看出各种人不相同的性格特征，以及和耶稣的关系、情感的联系。在构图上，《基督下十字架》也与《抬起十字架》有相似之处，它们都用对角线划分画面，而用强烈的聚光使耶稣成为画面的中心。在色彩的处理上，它们是在单纯中见丰富，在对比中有调和，既统一又变化多端。

在这两幅作品中，鲁本斯始终将肉体的颜色视为作品的主题，他通过绚烂的色彩，尽量使耶稣死去的身体显得更美。在他的笔下，似乎对美丽肉体的凌辱是比对心灵的伤害更残酷的——正是由于肉体的这种炫目的色彩之美，竟使基督受难的精神意义被减少到了最低限度。

傅雷先生探讨了鲁本斯对构图、色彩的把握与使用，他指出鲁本斯的构图永远具有“明白简洁的因素”，他的作品初看上去似乎有些凌乱，毫无规则可言，但只要仔细研究就会发现，它自有严密的步骤，自有一种节奏，自有一种和谐。

例如藏在卢浮宫里的《圣母像》，“全画又是多么鲜艳夺目的色彩，而圣母腰间的一条殷红的带子更使这阕交响乐的调子加强了。在这样的一幅画中，殷红的颜色很快产生刺目的不快之感，假若没有了袍子的冷色与小天使躯体的桃红色把它调和的话”。这是傅雷先生对这幅画简短的分析，但是通过他的赏析，我们对这幅画颜色的配合、调合有了具体而明确的认识。

在对鲁本斯作品的色彩运用具体分析之后，傅雷先生总结出了其特点，其一在于他使用的颜色的种类不多，其妙处只在使用的方法上；其二在于暖色调成为他作品中的主要基调，而这与鲁本斯本人的气质有关系。

《卡尔凡山》与《圣莱汶的殉难》现在保存在比利时的布鲁塞尔美术馆，是两幅宗教画。《卡尔凡山》作于1636年，即鲁本斯辞去政界、外交界的官职之后的第二年的作品。此时的他已经可以在平静的环境中安心作画，所以这幅画是他的一幅杰作，这幅画表示着他的艺术已经达到了登峰造极的境界。

这幅画的画面中间，耶稣倒在地上，他蜷伏的身体全靠双手支撑着，似乎就要跌下去了。在他背后，是一具正往下倾的十字架，西蒙把它举起，以免将耶稣压倒。旁边有一个圣女正在为耶稣擦拭额上的鲜血。圣母走了过来，她的表情又是慈爱又是哀怜。前景中，有几个士兵押着两个匪徒，而远处的一群罗马士兵在队长的指挥下似乎正在赶过来。这正是耶稣上十字架前的一刻。画面上的人物，衣衫和肉体以及面容，都很美，正如我们在介绍《抬起十字架》和《基督下十字架》时所指出的那样。

《圣莱汶的殉难》描绘的是一个圣者受难的场景：画面的前景左边，圣莱汶穿着主教的衣服跪在地上，右侧站着几个士兵，他们刚把圣者的舌头割掉，圣莱汶的嘴还张开着，鲜血淋漓。有一个士兵的钳子中还夹着血肉去喂正在咆哮不已的一条恶犬。远景中几匹马拉着小车在飞奔，半裸着的士兵都很强壮，盔甲与剑戟闪耀着光芒。在天上，从云端处降下的美丽的天使正把棕叶戴在受难者的头上，更高处隐约有其他天使和上帝的形象。这幅画因为酷烈和残忍，使得它具有一种震动人心的效果，而画面上的人也被一种狂热的情绪包围着。

在对这两幅画的分析中，傅雷先生主要强调了线条的神奇作用。他指出，在《卡尔凡山》一画中，一条主要的曲线横贯全画，与周边形成45度的斜角，指示出群众的趋向，而其他次要的线条都倾向于这条主要的线条和动作显得更加剧烈，也使画面具有一种狂乱的热情，让人能感到莫名的骚动与感动。

正是在对线条的分析中，傅雷先生引入了对鲁本斯《节庆》的介绍。在这一幅画中，画家将线条的功用发挥得淋漓尽致、出神入化。“全个题材依了一条向地平线远去的线条发展，为要把线条的极端指示得格外显明起见，鲁本斯把他终点处的天际画得最为明亮。由此，图中的舞蹈显得如无穷无尽的狂舞一般。其他次要的线条亦是倾向于上述的中心线条，以至全体的动作变得那么剧烈，令人目眩。”

傅雷先生此处的分析细致入微，精辟地指出了鲁本斯对线条的把握和使用，他并且比较了同一时期的另一个著名画家的此类作品，指出这位画家的作品虽然简明、典雅、色彩鲜艳，但终究还是不像鲁本斯的作品有着史诗般的气魄。而这正是鲁本斯娴熟地运用色彩、线条所达到的艺术效果。