高校钢琴创造性思维教学研究成果

与其他艺术形式不同的一点就是音乐属于一种表演艺术，只有通过表演作品，观众才能感受到音乐作品的魅力，钢琴艺术演奏同样也不例外。钢琴演奏就是将已经被作曲家符号化或物化的作品演奏出来，当然演奏之前要充分研读和理解，在充分理解创作者的创作背景和创作意图之后再加上演奏者本身的理解将其动态音响的形式呈现给观众，将沉默无声的音乐作品变成有声的音乐生命的过程。因此，钢琴演奏的本质是音乐作品的再次创作。也就是说，演奏者在演奏的过程中，在充分展示和再现创作者的创作后，还要将表演者自身的理解和创造融入其中。对于一部音乐作品而言，作曲家只记录作品中的具体和象征性的东西，也就是说不管作曲家将多少表情术语运用到乐谱的描写当中，乐谱的内容多么细致，都无法记录创作者在创作过程中音乐的节奏或微妙的变化，更无法将作者当时的情感情绪波动体现到乐谱当中，只能通过表演者的表演实践以及对作品的深入理解才能将蕴含于乐谱之中的各种情感和思想以动态的声学方式传达出来，并让听众感受音乐的魅力。

在音乐表演的过程当中，在重视原作的同时，加入演奏者自身对于作品的理解，才能做到真正的二度创作。对于音乐表演者而言，由于身处的环境不同，人生的阅历也各不相同，因此在他们的表演中不可避免地会将自身的经历和个性融入表演的各个环节，形成的演出效果自然也各不相同。如果每个演奏者仅仅满足于照搬乐谱，那还谈什么创造性的表演。科技发达的当今，只要用电子技术就能合成音响，但这样的音乐却不是鲜活的，而是同复印机复印的一般千篇一律。不同的表演者对作品有不同的个性化的艺术处理，这种个性化的、有血有肉的、创造性的表演正是音乐的魅力所在。由此可见，钢琴演奏是一种创造性的艺术活动，再创造是它的本质，正因为如此，也充分说明创造性思维在演奏过程中的重要性，只有充分发挥这种思维，才能使演奏过程中二度创作更加出彩和完美。把这种思维运用到高校钢琴教学实践当中，不仅有利于学生音乐感受的培养，对于学生对音乐作品的理解和表现能力方面来说也有很大的促进作用，能够为学生之后的成功演奏奠定坚实基础。

（一）重视和激发积极的情感体验

情感主要是人们对事物是否满足其需求的心理态度的情绪反映，并经常会自然产生各种不同情绪，例如喜怒哀乐等。对于创造性思维或创造活动而言，情绪和情感的变化可以直接发挥积极或消极的调节作用。当一个人的情绪积极而饱满，那么对他的创造性思维活动就会起到一定的促进和强化作用，进而推动创造性活动的加速进行；而当一个人处于消极而低沉的状态时，就会很大程度上妨碍或干扰创造性思维活动及其创造性活动的正常进行。

情感体验是指在欣赏、表演和创作音乐作品时个体情感上形成的一种直观反映。在钢琴学习中，学生不仅要将乐谱上音符、节奏、力度、和声、织体等外在表现的内容有深入了解和记忆，更重要的是基于情感体验、想象力和审美感知的理解，只有将这些因素充分结合起来，才能将蕴含于作品中的意境挖掘出来。音乐这门艺术在情感表达方面颇为擅长，这也就意味着音乐表演实际上是演奏者在乐谱的基础上结合想象力与情感共同展现出来的艺术形式。

在钢琴教学实践中，钢琴专业教师不仅要教给学生与钢琴演奏相关的技巧，更重要的是要让他们体验音乐这种形式的艺术所包含的美感和情感，进而被音乐所传达出来的意境所吸引，并投入进去，这里的意境通常是表达真善美，从情感上与音乐形成共鸣，最终实现全身心融入表演，将作品中丰富情感含义揭示并表达出来，传递给听众。情感体验是钢琴专业教学实践中的一个教学重点，只有充分重视和激发，才能积极调动学生的想象力，进而为其形成创造空间，这对于学生创造性思维的培养而言极为重要。

1.培养学生的兴趣

与其他理论性较强的学科相比，钢琴这门学科对演奏技术有较高要求，涵盖了非常复杂的技术内容，并且积累了大量的作品。在学习钢琴的过程当中，学生只有努力学习并且始终如一，才能在钢琴演奏中小有所成。因此，在钢琴学习的过程中如何培养和调动学生的兴趣，针对不同的情况适当引导，将钢琴学习中的阻力变成机能，在艰苦的练习当中寻找乐趣，充分调整学生的各种不良状态，并使之成为学生学习的重要基础和基本动机，教师因势利导，将这些不利因素转为学生学习的促进因素，并最终形成能够持续发展的终身爱好，将成为教师教学实践当中的一个难点和重点。

对于任何人而言，创造性思维形成的一个重要心理学基础就是兴趣和情感。钢琴专业教师可以从学生感兴趣的音乐开始，让学生体验音乐带来的美好体验，激发学生学习的积极性和积极探索未知的欲望，带着这种求知若渴的态度投入钢琴的学习当中去，增强学生对音乐的了解，激发学生的音乐情感，并通过自己的亲身经历投入创造活动当中去。由于大学生基本上都有自己的见解和想法，因此在选择音乐时，教师需要与学生进行良好的交流，并有针对性地选择适合学生口味和特点并同时能促进学生发展的音乐，这样不仅调动了学生的学习热情，也很大程度上提升了学生的专业技能。只有当学生的学习意识处于一种积极饱满的状态时，才可能形成较为强烈的再创造意识，进而有兴趣对音乐作品的含义和形式进行更加深入的探索和研究，以更加积极的态度去挖掘乐谱中除音符等表面内容之外的深刻含义以及新的表达方式，这样做的目的就是希望之后的每一次演奏都能给人以全新感受。

2.尊重学生的个性体验

由于学生性格等方面存在不同程度的差异，学生对同一钢琴作品理解和经验自然也各不相同。此时的教师需要尊重属于学生自己的理解，并给他们足够的空间来以自己的方式体验和表达他们认为的音乐，而不是将自己的经历和观点强加于他们。关于这一点，钢琴教育家涅高兹在《论钢琴的表演艺术》中讲过这么一个故事，在他学习钢琴的过程当中，他的老师要求他按照自己的趣味来弹奏肖邦某首作品，但涅高兹无论如何也不愿意，最终他的教师戈多夫斯基承认涅高兹是有自己想法的人，他不能限制这种个性。在涅高兹看来，教师努力让学生按照教师的想法和理解照搬弹奏作品是不可取的。

在钢琴专业的教学实践过程中，教师应尽量避免说教式教学，积极鼓励学生尽量自己思考，尤其是发散性思考，鼓励学生从多个方面和各个角度深入挖掘作品的内涵及意义，并激发学生通过演奏相关音乐产生相应的情感体验。而不是通过灌输或填鸭等方式，将自己的想法或构思强行灌输给学生，这对于学生的自我思考和理解来说，将是一种严重打压，尤其是对于那些有想法有能力的学生而言，更是一种扼杀。通过启发引导等教学，可以使学生逐渐形成并具备独立思考能力，实现从爱上学习，向学会学习，最终走向掌握学习这样一条路径。

（二）重视想象力的培养

凭着丰富的想象力，我们的思维也变得活跃而丰富。可以说生活中所见到的所有美丽的创造和发明都是在想象力的基础上实现的，人们的思维也因为想象力的存在充满了活力与新生。在音乐演奏当中，钢琴演奏就是一个充满创造性的过程。在演奏钢琴时，可以说想象力贯穿始终，这种思维对于演奏者而言，不管是感知层面，还是体验层面抑或是领悟层面，缺少了想象力，蕴含于钢琴作品中的形、情、意都很难得到相应的理解和释放。

1.声音想象

可以说音乐是声音的一种艺术呈现，同时也是听觉层面的艺术享受。作为一种艺术形式，音乐的所有艺术表达都是基于表达对象而言，通过一定比拟、象征和模仿等形式实现听觉层面的欣赏。对于表演者而言，音乐呈现出来的声音是需要关注的一个重要方面。钢琴被称为乐器之王，就是因为呈现出来的声音更加理性，再加上与其他乐器相比更加宽广的音域，使它在声音的表现上可以做到丰富多彩甚至是无限，通过极为丰富的表现力将作品的意境表现出来，让钢琴在呈现音乐艺术的过程中可以做到游刃有余，这一点甚至可以与乐队组合相媲美。由于演奏者个体之间的差异，对作品的理解和演奏方式也不同，弹奏出来的音色自然也就多种多样，如同不同画家对颜色和线条的使用一样。也正因为如此，在钢琴演奏中，表演者可以发挥自己丰富的想象力和创造空间，努力处理声音，为弹好钢琴奠定基础。

由于生活环境和所处时代背景的不同，每个作曲家都有不同的想法和构思，这也就意味着每个作品所需的声音也不相同。对于钢琴演奏者来说，在处理或理解一部音乐作品时，其思维想象中应该产生与作品相关的更具感性和具体的音乐图像，与此同时还应该有人的声音以及其他乐器所呈现出来的声音色彩。钢琴教学实践过程中，教师应该有意识地促使学生对声音产生想象力，通过对理想的声音的想象，逐渐找到正确的演奏方式，进而演奏出符合作品也符合想象的声音。(www.xing528.com)

演奏者只有通过想象协作产生符合钢琴作品意境的声音效果、和声线条以及相应的立体感，在演奏实践中才能充分开发自己的创造性思维，让演奏的每一个音符都伴随着想象而产生，这样弹奏出来的音乐才能与内心情感产生共鸣与交流。大学钢琴专业教学应将激发学生的创造性思维作为一个教学重点，不断扩展学生的想象空间，扩大他们对声音的想象力，音响动态和演奏对象之间的关系学生可以通过想象形成明显的意象关联，这种关联可以是比拟，也可以是象征，甚至还可以是模仿等，通过这样的意象，可以很大程度上提升学生钢琴演奏的能力与技巧。关于如何提升学生对声音的想象，主要有以下几种方法。

（1）通过辨别不同乐器的声音或触键来寻求正确的声音。

由于钢琴构造的特殊性，使得钢琴可以对多种乐器的声音进行模仿。在教学实践中，教师可以让学生想象一下模拟乐器的独特音调和弹奏方法，再通过对作品的音色进行构思和设计，通过钢琴演奏将独特的声音移植到钢琴上，这样就能使钢琴弹奏出更具韵味的声音效果。例如，在演奏储望华先生创作的《筝箫吟》时，由于这是一首颇具古韵的音乐作品，用钢琴演奏时需联想古筝和萧的演奏音效。触键时，右手可以想象古筝的抚弦技艺，用小角度触键并借助手腕的快速转动，使声音产生的效果不管是演奏方式还是音效都向筝的音色靠近。左手在中音区发出悠远而低沉像萧一样的声音，与右手配合，再加上散板部分对古筝流水般声音的模仿，形成一种极为悠长而绵延的想象意境。在课堂上，教师需要引导学生去聆听相关乐器的演奏，观看演奏视频，帮助学生对箫与筝的演奏及其音色建立初步认识，以便在钢琴演奏中形成正确的声音想象，通过实践弹奏将乐曲的意境展现出来。另一个例子是李斯特的《第二号匈牙利狂想曲》，在这首音乐作品当中，需要学生利用钢琴来模仿匈牙利民间乐器大扬琴的声音效果。李斯特在创作这部音乐作品的过程中使用此技术为音乐增色，使钢琴的表现力得到了极大扩展。教师在教学实践中，有必要引导学生充分想象大扬琴的声音，并通过钢琴的音调生动地传达出来。

（2）联系自然界现象、日常现象及音响。

教师通过对日常生活常见的现象和音响效果进行分析模仿、比较和处理，使学生处于一种探索和发现的环境当中，鼓励学生进行创造性思维的训练。众所周知，钢琴作品不仅具有丰富的音乐和声音外观，还与人类社会思想和情感有着很深的联系，与此同时，很多钢琴作品还与日常生活中的自然现象和音响也有联系。教师在教学实践中，要不断引导学生联系实际生活展开创造性思维，找到与作品声响相符合的声效，并将其运用到钢琴的弹奏当中来。如在进行贝多芬《C大调钢琴奏鸣曲》op.53（黎明）的第一乐章的教学时，教师可引导学生通过感受C大调主和弦反复低沉的鸣响，意识到预示黎明破晓前的悸动。而副主题的朴素而优美的出现，仿若天边的朝阳缓缓升起，紧接着降低一个八度演奏给人更加轻柔的感觉，形成一种“回声”般的音效。通过启发学生进行联想，探寻在钢琴演奏中如何通过音色进行相应的情景构建有助于学生形成自己的演奏构思与演奏表达。

（3）作品对声音的要求不同。

由于钢琴作品创作者生长的环境不同，社会背景不同，自然也会形成不同风格的音乐，这些差异对钢琴声音有不同要求，这也是教师在钢琴教学实践中应该引导学生积极探索，并展开丰富想象，寻找最合适的声音的原因。例如，巴洛克时期的音乐，由于受当时乐器的构造和性能影响，为适应不同乐器而兴起的个性化键触技术与装饰音潮流风靡一时，用钢琴演奏巴洛克时期音乐需注意其风格审美特点，强调清晰、明亮和颗粒感较强的键触技术。在古典主义时期，乐器制造技术的进步，优化的钢琴性能不可避免地改变了以往的演奏风格，这一时期的演奏更加注重轻巧的触键，快速的音阶移动，柔和优美的旋律，在风格上更加倾向清新典雅，音质、音流和音色要尽量轻巧、均匀、灵动。在浪漫主义时期，钢琴性能的进一步完善使钢琴演奏不管是从音色层面还是层次层面都变得更加多元和完善，触键手法也更加多样化，音色也变得更加丰富多彩。到了20世纪，音乐风格的多元化让钢琴演奏更加丰富。印象派音乐更加注重意境与色彩，因此在演奏的过程中要有一种飘逸朦胧之感；而现代音乐将打击演奏带入了钢琴演奏当中，这种全新的演奏观念可以说颠覆了传统的钢琴演奏，这一流派的钢琴创作者认为钢琴本身就是一种打击乐器，这一流派的作曲家不再追求柔和的声音，他们利用极具力度的手指和手腕直接干脆地敲击钢琴键盘，发出颇具金属般尖锐而生硬的声音，对于现代派音乐而言，钢琴的作用不再是歌唱，而是以打击乐器一样发出严格而准确的呐喊。

学习期间，学生应广泛涉猎不同种类的演奏与音响音色，并将这些出色的声音收集并铭记，对于一些音乐大师演奏的声音，在欣赏的同时也要牢记，这对于之后的演奏实践而言，是一个很好的比较对象，通过对这些经典声音识别、模仿和分析逐渐形成属于自己的声音标准。学生之后在演奏钢琴作品前，通过了解和分析钢琴作品的具体风格，进而产生相应的声音想象，在演奏实践中，将演奏的声音与想象中的标准声音进行比较，与此同时，还要对声音音色进行不间断的调整，直至达到符合想象中声音的标准为止，此时的演奏状态也应该是理想的。

2.标题音乐想象

通常而言，标题钢琴作品的创作目的比较明确，往往是作曲家根据特定的文学作品、民间诗歌、历史传说而创作，或者是作曲家对某些文学情节有了预先拟定，进而创作的。在标题钢琴作品中，标题的作用非常明显，它往往起着揭示音乐的本质的作用，标题某种程度而言是钢琴作品的一种诗意的描绘说明，目的就是为观众设立一个特定的环境，让观众身处其中并自由想象。李斯特认为标题就是在器乐曲音乐中添加的易于理解的前言、序言或介绍，其目的就是为听众设立一个特定的音乐环境，避免听众产生错误理解和想象，在这个音乐环境中引导并帮助听众将注意力投放到所营造的环境或思想当中来。某种程度上讲，对于钢琴演奏者而言，标题钢琴作品为其提供了一种特定的理性的想象体验引导，由于参照较为丰富，对音乐的理解也就更加透彻。大学生在理解层面是有一定长处的，只需要教师稍加点拨，就能够充分了解音乐所传达的内容和情感，并且可以轻松地获得与音乐演奏相关的清晰生动的音乐联想。

在课堂上，教师应指导学生根据作曲家的情节概念去把握和理解作品，这样就很容易掌握作曲家创造的音乐形象，之后再充分利用学生的艺术想象力，为音乐演奏的二度创作营造一种创造性思维空间。当然，标题的存在虽然是理解音乐的基础，但标题音乐作品因为作曲家经常在作曲时忽略细节，只抓住这些主题的精神特征，因此与文字内容相比其显示的内容就很模糊，仅靠对文字的理解和诠释对于音乐作品的深入理解还有相当大的差距。此外，音乐具有自己的规则和表达方式，过分强调使用文字来描述音乐可能会导致演奏过于直观、简单，甚至变得庸俗，很难形成让人投入其中的意境。因此，必须将学生的想象力融入钢琴教学中。标题音乐所揭示或暗示的艺术概念必须根据音乐表达的规律和手段以及专有开发的逻辑进行组织，以发展音乐的个性化想象力。

3.无标题音乐想象

相对明确有标题的钢琴音乐作品而言，无标题音乐虽然没有明确标题，但具有标题的含义。无标题音乐以一种更抽象、更笼统的形式给演奏者营造出一种更加便于想象的空间。作曲家希望听众通过音乐的表达感受自己的感情与心灵，并在音乐中敞开心怀，而不是局限于作品的标题。

无标题音乐作品之所以没有标题提示，主要是因为作曲家是为了抒发主观感受和情感体验。因此，表演者在演奏这类作品时，主要就是依靠声音感知以及内在的情感体验来扩展自己丰富的想象力。由于乐谱中的音符无法表现情感认知，因此无法记录作品中包含的各种音乐思想。这就需要表演者根据自身的情感经验进行创意表现，这样，才能挖掘乐谱中隐藏的情感和想法，并进一步充实和丰满自己的想象力。因此，表演者需要发散他们的想象力，并从不同的角度出发。对于演奏者而言，想象要有一定的根据，不能凭空产生，一定要基于对音乐作品的深入研究和理解，结合个人感觉和经验以及特定的生活经历，再结合演奏者的文化素养和精神经历，以此展开对音乐作品的探究与分析。

在教学实践当中，教师应引导学生研究作曲家与创作相关的一些信息，例如历史背景、社会生长环境、生活经历等，最终了解作品的创作背景、创作意图和作曲家相关的其他作品，这样才能对作曲家的整体音乐风格和创作语言有一个全面的了解和把握。这些信息最终会在学生的头脑中形成一个文化积淀，为营造学生的创造性思维提供基础和机会，并使学生的想象力向丰富、活跃和多面方向发展。对于学生而言，此时的想象力带有很大的随机性和多样性，例如，在对同一首钢琴作品进行演奏时，由于学生自身方面存在文化背景、个性和理解层面的不同，每个学生对作品的处理方式也会不同。即使是同一个人，由于所处的时间和心境产生了变化，对于作品的理解自然也会有所不同，演奏出来的效果自然也是不一样的，因此，每一次演出都会形成一种全新的版本。

简而言之，想象力对于音乐表演中的钢琴演奏来说是最重要的一种心理因素，大学生钢琴演奏者可以通过各种方式不断扩展和丰富自己的生活阅历或经验，加上他们的知识积累和形象体验，将这些已经掌握的信息创新性地运用到钢琴音乐的演奏当中来，不仅能使钢琴音乐重获新生，由于思想层面的投入，也让演奏出来的音乐更能打动人心，这对于教学实践来说，既实现了创新性思维的培养，也很大程度上提升了钢琴教学质量。