中国艺术歌曲起源与演变

16世纪末至17世纪初，一群音乐家聚集在佛罗伦萨，讨论音乐的未来，他们崇尚古希腊的哲学、文学、艺术，希望能再现希腊精神。因此，在他们的音乐创作中追求体现音乐的内涵，强调歌词的重要性，主张音乐要为歌词服务，这对后来艺术歌曲的发展起到了深远的影响。“著名的作曲家雅各布·派里在1597年谱写了历史上的第一部歌剧《达芙妮》，遗憾的是歌谱已失传。后来他又和卡契尼共同创造了宣叙调和咏叹调。”^[1]

把复调音乐转变为单声音乐的第一人当数英国的作曲家约翰·道兰德。他在1597年出版了《第一本歌曲集》，里面的歌曲都是为独唱与鲁特琴而写的。意大利的卡契尼紧随其后，在1602年出版了歌曲集《新音乐》，其中包括12首独唱的牧歌和10首咏叹调。当然那时的咏叹调与现在的咏叹调不可同日而语，那时的咏叹调都很短小，音域也很窄，没有很强烈的戏剧效果，并常以分节歌的形式出现。它的伴奏节奏也与人声部分相同，常采用舞蹈节奏。牧歌的自由度相对大一些，有时更像宣叙调，伴奏部分极少，给演唱者很大的空间去自由发挥。英国的鲁特琴曲与意大利的独唱曲的不同就在于，英国的人声与伴奏部分都清晰地写在谱面上，演唱者只需按照谱子演唱即可，但意大利的独唱曲在伴奏部分只提供了数字低音，并且常常不完整，演唱者可以根据作品的内容，随意加以发挥，加进装饰音及华彩乐段，这也为演唱者炫耀声乐技巧创造了条件。

到了17世纪下半叶，歌剧在意大利蓬勃地发展起来了，而这一时期的独唱歌曲几乎销声匿迹了。现今人们所看到的《意大利歌曲集》中的曲目其实都来源于歌剧。这些歌剧早已失传，但其中的一些优秀的咏叹调却流传至今，并且这些咏叹调在风格上更接近于艺术歌曲。这也是为什么很多人在艺术歌曲的独唱音乐会上演唱意大利歌曲。这些歌曲大多数旋律简单质朴，特别是那些小调性质的，常蕴含着淡淡的苦涩，旋律的优美、雅致是这一时期歌曲的特性，任何激烈的情感或极端的痛苦都会扰乱优美的意境，所以极端的戏剧效果是不存在的。

在德国的教堂，独唱曲被康塔塔^[2]所取代而成为声乐作品的主要形式。而在英国，作曲家亨利·珀塞尔保持着自己的音乐风格，创作了大量的艺术歌曲。法国的作曲家让-巴蒂斯特·吕利则在国王路易十四的宫廷里开创了法国歌剧。(www.xing528.com)

艺术歌曲的真正发祥地在德国，1736年在莱比锡出版的《普莱塞河上的缪司神》被认为是欧洲第一部艺术歌曲集。这本歌曲集中，有的是根据原有的键盘小曲填词的作品，有的是作曲家新创作的作品。此外，在18世纪，海顿、莫扎特、贝多芬也相继创作了一些艺术歌曲，但数量与他们创作的交响乐相比就显得微不足道，但却很优秀。这时的作品，调性基本上没有什么变化，和声也保持着传统的简单的风格，只是旋律与歌词的结合更加紧密了。

在艺术歌曲的初级阶段，它的钢琴部分仅限于伴奏，处于从属地位。19世纪，奥地利作曲家舒伯特开历史先河，把钢琴伴奏提高到与声乐部分的平等地位。钢琴伴奏常常有自己的旋律、节奏及情感，它极大地丰富了歌曲的内涵与表现力。钢琴伴奏常常起到了描绘主题的作用，把诗歌的意境直接表现出来，它有形象的描绘，如风声、雨声、树叶的摇动声等；也有情感的体现，如喜悦、悲哀、欢乐、惆怅等。在他的影响下，后来的作曲家在和声与节奏上，表现得更为复杂，调性变化也日趋丰富，不协和的和弦比比皆是。法国的德彪西受印象主义思潮的影响，开创了印象主义的音乐。在他的作品中，有很多全音和五声音阶。勋伯格、贝尔格和韦伯则以十二音体系创作了一些艺术歌曲。19世纪末，民族主义浪潮风起云涌，作曲家们纷纷以自己的民族音乐为基调来进行创作，因此大量的带有民族色彩的艺术歌曲涌现出来，俄国的柴可夫斯基、捷克的德沃夏克、挪威的格里格、芬兰的西贝柳斯等都是这一时期的代表人物。

进入20世纪以后，钢琴或器乐部分在艺术歌曲中变得越发重要了，人声部分有时只是其中的点缀，或是对钢琴部分的诠释，传统的调性不复存在，旋律也由主要的地位变为次要的地位，器乐及钢琴的特性被发挥到了极致，艺术歌曲开始了一个全新的时代。