高校声乐教学实践：音乐表演风格研究

音乐表演者对作曲家及其作品风格的把握，当然不能只停留在理解和体验上，更重要的是还必须在这个基础上寻找适合表现这种风格的方法和技巧，并通过自己的表演实践把它完美地表现出来。为此，20世纪的许多音乐表演艺术家做出了艰苦而卓有成效的努力。他们对过去时代的音乐文献、乐谱、乐器等进行了深入的研究、整理、校订和复制，特别是对过去时代的表演习惯、技巧和方法进行了深入的探讨和实践，涌现了一批有代表性的表演艺术家和表演团体，有力地推动了忠实于原作风格的音乐表演艺术的发展。其中特别是对欧洲巴洛克时代和古典乐派的蒙特威尔第、维瓦尔第、巴赫、莫扎特等作曲家作品风格的研究和表演，取得了举世瞩目的成就，生动地再现了这些作曲家各具特色的作品，被称为音乐表演艺术的一场革命。例如对巴赫的表演，有的音乐学家做了这样的概括：“那就是使用巴赫时代的乐器——如果是声乐则使用巴赫时代的发声法和唱法——来再现巴赫的音乐。”并且具体地指出这种表演的要点是：比起旋律的歌唱来，更重视节奏的生命力；作为基础的不是中声部膨胀的音响，而是外声部清晰透明的音响；不是用自由节奏，而是用节拍内的重音来加强表现力；避免长的连线，采用短的分句法等。以风格纯正著称的钢琴家吉塞金在谈演奏巴赫钢琴音乐时强调指出：“巴赫甚至在热情奔放地演奏时也不是一个浪漫主义者……在速度上也不要夸张，尤其是放慢。应当记住，古代键盘乐器的声音是短促而不延长的，所以必须挑选普通的、自然的速度来弹；在弹柔板时，速度取决于巴赫钢琴音乐那种始终从容不迫的，往往甚至是舞蹈的性质；而在弹急板时，速度取决于必须把一切弹得清清楚楚。我再强调一遍：要弹得朴实、自然。”

同样是通过表演再现过去时代的音乐风格，但是在具体做法上是很不相同的：

原样主义的音乐表演，大量表演的是欧洲文艺复兴、巴洛克和古典乐派的音乐，他们使用复制的过去时代的乐器和乐队编制，并且严格地按照当时的表演习惯和演奏方法，力图彻底地再现过去时代的音乐音响和风格。阿诺库尔领导的维也纳古乐合奏团和霍格伍德领导的伦敦古乐合奏团就是这种原样主义音乐表演的杰出代表。

另一种做法是仍然使用现代乐器，不过在演奏精神以及方法上着力再现古代音乐的风格。正如著名小提琴家亚普·施罗德所说：“并不是每一位演奏家都有一把巴洛克时代的乐器，但他们全都应该领会音乐的精神，并且用手头的乐器，现代琴和现代弓，来表达这种精神。”而这正是音乐演奏中风格把握的关键，也是现代大多数演奏家所面临的问题。阿劳曾就巴赫的钢琴演奏风格谈道：“我听了万达·兰多斯卡演奏之后，就放弃了在钢琴上弹巴赫钢琴曲。我放弃它是因为我觉得钢琴给巴赫作品带来了世俗的声音，巴赫必须沐浴在崇高的光辉里。相反，我们听得最多的通常是在钢琴上的缝纫机式的演奏。不过用钢琴弹也可以做到尽善尽美的。埃德温·费舍就是一个伟大的例子。”(www.xing528.com)

当然，风格把握绝不仅仅是指对欧洲文艺复兴和巴洛克等古代音乐的表演，而是指对所有音乐作品的表演，无论是对古典派、浪漫派、印象派或现代派以及不同国家和民族音乐的表演，都有一个风格把握的问题。即使是对同一作曲家不同时期和不同类型的作品，也应在表演风格上有所区别。正如有的钢琴家所指出的，演奏肖邦的作品，如果把他的叙事曲的安静段落用夜曲的风格来演奏，那就会失掉叙事曲所特有的叙事的风格；而如果把玛祖卡紧凑而富于特性的节奏演奏成整齐单一的节奏，并且把速度放慢，那就可能变成华丽的圆舞曲风格。

总之，对音乐作品的风格把握和表现，其核心是纯正性，即按照音乐作品的原有风格进行演奏，而不是任凭表演者的随心所欲，把什么作品都演奏成一个味道，一种样式。风格纯正的音乐表演，将使人类历史上各种不同风格的音乐作品绽放出它们本来的光彩，使它们各自独具的艺术特色和美的魅力永世流芳。