中国青花瓷历史：宋代五大名窑及制作工艺简介

青花瓷的种种玄机，并非天赐。而是有那么一批普通人，在平凡的日子里，面对瓷器，面对钴料，面对色彩，终日不停地琢磨。只为在那方寸之中，勾勒天地的流变，寄托精彩的画思，打造精神的寄托……

中国是瓷的故乡，中国的英文名“China”就有瓷器的意思。青花瓷的历史最早可以追溯到千年前。原始青花瓷于唐宋已见端倪。从扬州出土的唐青花瓷片来看，胎质多粗松，呈米灰色，烧结度较差。底釉白中泛黄，釉质较粗。器型以小件为主，有炉、碗、罐、盖等。纹饰除丹麦哥本哈根博物馆收藏的鱼藻纹罐以外，其余的均为花草纹。

“天青色”真的要等烟雨天吗

周杰伦一曲《青花瓷》风靡一时，这首歌除了体现优美的意境，更体现出我国古代陶瓷生产高超的工艺。歌词中，最让人印象深刻的便是“天青色等烟雨”，词作者方文山用天青色来形容青花瓷。他曾在一次访谈节目中解释道：在收集写作资料的过程中，我因“雨过天青云破处，这般颜色做将来”这一词句触发灵感，写下副歌的第一句“天青色等烟雨”。

这个典故出自北宋徽宗年间，一日徽宗在梦中看到雨过天晴后天空出现的颜色，醒来后他便让窑工以此入色，制作出天青色的瓷器。瓷器烧成之日，徽宗便以“雨过天青云破处，这般颜色做将来”为名，从此天青色便成为汝窑的代名词。

宋代是我国历史上瓷器业发展史上的第一个黄金时期，为中国、为世界贡献了无可匹敌的单色釉瓷器，也创烧了令世界收藏界趋之若鹜的宋代五大名窑。或许是宋代的单色釉和五大名窑太过有名，又或许是宋代徽宗皇帝有自己独特的审美标准，喜欢雅致、精致的单色瓷器而不喜欢艳丽的彩色瓷器，才使得宋代的青花瓷备受冷落，得不到发展。

而随后的王朝中，大批阿拉伯、波斯和中亚穆斯林迁居中国，国家整体文化较为开放，多元交流促进了各种文化相互融汇。元朝是蒙古族建立的少数民族政权，蒙古族人具有开朗大方、不拘小节的性格，过着马背上的生活。青和蓝象征着蓝天白云的颜色，是他们心中最纯洁和神圣的色彩。游牧民族对蓝天白云的喜爱也逐渐糅进了中国的审美文化。生活中他们喜欢听戏，从戏曲中感悟人生。所以当时的制瓷工匠就以典型的戏曲故事为题材创造青花绘画，以表现圣主贤臣的政治意义。元青花《萧何月下追韩信图梅瓶》的创作就与当时的社会风俗有很大的关系。

元青花《萧何月下追韩信图梅瓶》

青花瓷的制售也于此时成熟，集中体现在元代的景德镇。景德镇素有“瓷都”之称，瓷器造型优美、品种繁多、装饰丰富、风格独特，以“白如玉，明如镜，薄如纸，声如磬”著称。考古发掘表明，景德镇自五代开始生产瓷器，宋、元两代迅速发展，至明、清时成为全国的制瓷中心。景德镇有多座历史悠久的镇窑，窑炉的型制体量、结构比例、砌筑材料和手工技法都有一定的讲究。巧妙的结构使得不同窑位的温度不一样，可以同时烧造出几十种不同类型的瓷器，代表了世界传统制瓷窑炉营造技艺的最高水平。元青花瓷胎体厚重、造型厚实饱满。胎色略带灰、黄，胎质疏松。底釉分青白和卵白两种，乳浊感强。器型主要有日用器、供器、镇墓器等，尤以竹节高足杯、带座器、镇墓器最具时代特色。元青花的纹饰最大特点是构图丰满，层次多而不乱。纹饰的题材极为丰富，有人物、动物、植物、诗文等。

元代是中国陶瓷史上不容忽视的重要时期。在元代以前，中国瓷器以没有花纹的素面为主流，元青花的出现改写了中国瓷器的审美取向。元代青花瓷之所以能在前代基础上突飞猛进，一个重要原因是使用了来自海外的色料，专家称这种色料为“苏麻离青”“苏渤泥青”等。它是锰含量较低、铁含量较高的钴料，故而能烧制出漂亮的青色花纹图案。有学者认为从“苏麻离青”这个发音上说，这种色料来自索马里，也有说来自苏门答腊。但是，一般认为，“苏麻离青”来自波斯（今伊朗）和叙利亚一带。(www.xing528.com)

明清时期是青花瓷器达到鼎盛又走向衰落的时期。明永乐、宣德时期是青花瓷器发展的一个高峰，以制作精美著称；清康熙时以“五彩青花”使青花瓷发展到了巅峰；清乾隆以后因粉彩瓷的发展而逐渐走向衰退，虽在清末（光绪）时一度中兴，但也无法延续康熙时的盛势。总的说来，这一时期的官窑器制作严谨、精致；民窑器则随意、洒脱，画面写意性强。清代龚轼先生说：“白釉青花一火成，花从釉里透分明。可参造化先天妙，无极有来太极生。”每一件素雅清丽的青花瓷都独具特色和生命力，彰显着匠人们巧夺天工的构思和想象力。

瓷上作画的发展史

瓷器是一个综合性的艺术和工艺门类。宋代瓷器蓬勃发展，但由于技术原因，当时各类器皿都几乎没有画面装饰。宋代以来的工匠一直在进行尝试，而青花瓷，就是瓷器作画的重大突破。明代时由宫廷画师给出画稿，匠人用青花临摹，这在制瓷史上可谓登峰造极。但青花瓷的颜色单一、绘画方式受制作材料影响，还是与纸上绘画有很大差距。直到雍正年间，珐琅彩的出现丰富了画师可用的颜色，粉彩技术的出现打破了纸画与瓷画的分界线，它使瓷器上的色彩出现了层次过渡，大大提升了瓷器绘画的表现力，媲美纸画。直到这时，瓷器绘画才与纸画媲美。随着现代科技的发展，瓷器上可用的颜色和工艺愈发多样化，技术门槛不断降低，瓷上作画技术也愈发成熟。

如果说拉坯为青花瓷塑造形体，那么绘画则赋予瓷器以灵魂，这是青花瓷获得艺术生命的关键所在。从明晚期开始，青花绘画逐步吸收了一些中国画绘画技法的元素，提升了瓷器装饰艺术的品位。工匠们向文人画学习，将水墨画的浓淡引入瓷画装饰：20世纪前期，景德镇一位大胆艺人王步，第一次将中国传统水墨画的技法引入，创造了一种叫作“分水”的绘制工艺。利用钴料和水的不同比例，分出九种不同的色阶。使青花的浓淡开始有了过渡。从此，青花瓷开始呈现出不一样的面貌。

著名画家兼陶瓷设计大师叶建新说：“从古到今人们都认为陶瓷是工艺品，传统的中国画家是不屑于去做工艺品的，他们认为画家和工匠是两个概念。”直到当代，这一传统才被打破。青花瓷的制作开始有画家参与，叶建新和陆履峻就是他们中的杰出代表。将青花和国画的艺术魅力结合，可谓相得益彰。二人尝试着将中国画与瓷器结合，让绘画与青花这两种艺术融合出新的创意。但这并非易事。

在陶瓷上作画跟在宣纸上作画迥乎不同。陆履峻始终追求着能在瓷器上创造出自己的意境，将雪景的明暗过渡呈现在青花上。早在1991年，他就曾尝试在瓷上作画。可满意的画作经过烈火烧灼，只在瓷身上留下一个淡淡的影子，仿若曝光不足的黑白老照片。这样的废品、次品，只能被毫不留情地砸掉——青花瓷的纯粹和高贵，绝不允许行业对产品质量放松丝毫。试图在青花中融合水墨技法的叶建新也发现了其中玄奥：“好的宣纸画上去，每一个水迹都能留下。但是陶瓷比它还要强烈，你每一笔的运动方式，每根笔毫的笔触，都能在上面展现出来。所以宣纸能达到的效果在陶瓷上面能达到，宣纸达不到的效果，这上面也能达到。”

功夫不负有心人。在经历了成百上千次的失败之后，2002年，陆履峻的青花作品《瑞雪》终于问世，并获得香港世界华人艺术展金奖。从此，陆履峻的青花作品被海内外收藏家以数十万的价格收藏。

更多的画家涉足青花瓷领域，为这一古老的工艺带来了更多的变化。这些风格不同的青花瓷，呈现出鲜明的艺术家个性。从无名的工匠到工艺大师，再到画家作品，青花瓷始终跟随时代前进的足迹，活泼而不失风范。