美术作品构成主要因素

美术作品的构成有一些基本要素，如色彩、线条、形状等，色彩、线条、形状既是展现个性化客观对象的形式，又是个性化艺术家的主体表现的形式。画家之所以被称为艺术家而不是生理挂图的绘制者，就在于他们不但写形，而且传神；不但组合线条，而且寓于情思；不但建构形体，而且融于意蕴。相对来说，色彩长于认识，线条长于表情，这使得绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致、复杂地展示主体的主观意象与精神情感。所以，进行美术鉴赏必须具备美术作品基本要素的知识。

1.线条

美术鉴赏首先是对线条的欣赏。线条是一部作品极具表现力的基本因素，线条不仅可以用来勾勒物体的外形和轮廓，还可以用来表达情感。不同的线条可以传达不同的情感，使人产生不同的情感体验。例如，直线具有刚劲、挺拔、正直等情感意味；曲线具有柔美、流畅、圆润等情感意味；折线则给人以方向感，如前进、后退、升降、倾斜等意味。

中国的书法之所以被称为线的艺术，就在于其线条本身的表情性。例如，怀素的笔法瘦劲、飞动自然，如骤雨旋风、随手万变，虽率性飘逸而法度具备，如壮士拔剑、神采动人，而回旋进退、莫不中节，给人以奔放纵逸之美。文徵明则用笔遒劲、笔意纵逸、驾驭自如、气势流贯，在温润中含有苍劲，在整饬中表现出老辣，显示出练达的艺术技艺和情趣。清道光末年于陕西岐山出土的西周宣王时期的器物毛公鼎，其铭文长达497 字，用笔圆隽精严，委婉优雅，具有高贵典雅的贵族之气，且依鼎布势、纵横有序，在整体宏伟的效果中显露出庄重与威严。

2.色彩和结构

美术鉴赏离不开对色彩的欣赏。色彩与线条一样，是美术作品的基本形式要素。色彩的表现力非常强，能够传达出某种特定的情感，并引起人们相应的反应。例如，红色是热烈而兴奋的，黄色是明朗而欢快的，蓝色是忧郁而悲伤的。红色使人联想到火与血，黄色使人联想到秋日与阳光，蓝色使人联想到海洋与蓝天……而且每种颜色都可同时具有多种情感意味，如红色，既可以使人联想到喜庆的场面而兴奋，又可以使人联想到流血的情景而恐惧，可见色彩的情感意味是相对的、不确定的。正是由于色彩意味的不确定性，反而使色彩更具魅力。色彩在西方美术中被运用得淋漓尽致，不但是塑造艺术形象的形式要素，而且具有独立的审美价值。色彩在脱离了具体的形象而存在的时候，反而使人更能感受到它的美。波提切利曾大胆地宣称：“我们没必要去研究和注意风景，一块吸满颜色的海绵扔到墙上，就会出现一个完整的风景。”如果说线条是人运动的轨迹，人的任何运动、动作，都可以反映出其内在的性格或情感，那么色彩及色彩的组合亦然。任何美术作品的色彩都会表现出作者的某种情感，使人产生某种情感体验。我们从西方美术流派中的印象主义、表现主义等美术作品中可以清楚地看到色彩所具有的独立的审美价值。

鉴赏一幅美术作品的同时也离不开对结构的欣赏。结构是美术作品的重要因素，结构不仅指艺术形象内部的组织构造，还指一件美术作品中各部分之间的结构。严格来说，美术作品中的各种形式要素，诸如点、线、面、色彩、形体、肌理等，只有在一定的结构关系中才能表现出特定的情感内容。

3.美的形式法则和空间要素(www.xing528.com)

美的形式法则概括了现实中美的事物在形式上的共同特征。它主要包括单纯齐一，对称均衡，调和对比，节奏韵律，多样统一等。美的形式法则是人类长期审美经验的结晶，是对美的规律性认识，是事物外在形式要素的组合规律。不同比例、不同节奏的形式要素组合会给人不同的美感：对称的组合有庄重之感，均衡的组合则有活泼之感。变化统一才能产生美感，缺少变化就会显得呆板，缺少统一则会出现杂乱。美术作品给人的不同美感，都是通过特定的形式法则显现出来的。由于艺术家的性格特点、风格流派等诸多差异，他们对形式法则的运用也灵活多变、各不相同，所以，对美术作品的鉴赏离不开对美的形式法则的了解和掌握。追求形式美是为了推动美的创造，达到美的形式与内容的高度统一。

美术也被称为空间艺术，美术作品中的艺术形象存在的方式，也是艺术家塑造艺术形象、表情达意的手段。在美术鉴赏中我们可以通过分析美术作品的空间占有、空间分割或布局方式，对作品进行分析鉴赏。如北京故宫博物院的空间分割方式，设计者为体现封建君主的至高无上，在空间处理上主要采用了对称和均衡的方式，将主要的建筑安排在中轴线上，次要建筑安排在东、西两侧，还特别强调了三大殿的汉白玉殿基，以最大的广场、最高的建筑空间来充分显示它的主体地位，使人在精神上感到一种威慑和震动。可见，物体空间占有的不同、分割的比例不同，都会使人产生不同的感受。面对庞大的物体，我们会产生雄伟之感，面对精致的物体则会产生优美之感，狭长而曲折的林荫小路会有幽深之感，高而窄的空间则会令人有险峻之感……不同的空间不仅可使人产生不同的美感，还具有不同的用途。无论建筑设计、产品设计还是航天飞行器的研制，甚至我们布置房间、货架、会场等，都离不开对空间的研究。所以，进行美术鉴赏必须具备对空间的感知能力。

4.艺术形象

绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地模拟人物和客观事物的外貌。它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻画、人物内心世界的展示，同时也实现了主体内在情感的传达与表现。比如，17 世纪西班牙画家委拉斯开兹的《教皇英诺森十世肖像》，就把一个自尊心极强、阴险奸诈、毒辣凶狠的人物的内心充分地表现了出来。所以，艺术形象是美术鉴赏中最为重要的内容。

美术作品中的艺术形象主要包括两大类：第一类是写实性的形象。对写实性美术形象的鉴赏，主要是对美术形象的形体、形状、动态、神态、逼真程度、表现技巧及思想内容等方面的鉴赏。对写实性美术形象的感知比较容易，如我们面对达·芬奇的《蒙娜丽莎》都能感受到画中人物形象那生动的神情、典雅的姿态、忧思多情及恬静深邃的内心世界。第二类是以表现主观感受为主的夸张、变形或抽象的美术形象。夸张、变形，不仅可使物体固有的形象变得丰富多彩，而且会使形象的个性更为鲜明突出。抽象的美术形象，包括抽象的几何形和由几何形的分解、组合创造出的新形象，还包括用线条、色彩等造型要素的排列组合所构成的抽象的美术形象。对抽象的美术形象就不能用真实与优美这个传统的审美标准来感知或评价，表现性是它最重要的特征。其实，人们的审美标准是随着社会的发展而变化的。自20 世纪以来，现代工业与科学的飞速发展，各种不同文化的碰撞融合，众多哲学流派的产生，艺术与技术的结合都给人们的审美观念带来了影响。尤其是摄影技术的产生及东方艺术对世界的影响，使人们更加认识到真实和优美不是唯一的审美标准，美术最重要的是表现情感。因此，对抽象形象感知的主要内容是形式语言、艺术观念和形式创新。对抽象艺术的鉴赏，不仅有益于提高形式感知能力，还可以拓展人的审美观念，开发创新意识，发现创造方法。

绘画中艺术形象的构建与每一根线条、每一点色块的具体运用均有联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻画生活中某一可视的瞬间来概括事物发展过程中与之密切联系的前、后阶段，从而使定型化了的艺术形象在观赏者头脑中引导出对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。