钢琴演奏中的歌唱性研究

（一）钢琴演奏歌唱性的定义

音乐无法像造型艺术那样，将人或者事物通过描绘、塑造的形式，充分地将人或事物的形态逼真地表现出来；也不像语言艺术那样，通过语言将思想明确地表达出来，将故事的情节具体叙述出来；但是，音乐可以运用时间艺术以及听觉艺术，利用张弛的节奏、起伏的旋律、消长的力度，将速度、节拍、音调、音色进行转换，展现出人的感情状态、心理活动以及精神世界。在人类音乐的发展历史中，有很长一段时间都是以声乐艺术为主要内容，器乐是后来才逐渐成为一个独立的艺术形式。在器乐艺术慢慢出现以后，声乐艺术也在不断发展，同时，器乐艺术也离不开声乐艺术的美学原则。

歌唱能表达人的一种需求、情绪以及灵感，歌唱旋律连贯且自如，气息悠长且细致。不管是哪种乐器的表演，其最终的目标都是要拥有最富表现力的人声表演，感染人的心灵，创造更高的艺术境界。歌唱性就是表演者在唱歌时感受到的那种情感、心态、美感以及情调等，当人们在用唱歌的情感来演奏钢琴，将这种情感传递到钢琴变为琴音时，使用科学合理的艺术方法和技术手段，有效地实现人们嗓音根本达不到的演唱效果，具有复杂性和多样性。钢琴演奏歌唱性有广义和狭义两种含义：狭义的钢琴演奏歌唱性是指钢琴曲中的一些段落或者是曲调婉转的钢琴曲，这时的曲调听起来悠扬，有一种漫长并且和谐的感觉；广义的钢琴演奏歌唱性包括所有的钢琴曲，旋律、呼吸、句法等条件是钢琴演奏的基础，并且与歌唱密切相关。

（二）钢琴歌唱性演奏的训练方法

1.钢琴发音练习

掌握好钢琴发音的方法是钢琴歌唱性演奏的基础和关键，钢琴的歌唱性的演奏都是在歌唱性的基础之上的。如何利用合理的方法和技术技巧来演奏出歌唱性的效果，这是目前钢琴领域的很多学者所研究的热点问题。

掌关节的支撑是钢琴练习过程中所不可忽视的一个环节。钢琴歌唱性演奏的好坏和声音具有一定的关系，和钢琴演奏者身体各个部分的活动和表现力也具有非常紧密的关系。所以在对学生进行训练的过程中，能否做到身体各个部分之间的协调和表现力，是每位钢琴教师所需要注意的问题。在演奏的过程中，要掌握好掌关节的放松与紧张，使得音乐的节奏和身体的节奏高度协调和一致。

在钢琴歌唱性演奏的过程中，手腕的协调也是非常关键的一个部分。该部分能够在调整手的位置的同时，实现各个关节之间的协调。在弹奏的过程中，通过该部分的力度可以有力地表现音乐中的抑扬顿挫。手腕连接着手和手臂，是二者之间的桥梁。手腕动作的协调以及柔韧能够使钢琴的演奏更加富有节奏，更加具有表现力。

钢琴歌唱性演奏的关键就是是否能够引起听众的共鸣，而在钢琴演奏的过程中采用重量演奏的方法能够实现这一愿望。掌握该演奏技巧的关键有3个方面：要充分地理解从肩膀到手臂落下的过程中重量的传递；使重量以非常线性流畅的节奏传递到手指，并且手指能够足够坚定来承受来自肩膀到手臂落下时的重量；注意演奏过程中的关节的活动。通过调节身体各个关节各个部分来使重量能够在没有阻力的情况下通过身体各个部分的传递最终落到琴键上，使落下的感觉具有通畅性、通透性。

要通过不断的技巧练习以及和钢琴之间的磨合达到轻松获得良好钢琴声音的程度。在对学生进行钢琴基本指法训练的过程中要对学生的指法进行纠正，包括断奏、连奏、半连奏等等。连奏在钢琴的歌唱性演奏过程中应用得非常广泛，然而连奏也是难度较大、较难掌握的一种方法。如果要通过手指的指法将歌曲连奏出来，对于演奏者的力道、身体各个部分以及各个环节的要求非常高，要在身体各个部分充分放松的状态下进行演奏，而且在这个过程中要利用好力道的转移，通过手臂以及手腕等各个关节之间的富有节奏的协调，将这种力道在身体各个环节之间进行流畅的转移。要保证手紧贴琴键，按下的过程要缓慢，然后利用关节之间的协调实现力道的转移。(www.xing528.com)

2.踏板的运用

踏板在钢琴的歌唱性演奏的过程中具有非常重要的作用。踏板的正确运用与否能够在很大程度上决定演奏的流畅程度。如果踏板应用得不好，甚至会适得其反，使演奏的流畅度大大降低。踏板学习关键的环节包括预备阶段、踏板节奏的学习、踏板的切分和踏板的颤音。踏板的运用应该结合歌曲的旋律、和声、节奏以及作品的内容和表现风格等。弱音踏板在运用的过程中应根据乐谱上的记录，但是应该坚持少用、精用的原则。

3.培养学生分析和理解钢琴作品的能力

一个作品的演奏的成功，就是将乐曲所要表现的内容以及情感通过琴声演绎出来，如果要演绎好，首先需要演绎者要对作品本身有着深刻充分的理解，包括作者创作该作品的背景和作品的风格以及作品的结构等。一个作品往往体现着作者的内心细腻的情感世界，所以只有在充分了解了作品的创作背景和作品所要表现的情感之后，才能够理解作品的结构和用意，才能够深刻理解作者的思想，从而在一定的基础上实现对于作品的表现。也只有演奏者将作品中作者所要表达的情感渗透到演奏当中去，才能够使得作品具有生命力和感染力。在教学的过程中，还要重视对于音乐要素的分析。只有各个音乐要素之间相互协调、相互配合，才能够更好地表现作品的内容和感染力。演奏者如果能够掌握音乐的这些基本要素并能够加以合理灵活的运用，就能够更好地表现作品。

4.乐句的歌唱性演奏训练要点

音乐的演奏离不开乐句。通过乐句的组合才能够实现对于作品情感的表达。所以乐句在钢琴歌唱性演奏过程中具有非常重要的作用，是钢琴歌唱性演奏学习的起点。在进行歌唱性演奏之前首先要熟悉乐句的风格，是欢快、活泼还是思考或者是忧郁的，是委婉的抒情还是高昂的表现，是缓慢的还是急速的，等等。在了解乐句的这些音乐特性之后，采取相适应的演奏方法。在分句的过程中，要根据和声来进行乐句的划分，还要根据乐句的节奏以及旋律和作品的动机来进行乐句的划分。乐句可以由2小节、4小节或者是8小节组成，可以根据组成来对乐句进行划分。在演奏每个乐句的过程中，演奏的节奏和歌唱呼吸的节奏保持一致。在演奏重复乐句的过程中一定要有相应的变化才会更加具有表现力。通过平时多看多积累能够加强演奏者对乐句划分的能力。也可以从歌唱的角度进行划分。要注意句头、句尾、乐句的高点以及渐强渐弱的处理。清晰的乐句句头能够使人明白曲子的开始。乐句的开始的表达法很多，可以是强音，也可以是弱音，最基本的要求是清晰发音。句尾要慢慢地收，也就是弱收。轻柔、委婉地收能够使人慢慢品味余音绕梁的好作品。歌唱性的乐句必须处理好旋律与伴奏的关系，既然是伴奏，就是要轻，手指轻轻贴键，幅度要小。个别需要突出的音一般是节奏上的重音，也或者是和弦根音。其他的音要用像抚摸婴儿般的力度去弹，还要使旋律音能透出来，和旋律的距离区别开，声音就有了层次感和远近感，这样整个意境就出来了。

5.良好听觉能力的训练

“俄罗斯钢琴学派”大师戈登·维泽曾对富含歌唱性效果的演奏做出过形象的比喻，并强调了演奏者听觉能力的重要性。他认为，钢琴演奏就像是转述一个故事，讲述者先听别人讲，然后再讲给更多的人听。对应到钢琴演奏中歌唱性效果方面，就是要求演奏者要多听。先听一些名师名家的演奏，学习演奏方法，感受演奏效果，然后以此作为自己演奏的标准，并在一次次训练中不断地提高。所以良好的内心听觉能力训练是尤为必要的。具体来说，首先就是要多听。在聆听名师名家的演奏过程中，要一边听一般跟着哼唱，慢慢地熟悉作品，思考自己心中的理想效果是怎样的，名家名师的演奏是怎样的，两者之间有怎样的差异以及如何看待这种差异，等等。虽然自己在短时间内难以达到这种水平，却通过不断的聆听和内心听觉的形成，在心中形成了一个较高的标准，并自觉按照这个标准而努力。其次是将内心听觉予以及时的记录。很多演奏者认为内心听觉具有较强的感性色彩，有一种只可意会不可言传的感觉。其实这是一种误区，越是难以形容和描述的，越应该予以及时和详尽的记录，使之成为重要的参考资料。