巴洛克时期钢琴演奏的风格特征及西方钢琴艺术的发展

文艺复兴是人类经历过的最伟大的、进步的变革之一，其光彩夺目的成果影响深远。经过文艺复兴的洗礼，欧洲在16—17世纪走上了在现实世界中的主导地位。文艺复兴文化的余晖，从这一时期大量出现的城市广场、雕塑和建筑中都可以看到，同时基督教和古希腊、古罗马文化艺术的影子也随处可见。从文艺复兴开始的人文主义的复活，在巴洛克时期结出了硕果。

在文艺复兴时期，虽然音乐家的地位仍旧不高，但贵族、宫廷和教会将拥有作曲家、乐队、歌唱家和歌剧院、歌剧演员，以及赞助艺术活动作为炫耀自己的势力、实力和显示“文明”程度的资本。由此，音乐家已经有可能因为被争相聘请而提高了自己的待遇和社会地位，辉煌的音乐和艺术硕果也因此而生，从而造就了这个时代灿烂夺目的宝藏。

从“巴洛克”（baroque）这个源于葡萄牙语“barrocco”一词开始，审视已经成为文化史上的一种思维定势，对从16世纪末17世纪初开始150多年的艺术风格的结论，并延伸到音乐领域，是一个有趣的话题。“baroque”的原意是指形状不规则、不是正圆形的珍珠，带轻蔑的贬义，后来延展到建筑、雕塑以及视觉艺术的广泛范围，意指其中以戏剧性的、强烈的对比，欲求激起观众情感反应的特点，以及过于雕琢的修饰、夸张和怪诞。贝尼尼打造的充满戏剧色彩的建筑和雕塑、卡拉瓦乔的油画虽然已经成为一个典型，但是并没有进行成熟的哲学和美学层次上的归纳和分析，同时“巴洛克”这个并不存在统一内涵的词语也难以合理地移植到对音乐风格的描绘上。因此，直接、简单、类比性地将“巴洛克”套用在那个时期的音乐上，显然是无效的。然而，从那个时期音乐的一些共通的形态和情感表现上，却完全可以总结出一些明显可见的特点。从这个意义上来看，将“巴洛克”的原意抛开不计，用“巴洛克”这个外壳来指代那一个时期，则已经成为音乐史的共识。包括激情风格和音乐形态在内的一般特点都突出地表现在巴洛克时期的典型作品中。(www.xing528.com)

克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在1605年提出的“第一常规、第一实践”（first practice/prima pratica）和“第二常规、第二实践”（second practice/secondapratica）理论，也称为“第一法”“第二法”理论，在音乐史上有很大影响。他所说的两种常规分别是“由扎里诺总结的声乐复调风格”和“马伦齐奥和他本人这些当代意大利人的大胆的风格”，更直接地说，是指“音乐支配歌词”和“歌词支配音乐”的不同区别，而更多的人则将它们扩大为“古老风格和现代风格，或严谨风格和装饰风格”之间的不同。在巴洛克时期，曾经有过相关的激烈争论，但这并未抑制作曲家的创作。如蒙特威尔第本人虽因“第二常规”倾向而饱受批评，但在创作中却兼用两种风格。这种对风格的认定实际上延续了整个西方音乐史。在巴洛克时期，更为准确并被广泛接受的体裁风格性的分类，则被区别为教会、室内和戏剧音乐，或者是声乐、器乐和歌剧三个鼎足而立的类别。它完全可以涵盖整个巴洛克时期，直到17世纪末。从大的倾向来看，这种体裁分类则可以延续到20世纪。

任何一个音乐史风格时期的划分，都有双重意义。首先,它的被认定取决于一个主流的、代表性的、与其前后有较大区别的风格。其次，要注意的是，任何一种风格都不会是突然产生和成熟的，它都有一个或长或短的酝酿、萌芽和发育过程以及成熟后的延续，因此每一个时期的主流风格都会在这个时期开始之前见到踪影，在这个时期结束之后仍然有延展的痕迹。另外，一个风格时期的划定也许会选一个历史性的事件。如巴洛克时期的开始选定的是歌剧的诞生（1597年）所转化的一个“整数”（1600年），而巴洛克时期的结束则选定在巴赫的逝世。显而易见，其中有一些“人为”因素（要知道，音乐史本来就是由音乐史学家所撰写，而不是天生的），因此不应被理解得太过机械。这样一个并非具有理论意义的话题，在进入巴洛克音乐时期讨论时正是一个极好的机会。