中国钢琴艺术发展的主要风格流派

钢琴艺术的风格是指钢琴音乐创作中表现出来的综合性特征，包括钢琴艺术作品的风格、作曲家的创作风格、钢琴音乐流派的风格。钢琴艺术的流派是指钢琴艺术在一定的历史时期内，思想境界、美学观念、创作手法等方面较为相似的音乐家所形成的派别。钢琴艺术因共性而形成流派，因个性而造就风格。几个世纪以来，作曲家以独特的创造力创作出超越时代的钢琴艺术作品，成为钢琴艺术风格与流派不断更新的动力。

（一）文艺复兴时期

文艺复兴时期是一个宗教向世俗过渡、神秘主义向科学时代过渡的时期。这个时期人们的理智觉醒，关注现世生活，注重情感，使得文化繁荣、人才辈出。音乐家的地位得到了提高，键盘音乐也有了明显的发展。

1．文艺复兴时期键盘艺术的发展

印刷术的推广应用，大大方便了古钢琴音乐的传播和发展。这一时期留给后世的音乐不再是残缺不全的手抄本，而是篇幅完整的作品形式。到了16世纪，已经有大批的作曲家涌现。古钢琴音乐除了在德国，还在意大利、法国、英国、西班牙、荷兰等国得到发展和繁荣。

16世纪，古钢琴音乐发展最快的是英国。英国在伊丽莎白女王时代经济发达，人文主义文化繁荣，不仅出现了大文豪莎士比亚，而且在音乐上也呈现出空前繁荣的景象。这个拨弦古钢琴盛行的时期在钢琴艺术史上被称为“古钢琴第一盛期”。

其中最著名的作曲家有：以风格自然朴素著称的威廉·伯德、享有“炫技大师”盛名的约翰·布尔和艺术上完美成熟的吉本斯·奥兰多等。他们擅长炫技性的装饰乐段和拨奏分解和弦的演奏技巧，发展古钢琴特有的键盘语汇，从而形成了古钢琴适宜表现普通人世俗情感的特点。他们的创作常常以当时的民歌和家喻户晓的世俗音乐为基础，散发出比较浓厚的生活气息，他们最喜爱采用的体裁是变奏曲和舞曲。

2．文艺复兴时期键盘艺术的风格

文艺复兴时期的键盘音乐大多取材于世俗舞曲与宗教歌曲。作品以管风琴作品为主，但古钢琴作品也呈现出欣欣向荣的景象，初步创作了托卡塔、利切尔卡、坎佐纳、变奏曲及各种舞曲、组曲等体裁，出现了庄重、均衡、稳定的风格。它使键盘音乐摆脱了对声乐的依附，有了自己独特的功能，形成了有特色的键盘音乐体裁。

文艺复兴时期的键盘音乐处于教堂风格时期，呈现多声部的音乐特征，音域拓展到了4个八度，装饰音、旋律加花大大增加。受声乐艺术的影响，音乐创作多以歌唱性或级进为主。

（二）巴洛克时期

Baroque一词起源于葡萄牙语，原来的意思是“畸形的珍珠”，后来专指17～18世纪的建筑与绘画风格，通常带有豪华、绚丽、装饰性强的倾向。巴洛克时期的建筑艺术推崇富丽堂皇的宫廷风格，热衷于纤巧华丽的装饰，尽显豪华气派。这一特征反映到当时的音乐领域，就形成了音乐史上的巴洛克时期。

1．巴洛克时期钢琴艺术的发展

巴洛克时期产生了众多的音乐家。此时欧洲正从封建主义向资本主义过渡，文艺复兴运动也逐渐向启蒙运动发展。正是在这样的变化动荡过程中，产生了西方音乐史上的第一个繁荣时期。巴洛克时期是钢琴艺术发展史上第一个伟大、辉煌的时期，这个时期的钢琴艺术成为后来音乐家创作的典范，影响了几百年来的音乐发展。

巴洛克前期的古钢琴音乐发展比较鼎盛的是在意大利、德国和法国。当时的法国正值路易十四王朝统治，国力强盛，艺术繁荣，古钢琴音乐作品也应运而生。法国的拨弦古钢琴主要是供凡尔赛宫的王室娱乐享用，创作上完全受宫廷贵族美学观点的支配，崇尚精致优雅，讲究装饰的艺术。在法国形成的拨弦古钢琴音乐的繁荣时期是钢琴艺术史上的“古钢琴第二盛期”。

巴洛克时期最有成就的古钢琴作曲家是德国的约·塞·巴赫和亨德尔、意大利的斯卡拉蒂，以及法国拨弦古钢琴的第二代音乐家库普兰、拉莫。其中影响最为深远的要数约·塞·巴赫，他是西方音乐史上承前启后的伟大音乐家，也是钢琴艺术史上划时代的大师。

巴赫为古钢琴而作的乐曲数量众多，有《平均律钢琴曲集》两卷48首，二部、三部《创意曲》15首，还有《法国组曲》《英国组曲》《帕蒂塔》各六套，以及协奏曲、变奏曲、幻想曲、随想曲、赋格曲、托卡塔等共约220首，并多以精湛的复调技巧写成，历来被视为古钢琴复调音乐的最高典范，而巴赫本人又是一位谦卑、质朴、内向、勤勉、坚强的人。巴赫曾经说过：“谁像我一样努力，谁就有我这样的成就！”

斯卡拉蒂除了创作为数不多的弥撒曲、康塔塔和大协奏曲外，几乎把毕生的精力都倾注在古钢琴音乐上，可以与19世纪浪漫派钢琴大师肖邦媲美。他一生共创作了555首古钢琴奏鸣曲，这是一种前所未有的新型体裁，除了少数用复调手法写成之外，大多数以一个主题旋律为主，加上低声部伴奏织体的主调音乐风格写成。斯卡拉蒂的奏鸣曲不仅确立了古钢琴音乐的崭新风格，而且大大丰富和发展了古钢琴演奏技巧。

亨德尔为古钢琴而写的作品主要是古钢琴组曲与赋格曲等，由于他早年曾到意大利留学，与斯卡拉蒂等人交往甚密，因而风格上受意大利作曲家的影响较深。他的古钢琴曲以旋律优美、流畅见长，洋溢着柔美、活泼的田园情趣。亨德尔和巴赫同年出生，只相差一个月，两人被认为是巴洛克音乐集大成的代表人物。巴赫一生贫穷而孩子众多，亨德尔没有婚姻却享有盛名和荣华。可惜的是，巴赫虽然很想与亨德尔相见，却因种种原因二人从未见面。

这一时期的古钢琴音乐除了斯卡拉蒂、亨德尔、巴赫的作品之外，其他的大多内容风格相对陈旧，技巧较为粗浅，除了专门作为历史资料进行研究之外，已很少在音乐会上演奏。但是，它们对未来钢琴音乐发展所提供的创作、演奏的经验仍然是极为宝贵的。

巴洛克时期最突出的成就是建立并完善了大小调体系，由此开始了西方音乐历史上持续了300多年的共性创作时期。巴洛克时期奠定了古典主义、浪漫主义钢琴音乐创作的基础，同时也完成了由古钢琴到现代钢琴的变化发展，进入了钢琴艺术发展的繁荣时期。

2．巴洛克时期钢琴艺术的风格

巴洛克时期的古钢琴音乐具有浓厚的宗教色彩，宗教题材在巴洛克钢琴艺术中占有主导地位，作品气势宏大，结构严谨。巴洛克古钢琴音乐运用大量的民间素材，表现丰富多彩的生活和高尚的情感，体现了多种艺术的综合性，强调艺术的想象力，表现出绘画、雕塑、建筑般的空间感、凝重感。

巴洛克时期的复调音乐具有统一连贯的旋律形象，旋律的发展采用模进手法，音乐呈现此起彼伏、连绵不断、繁而不乱的运动特点，通过乐思的重复、运用力度的扩张来体现内在运动的张力。

库普兰，法国著名的作曲家，也是最伟大的羽管键琴演奏家，被誉为“法国键盘音乐之父”。

巴洛克时期在建筑上常用花卉、贝壳作为装饰；在服饰上爱用大量花边、羽毛加以修饰；在音乐上，也运用大量华丽多彩的装饰音。这个时期的音乐作品，装饰音种类繁多，在每一个作曲家和演奏家手中都有不同用法和不同解释。有的装饰音起着节奏重音的作用，有的装饰音主要用来勾画、修饰抒情的旋律线条，而有的不协和装饰音则是在巧妙地增添和声的色彩。装饰音的大量运用，使巴洛克时期的音乐风格显得更为高雅和讲究。

（三）古典主义时期

“古典主义”一词原指古希腊罗马艺术中的经典之作，含有经典、权威之意。18世纪中期，西方音乐开始由巴洛克时期转向古典主义时期，钢琴艺术也经历了一个审美趣味的转变——键盘乐器的改革、作曲曲式的创新和演奏实践的改进。直到18世纪70年代才最后确立了古典主义。

1．古典主义时期钢琴艺术的发展

18世纪后半期的欧洲，思想上和政治上发生了巨大的改革。法国的启蒙运动是欧洲历史上继文艺复兴以后的又一次思想解放运动。在资产阶级启蒙精神的影响下，新兴的市民阶层要求艺术作品的题材冲破宗教、历史、宫廷的局限，去表现日常生活事件和普通人的情感，并要求艺术表现的手段通俗易懂。古典主义时期的作曲家海顿、莫扎特、贝多芬既是古钢琴音乐的继承者，也是现代钢琴音乐的奠基者。也正是在这一时期，欧洲钢琴音乐完成了由古代钢琴音乐向现代钢琴音乐的历史转变。

钢琴协奏曲与钢琴奏鸣曲是维也纳古典乐派作曲家创作的主要体裁形式。海顿一生共创作了55首钢琴奏鸣曲以及相当数量的协奏曲、变奏曲、舞曲等。在他的作品中，明快、典雅的古典主义风格与世态风俗性的音乐形象融为一体，特别是最后的5首奏鸣曲，是海顿专为钢琴创作的，可以视为现代钢琴音乐创作宝库中最早的一批珍品。莫扎特的钢琴作品主要有钢琴协奏曲23首、奏鸣曲17首。莫扎特与海顿共同创立了古典奏鸣曲与协奏曲等钢琴音乐的体裁，一般说来，莫扎特的作品更具有抒情性和歌唱性，钢琴的表现手段更加丰富。贝多芬的32首奏鸣曲与5部协奏曲称得上是钢琴艺术发展史上里程碑式的作品。特别是贝多芬创作成熟时期的作品《黎明》《热情》《告别》奏鸣曲以及《第三钢琴协奏曲》《第五钢琴协奏曲》，应属于贝多芬一生创作的最优秀的钢琴音乐作品，完全可以与他的交响乐作品媲美。贝多芬对钢琴音乐的最重要贡献是：他适应了18世纪末1 9世纪初欧洲资产阶级革命的时代要求，为钢琴音乐引入了交响性、史诗性题材内容，表现重大社会矛盾冲突，向人们展示了震撼心灵、宏伟壮丽的历史性画面。

2．古典主义时期钢琴艺术的风格

古典主义时期，人们普遍反对过于严肃复杂和宏大深奥的巴洛克复调音乐，追求轻松、愉悦、精致、敏感的主调音乐。因此，钢琴音乐在风格上也表现出以旋律为主的主调和声形式。

对各种曲式的完善成为古典主义音乐家探索的重要领域，奏鸣曲体裁逐渐趋于规范化、成熟化。古典主义时期在表现人类情感的深度上虽然比巴洛克时期更进了一步，但仍然会有所节制。所以，这个时期钢琴艺术作品的情感表现是有所控制的，这就需要用逻辑化的语言来表达丰富的内容，用严密的结构来表达理想。

古典主义时期的音乐创作表现了个性意识的觉醒。海顿、莫扎特、贝多芬虽然都属于维也纳古典乐派，但都具有鲜明的个性。海顿的音乐风格诙谐、活泼，他在钢琴艺术作品中大量地运用民间歌舞的音乐，使之充满了活泼愉悦的气氛。莫扎特的音乐以揭示内心世界与道德规范为特点，风格纯真，平易近人。在他的钢琴艺术作品中，音乐被平民化、通俗化了，常用真善美来抚慰人类的心灵。贝多芬的音乐以英雄性和戏剧性见长，表现了人类的反抗精神。贝多芬将崇高与平凡、豪放与优雅、粗犷与细致、热情与理智、深刻的情感与哲理性的思考融为一体，达到了古典主义钢琴艺术的高峰。

古典主义音乐中蕴含的自然、简单其实是非常精心的艺术。将天赋、技巧、自然、艺术巧妙地结合起来，用钢琴艺术的语言表现纯美的内容，在平凡中创造出伟大，使古典主义钢琴音乐成为永恒的经典。

贝多芬结束了钢琴艺术史上光辉的古典主义时期，同时又开辟了通往浪漫主义时期的道路。传统形式的枷锁被冲破，新的钢琴音响得以重建，一个激情奔流的时代、一个洋溢着诗意与幻想的境地即将出现。

海顿是继巴赫之后的第一位伟大的奥地利器乐作曲家、古典主义音乐的杰出代表，被誉为“交响乐之父”。(www.xing528.com)

（四）浪漫主义时期

“浪漫”一词源于中世纪用罗曼语写作的传奇故事或诗歌。19世纪初，欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流、新的风格，这就是所谓的浪漫主义。浪漫主义突破循规蹈矩的古典形式，用个性化的语言，不拘一格地表达个人的思想感情和艺术感受。音乐上的浪漫主义运动稍晚于文学上的浪漫主义运动，大约从19世纪20年代起，贯穿整个19世纪并延续到20世纪初。随着西方音乐史上浪漫主义的形成，钢琴艺术也进入了它的鼎盛时期。

1．浪漫主义时期钢琴艺术的发展

随着19世纪乐器制造业的发展，钢琴的性能日趋完美，钢琴演奏水平迅速提高，发掘钢琴丰富的表现手段成为钢琴音乐创作的重要内容。浪漫主义时期的作曲家喜欢在钢琴作品中使用各种层次的力度变化，创造丰富多样的和声织体以追求钢琴音色的对比。特别是使用延音踏板和“弹性节奏”的演奏方法，将钢琴的歌唱性效果发挥到极致。

此外，浪漫主义作曲家重视音乐与文学、绘画、戏剧等姊妹艺术的结合。在钢琴音乐中，出现了许多标题性的乐曲以及与文学有关的叙事曲、十四行诗、无词歌、小品套曲等等。这一时期，钢琴作品的体裁也有了极大的发展，除了奏鸣曲、协奏曲等古典曲式外，作曲家对前奏曲、幻想曲、随想曲等传统曲式进行改进，赋予了它们新的内容，同时还创造了许多前所未有的体裁，如即兴曲、夜曲、间奏曲、圆舞曲、音乐瞬间、无言歌、音乐会练习曲、浪漫曲、幽默曲，以及有标题或无标题的钢琴小品套曲等。各民族民间舞曲体裁形式，如连德勒舞曲、玛祖卡舞曲、波兰舞曲、波尔卡舞曲、塔兰台拉舞曲、哈巴涅拉舞曲等也先后进入钢琴音乐领域，成为作曲家们喜爱的体裁形式。

当时风靡欧洲的钢琴家主要有：匈牙利的胡迈尔，英国的费尔德，德国的卡尔克勃兰纳、泰尔伯格，奥地利的车尔尼和捷克的莫舍列斯等，他们对钢琴演奏技术和演奏风格的发展做出了不同程度的贡献。这些钢琴家各自建立其演奏技术训练的体系，纷纷编写各种类型的练习曲和手指基本功练习曲，将钢琴演奏技术训练纳入规范化。像车尔尼、莫舍列斯等人的练习曲至今流传于世。由于过多地着眼于演奏技巧，在当时的钢琴领域也出现过一些作曲家为了追求炫技作品，而降低了钢琴音乐艺术质量的现象。与此同时，受浪漫主义抒情至上思潮的影响，一些多愁善感、矫揉造作的沙龙钢琴小品亦层出不穷。然而，经过历史长河的洗涤，这些炫技或沙龙小品最终消失在人们的视野中。如今成为传世瑰宝的依旧是出自舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦、李斯特、勃拉姆斯等浪漫主义钢琴大师的不朽作品。

到19世纪后期，钢琴艺术史上自巴洛克时期以来形成的德奥中心局面有了根本的改变。雄霸欧洲钢琴乐坛的“德国中心”由于民族乐派的兴起而动摇乃至瓦解。

在1870年至1910年间，欧洲音乐局势发生很大变化。由于受到当时的民族解放运动与民族主义思潮的影响，东欧、北欧、西南欧的一些原有音乐文化比较落后的国家和地区，致力于发展本民族的钢琴音乐创作。他们的钢琴音乐注重吸收各民族民间音乐语言，大量采用民歌旋律和民间舞蹈的节奏，表现各国人民的风俗生活与民族性格，反映了各具特色、丰富多彩的民族音乐风格。而浪漫主义时期的肖邦、李斯特，虽然在他们的作品中也出现了民间因素，流露出他们的民族性，但并未形成真正的民族乐派。肖邦所受的音乐教育是建立在德奥音乐体系上的，李斯特还在德国的魏玛建立了“新德意志学派”。肖邦和李斯特虽长期不在本国进行创作，但这两位音乐家的出现并未动摇德国钢琴音乐中心的地位。

俄罗斯民族乐派的作曲家有米利·巴拉基列夫、莫杰斯特·穆索尔斯基、彼得·柴可夫斯基、谢尔盖·拉赫玛尼诺夫、亚历山大·斯克里亚宾；挪威的有爱德华·格里格；西班牙的有伊萨克·阿尔贝尼斯、恩里克·格拉纳多斯；法国的有塞撒·弗朗克、卡米尔·圣·桑、加布里埃·福雷。

2．浪漫主义时期钢琴艺术的风格

浪漫主义音乐最直接地表现了人世间喜怒哀乐一切情感。浪漫主义时期的钢琴艺术强调个人的抒情性，偏重幻想和夸张的手法，梦幻般的诗意和火热的激情是这一时期钢琴音乐中常见的内容。由于理想与现实之间充满了矛盾，浪漫主义钢琴家表现得最多的是对梦寐以求而又难以实现的事物的渴望。贝多芬的音乐展现了不亚于浪漫主义情绪的如火如荼的激情，他能够竭尽全力地用一种现实的音乐语汇将其表露无遗。而浪漫主义音乐中的情感表达却往往留给人们一种意犹未尽的感觉，这正是其区别于古典主义音乐的一大特点。浪漫主义音乐家总是将内心的情感寄托在那种说不清道不明的、现实世界所不可企及的幻境之中。

浪漫主义时期的钢琴音乐继续采用了从巴洛克时期延续下来的大小调体系，但仍以主调创作为主，对位法在作品中的运用处于次要地位。作曲家为了着重表现内容与主观意识，寻找一切可能的手法营造情感上强烈的对比，对传统曲式再度创新，使结构自由多变，出现了许多混合型的曲式结构。

相对古典主义来说，浪漫主义更注重民族因素，对民间素材的运用成为19世纪浪漫主义音乐较为普遍的做法。对民族音乐的关注激发了民族乐派的兴起，使民族乐派成为浪漫主义的一个分支。浪漫主义时期大师辈出，钢琴艺术作品精彩纷呈，在钢琴艺术历史上留下了最灿烂的一页。

（五）印象主义时期

19世纪下半叶民族乐派的钢琴音乐与“德国中心”的传统钢琴音乐相比虽然具有一定的创新，但是在抒情性、戏剧性以及注重个人主观情感的表现方面依然是浪漫主义风格的延续。而19世纪末在法国民族乐派基础上产生的印象主义则出现了与浪漫主义钢琴音乐反向而行的现象。

1．印象主义钢琴音乐的发展

印象主义是19世纪末在欧洲文化活动中心——巴黎诞生的一种新的艺术风格。印象主义最早启蒙于绘画艺术。1876年，法国有一群年轻的画家联合举办了一次画展。展品中有莫奈的一幅画作，名为《日出·印象》，引起了狂潮般的批评与质疑。但这些青年画家无所畏惧，依然与世俗的偏见顽强抗争，连续举办了八届联合画展，并努力探索一种新的艺术风格。这些艺术家将物体周围的色彩、光影、气氛看得比轮廓分明的实体更为重要．而且对运动不息的物体以及事物如水、雾、光的迷离变幻尤感兴趣。直到1886年，印象主义才真正确立。

印象主义音乐的产生是当时整个法国文学艺术思潮中的一部分，因此它深受印象主义绘画和象征派诗歌的影响。它的持续时间大约有半个世纪。印象主义音乐探寻的新语言和新方法与浪漫主义的一些传统形式截然不同，也为20世纪出现的各种新的音乐流派做好了准备。

法国作曲家德彪西、拉威尔是印象主义钢琴音乐的代表人物，在钢琴音乐创作中留下了独特的印记。他们的钢琴作品虽然对重大的社会内容不够重视，但是在探索新颖独创的音乐语言、寻求丰富多彩的“色彩性”效果、刻画生动的自然景物、造成朦胧幽静的意境等方面，取得了令人瞩目的成就。

2．印象主义时期钢琴艺术的风格

印象主义音乐不像浪漫主义音乐那么抒情、那么在乎个人的感受。印象主义的作曲家认为，音乐不再是抒发内心情感的手段，而是用来描绘瞬间印象，给人以听觉感官的享受。正如色彩和光线在绘画中的作用一样，音响和音色在印象主义音乐中的作用是最重要的。在于它追求的是在疾驰的瞬间印象中能够满足听觉并使之陶醉的东西，因此印象主义的音乐非常注重和声的色彩效果，削弱了音乐动机的展开和乐思逻辑的发展，注重的是气氛的渲染和情调的暗示。因为钢琴能充分表现和声及音色的精致变化，又在琴槌、琴弦和踏板的巧妙组合中产生出泛音效果，所以最能表达云雾之类水性音响的灵动之感，故而适宜于表现印象主义的风格。正当晚期浪漫主义的音乐家在钢琴上奏出力度标记达fff、ffff的极限响度，声嘶力竭也无法与交响乐队抗衡之际，印象主义的作曲家则在钢琴弱音区PP、PPP、PPPP的新天地中寻求无穷的变化，进入了钢琴音响的微型世界，真可谓浪漫主义“山重水复疑无路”而印象主义“柳暗花明又一村”。因此，钢琴微妙而精致的音色变化成了印象主义钢琴大师的最高追求。

拉威尔，法国作曲家和钢琴家。他的音乐以细腻、丰富的情感和尖锐著称，1937年在巴黎逝世。

（六）20世纪的钢琴艺术

20世纪是艺术上百花齐放的时代，也是一个科学技术突飞猛进的时代。科学技术的发展极大影响了社会经济和人类的生活方式，也影响了这个时期的钢琴艺术。它不仅为钢琴艺术创作带来了题材上的变化，也带来了创作手段上的变化。电声时代的到来，使钢琴与巴洛克、古典主义、浪漫主义完全断绝了关系，开拓了一个崭新的时代。

1．20世纪钢琴艺术的发展

20世纪初，由于浪漫主义把感情的宣泄发挥到了极限，音乐语言的表现手法也几乎用到了尽头，加之世界矛盾激化，社会动荡不安，艺术家们力求在新的哲学和美学观念中寻找出路，于是便涌现出一批创立新的艺术观和新的音乐语言的作曲家。这一切在20世纪上半叶的钢琴音乐中反映为：以勋伯格为代表的表现主义，以斯特拉文斯基、萨蒂、兴德米特、普罗科菲耶夫为代表的新古典主义以及以巴托克为代表的新民族乐派。而代表20世纪下半叶钢琴音乐的作曲家们如梅西安、斯托克豪森、布莱兹、凯奇等人又进一步地开拓了新的钢琴艺术领域，把序列音乐和偶然性技术运用到创作中去。他们之中还有人改变了传统的钢琴弹奏法，有的用手掌或拳头敲击键盘，发出“音束”或“音块”的声响，有的将钢琴内部的琴弦直接作为音源或者在钢琴内部的琴弦之间插入橡皮、螺钉或钥匙等物件来改变音色。

1950年以后出现了先锋派音乐。1980年以后，人们似乎从扭曲中逐渐走了出来，提出要冲破先锋派音乐的新教条，呼唤情感的回归。有的音乐家说：“我发现序列法一成不变的半音调色板，越来越使人受到限制了，再也不愿忍受它在音响上的狭窄了。”于是，新出现的作品似乎不协和的东西减少了，音乐味越来越浓，人们从智能化的创作转向了从人类的想象及感情上进行创作，尽可能把自己想要说的一切用人们所理解的方式说出来，追求作品清晰、简单的性质。多年来不合乎潮流的主属音又出现了，音乐上又有了新的舒展感，出现了优美的旋律。这一切都说明新的浪漫主义风格在形成。

一个世纪以来，音乐家们形形色色的探索已成为历史的一部分。钢琴艺术经历了印象主义、表现主义、新古典主义、新民族乐派、序列音乐、先锋派音乐及新浪漫主义。无论是20世纪上半叶的作曲家，还是下半叶的作曲家，都在竭力使钢琴这一乐器担负起“乐器之王”的使命。各流派的作曲家们在钢琴上进行的创作，都反映了这些作曲家自身的位置与取向，也反映了他们的趣味与意向，展示了其各自的观念与特点。

2．20世纪钢琴艺术的风格

钢琴艺术发展的300多年间，从巴洛克时期到古典主义时期，再到浪漫主义时期，每个时期都具有一定的艺术风格。而20世纪印象主义以后的钢琴音乐，在风格流派上却呈现出纷繁复杂、各树一帜的局面，风格变换的频繁程度也超过了历史上任何一个时期。这一时期的钢琴艺术与其他艺术一样，越来越趋向于怪诞与无表情。

表现主义的钢琴艺术用刺激、不协和的音响，表现了人类内在精神的恐惧、绝望与焦灼。它反对传统，无视规则，采用无调性、十二音体系、序列手法、音响刺激等方式进行创作，采用非理性思维，用抽象描述的方法，表现主观内心的冲动，揭示人类灵魂中的阴暗面。

将古典主义的精神气质与现代的表现手法高度地融合在一起，正是新古典主义钢琴艺术的创作特征。新古典主义将钢琴当作打击乐器，突出敲击性音响，夸大音乐的节奏特征。新古典主义作曲家喜欢效仿17、18世纪的音乐创作风格，重新使用均衡的形式、清晰的主题。他们虽然追寻理智、平衡、客观、冷静的美学原则，但却背离了表现人类丰富情感的古典主义特征。他们的创作以双调性和多调性为主，情感上刻意远离人情味，带有冷嘲热讽、玩世不恭的黑色幽默。

新民族主义钢琴艺术是将鲜明的民族特点与新颖的现代作曲技法有机结合，融合各个音乐流派的精华，形成新颖独特的钢琴艺术语言。新民族主义钢琴艺术更加关注民间音乐本身，在吸收民间音乐特征的基础上形成自己独特的语言风格。其音乐内容倾向于寻求民族的原始心灵。

先锋派钢琴艺术采用极其不同于传统的表现手法，主张摒弃过去的一切。先锋派是一个极端反传统的新潮流乐派，他们对社会持激进的态度，以扭曲、异化、叛逆的心理，信奉宁可破碎不要优雅的观念，向人们展示一个又一个出乎意料的音响效果，例如用音块、音群、音串取代和弦。在这些作曲家手中，钢琴不仅要用手指弹，还要用手掌拍，用拳头砸，用前臂去压。

新浪漫主义钢琴艺术呼唤感情的回归，音乐以传统的和声为基础，具有清晰的调性，侧重情感的表现，在继承传统音乐和谐美的同时又融入一些新的技法和语汇。其创作注重情与形的协调，追求清新、朴素、自然的效果，情感真挚。

20世纪钢琴艺术的发展过程，向我们预示了各个音乐流派所形成的循环不已的变化将会延续下去。它和宇宙中的万事万物一样，遵循着一条轮回的规律。在20世纪西方钢琴艺术中，既有在传统的基础上推陈出新的，也有在极端的探索中标新立异的。多元化的西方钢琴艺术正沿着不断探索的道路前进和发展。