波普：后现代艺术的开端

波普一词源于英语的“Popular”，有大众化、通俗、流行之意。它反映了美国20世纪50年代大众文化和20世纪60年代波普美术的影响，认为艺术不应仅供少数人享用，而应走向普通大众，进入每一个人的生活。缘此要打破艺术与生活的界限，颠覆一切传统的审美观念。当然，最早进行这方面创新的不是美国人，而是英国人理查德·汉密尔顿，他在1956年创作了拼贴画《是什么使今天的家庭如此不同，如此迷人？》，画中首次出现“波普”（Pop）字样，画家在第二年致朋友信中对“波普”一词做出解读，称之为“流行的（为大众设计）、瞬时的（短期解决方案）、易耗的（容易被忘记）、低成本的、批量生产的、年轻的（以年轻人为目标）、顽皮的、性感的、手法巧妙的、引人入胜的大生意”。谁都知道，在此之前，生活和艺术的界限是分明的，绘画和其他姊妹艺术很少发生联系，而波普艺术的出现则打破了这种固有格局，它消解了高雅艺术和通俗艺术的区别，让艺术走入平常生活。至此，商品形象或工业设计品形象大量进入艺术创作，对英国设计乃至后来国际上的设计风潮都产生了极大的冲击，在由现代主义向后现代主义的转折中迈出了关键性的一步。

理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）于1922年2月24日出生在英国皮姆利科，是杜尚多年的崇拜者。小学毕业后，汉密尔顿开始从事广告工作，为了深造，他先后在圣马丁艺术学院、皇家艺术学院、斯莱德艺术学校的各种夜校班进修，获得了设计类课程的教师职位。由于长期教授设计课，汉密尔顿格外注重解决问题的能力。从1952年开始，以伦敦当代艺术学院为中心，人们开始讨论当代技术和通俗表现媒介的相关问题。汉密尔顿当时刚过30岁，他和一批年轻画家、雕塑家、建筑师和评论家自称为“独立派”团体，着重讨论大众文化和含义，例如电影、广告牌、机器之美等，该团体迷恋新型城市通俗文化，特别被美国的表现形式所吸引。1956年，汉密尔顿因创作拼贴画《是什么使今天的家庭如此不同，如此迷人？》而一夜成名，成为具有国际影响的先锋艺术家，并获得了皇家艺术学院的教职。20世纪60年代，他同友人在纽卡斯尔创办学校，教授基础艺术设计。汉密尔顿晚年隐居于牛津郡，后期作品也有了一些改变，他不断从快餐文化的网络里跳脱出来，开始关注和表现国际性政治问题。2011年9月14日凌晨，汉密尔顿辞世。

图397　汉密尔顿（1922—2011）

图398　《是什么使今天的家庭如此不同，如此迷人？》，拼贴画，26厘米×25厘米，汉密尔顿作，现归私人（小埃德温·詹斯）收藏。

这是现代艺术史上最有感染力、最有影响的作品之一。1956年，独立团体在伦敦白教堂艺术画廊举办大型展览“这就是明天”（This Is Tomorrow），汉密尔顿负责设计展览用宣传品。他直接挪用消费社会中的大众偶像级图标，并从《妇女之家》《生活》《商业周刊》等时尚杂志和广告册页中剪裁下形象元素，然后拼贴成了一幅图画，题为《是什么使今天的家庭如此不同，如此迷人？》（Just what is it that makes today's homes so different，so appealing？）。作品全部由印刷图片拼贴而成，反映着画家所要提示的西方现代的流行生活方式：一套公寓房间，现代化的陈设。女主人公是一个坐在床上卖弄风情的裸体模特儿，房中间站着的男主人公肌肉发达，是当代青年崇拜的健美型男性标准。地上有一台带式录音机、床柜前一台电视机，正播放着好莱坞女明星的广告片，墙上有放大的连环图画的封面，左侧立一福特徽章。此外，还有漂亮的女仆拉着吸尘器长长的管子正在为铺着地毯的楼梯吸尘，窗外左边有一个电影屏幕，上面正映现着电影《爵士歌手》中的艾尔·乔尔森的特写镜头。作品提示着人们，这些大众传播媒介正是波普美术所要提示的东西，它也是西方现代文化的潮流事物。画中男子手上拿着一支写有“POP”字样的棒棒糖，波普艺术（Pop Art）一词由此而来。POP既是英文Lollipop（棒棒糖）一词的词尾，又可看成是“流行的、时髦的”（Popular）一词的缩写。出乎汉密尔顿本人的预料，这个用于展览目录和海报的“平面设计”，后来被视为全世界第一幅“波普经典”，开了当代艺术史上可能是最为大众熟知的流派“波普艺术”之先河，汉密尔顿也因此被称为“波普艺术之父”。

80多岁时，汉密尔顿曾把这件令他有点厌烦了的作品称为“小小的印钞机”。在中后期的创作时期里，他为披头士创作出了“White Album”（白色相簿），作出了系列以“Brown Toaster”（布朗烤面包机）为蓝本的设计，更以美国敞篷复古跑车“Chrystler”装置出了大洋彼岸的“美国梦”。汉密尔顿宣称：“通俗艺术作为不同于美术的一个部分，今天并不存在。波普艺术今天的对等物是消费者的产物，它有众多的人口来消受，由巨大的娱乐机器来创造……其结果是高度的个性化和老练，但也有其健康的活力。”^[3]这就道出了20世纪50年代伦敦和纽约年轻画家的愿望：寻求独特的时代气质。汉密尔顿标举和实现的创新在美国产生了极大的反响，一批重量级人物横空出世，安迪·沃霍尔就是其中最突出的一位。

安迪·沃霍尔（1928—1987）出生于美国宾夕法尼亚州的匹兹堡，是捷克移民的后裔。沃霍尔从小酷爱绘画，曾在卡耐基技术学院学习。21岁时离开匹兹堡去纽约寻找发展机会。他知道要在美国的视觉艺术上获得成就，就必须让人们看到他，知道他的存在，大众传媒在这方面给了他许多启示。1952年他在纽约以商业广告绘画初获成功，逐渐成为著名的商品设计师。在艺术实践中，安迪·沃霍尔大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。1954年，沃霍尔首次获得美国平面设计学会杰出成就奖。其后3年，他连续获得美国艺术指导人俱乐部的独特成就奖和最高成就奖，被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是对波普艺术影响最大的艺术家之一，也被称为“波普艺术之父”。

图399　安迪·沃霍尔自画像，1986年。(www.xing528.com)

在60年代的波普艺术中，对美国充满商业气息的社会的善意讽刺是最引人注目的了。电影当红明星玛丽莲·梦露照片的泛滥，也和可口可乐的广告一样，标志着美国社会大众的审美趣味。安迪·沃霍尔采取照相版丝网漏印技术，让画面像一张刚从印刷厂取来的未完成样张一般，图400《25个彩色的玛丽莲·梦露》是其中最具典型意味的代表。画家故意把印刷过程作两部分展现：右半边是印刷的第一道黑线效果；左半边是用丙烯色套印的彩色效果，并仿效廉价印刷品的低质量效果，使镂版定线不精确，造成套色错位，重复50次地印制在一个画面上，以加强其低俗的性质。画家借用这种手法来说明，此类大众趣味正像他这幅画一样，在大批量地被制造出来，直至你感到厌倦为止。

图400　《25个彩色的玛丽莲·梦露》，51厘米×41厘米，安迪·沃霍尔作，1962年，现被纽约画家贾斯帕·约翰斯收藏。

和理查德·汉密尔顿、安迪·沃霍尔齐名的美国后现代艺术领军人物还有劳森伯格。

图401　劳森伯格（1925—2008）

罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）1925年出生于美国德克萨斯州亚瑟港，求学于巴黎和纽约，曾跟随极简主义大师、德国现代派画家兼设计师约瑟夫·亚伯斯学习。1949年曾入“纽约艺术学生联盟”（Art Students League of New York）短暂学习，开始在全球的剧场中从事现代舞的舞台与服装设计，并创作实验性剧本。之后，他以抽象表现主义风格试验摄影设计与绘画，逐渐发展出个人的独特艺术风格——结合绘画（Combine Painting）。这是一种美术拼贴技法，利用生活上的实物与新闻图片组成抽象的画板画。在《影》（Shades）和《白霜系列》（Hoarfrost Series）这类作品中，他实验了多种印刷技术和材料。当时抽象艺术盛行，但劳森伯格却对抽象艺术推崇的即兴创作非常反感，反而对制作材料发生了浓厚的兴趣。在他的创作世界里，报纸、广告、商标、影视图像、封面女郎、快餐、卡通漫画等都可以成为创作素材。他几乎把所有可以找到的东西，甚至喂饱的山羊、剪碎的报纸、布料、时钟、摄影、绘画等，一股脑儿地塞进自己的作品中，再用颜色拼合。在《神谕》和《声测》（Soundings）等雕塑作品中，他利用了电子和其他技术设备。劳森伯格打破了传统的绘画、雕塑与工艺的界限，形成自己独特的艺术表达方式，他的“集成”作品引发了二战后美国艺术界的骚动，成为美国波普艺术的代表人物之一。2008年5月12日夜，劳森伯格去世。

图402　《驳船》，布面油画与丝网墨印，9.8厘米×2米，劳森伯格作，1962年至1963年，今藏纽约古根海姆美术馆。

《驳船》是劳森伯格花了一年的时间创作完成的一幅全景式作品，艺术家运用拼贴技术、丝网印，把大众图像和五花八门的物品放进这幅综合式“画作”，从而把二维平面绘画和三维雕塑结合起来，创造了一种美国式艺术形式，画面还融合了抽象表现主义的泼洒、挥洒技法，恣意纵横，展示了美国在20世纪60年代进入工业化消费社会后的生活景象，这里有太空世界的漫游，也有繁华都市的交通枢纽，运动和变化成为作品的主旨。新一代年轻艺术极力追求的新美学表现，在这幅作品中被表现得淋漓尽致。观众可以在巨幅的图像、物品重叠中，体会美国年轻艺术家的时代精神和对艺术的想象，一种努力突破艺术极限的革命性创新。劳森伯格于1962年以此代表美国参加威尼斯双年展，获得大奖，一下名声大振。