19世纪西方美术及教育：研究与作品欣赏

一、19世纪的西方美术

19世纪的美术，作为西方美术发展的第三次高峰期，具有自身的特点和深刻的美术史意义。综而观之，呈现出对立发展、不断更新的态势：一方面传统美术在深化，另一方面反传统美术也在兴起；一方面美术以反映社会生活为主线，另一方面“为艺术而艺术”也在发展；一方面各国民族与地方画派在兴起，另一方面又在追随法国的美术思潮和流派。

（一）新古典主义美术

新古典主义美术是18世纪中后期在欧洲诞生的一种美术理念，法国是它最主要的根据地。最初这个派系的代表者是著名的学院派画家路易·雅克·大卫。到了后期，这批艺术家团体逐渐发展为以安格尔为代表的追求绘画艺术纯净和本质作用的一派人士，在遵循制度和格调的程度上比之前更加深入和彻底，因此也被称为“古典主义学院派”。其作品最大的特点是对古制遵循的严格性，即便在题材上也主要以仿古形式的人物或典故作为描绘对象。

新古典主义画派的崛起，标志着一种新的复古美学观念在标榜奇特、繁复和华丽的巴洛克和洛可可两大艺术系统的流行趋势逐渐走弱的情况下重新赢得人们的青睐，同时也意味着人们对传统美学兴趣的复苏。在艺术表现方面，新古典主义对于技法的强调一如既往，相应地在作者个人情感与情绪的表现方面较为贫弱，这显然是有悖于时代潮流的一种走向。不过和后期以个人和主观为出发点的绘画作品相似的是，新古典主义尽管在形象和技法上采用了比较保守的处理，但是它所提倡的内容与采用的题材往往也带有理想主义倾向，在一定程度上有着回避现实的性质。这种艺术思想正好与现实主义绘画观相异，但严谨的画风对后世现实主义绘画派产生了一定影响。

（二）浪漫主义美术

“浪漫”（Romance）一词源于对中世纪富有诗意和充满幻想的英雄史诗、骑士传奇以及抒情诗等的称谓。发展为“浪漫主义”（Romanticism）这样的概念，则是指一种创作方法或者一种艺术流派或运动。作为一种艺术运动，一般是指18世纪末到19世纪后半期在德国、英国、法国等一些欧洲国家流行的艺术思潮。

浪漫主义思潮是在和新古典主义进行长期而激烈的斗争中不断分离，并逐渐确立自己的地位的。新古典主义的艺术家们追随着非个人性的清晰风格，致力于表现普遍永恒的真理；而浪漫主义者则借由各种形式，一心寻求自身的情感、信念、希望和恐惧。可见，浪漫主义美术是以作为古典主义的反对者走上历史舞台的。浪漫主义美术的基本特征是：具有强烈的情感意识、浓郁的诗意境界以及理想的象征形象。较之古典主义艺术来说，它重个性感情，轻共性原则；重色彩表现，轻素描造型；讲究激动的笔触，反对精致的刻画；喜欢对比强烈，摒弃微妙光影。在创作题材上，它喜欢描绘生活悲剧、异常事件、激烈运动、幻想世界等。在思想倾向上，积极浪漫主义关注现实斗争，敢于突破现状，充满革命激情，预示发展方向；消极浪漫主义重视幻想世界，粉饰客观现实，留恋过去历史，回避现实斗争。浪漫主义美术的出现，突破了新古典主义一贯崇尚理性，坚持学院派艺术原则，塑造庄重、严肃、宏大艺术风格的思想羁绊，而以高昂的个性精神，冲动的艺术激情，澎湃的理想主义，强烈的表现欲望，大胆运用对比、夸张、象征、比喻、讽刺等艺术手法，憧憬未来，抨击时弊，表达人们的意愿与心声，不仅起到了艺术应有的社会功能，同时也确立了浪漫主义独特的艺术地位与艺术价值。

（三）现实主义美术

法国现实主义运动是随着1848年革命的深刻化和尖锐化而发展起来的，大资产阶级的叛变以及七月王朝所带来的人民的破产，使人们对于社会现实不再寄予任何美丽的幻想，而迫切地要求对现实客观的认识和认真的批判。现实主义便是人们这种新的思想意识在艺术上的反映。

现实主义的艺术家认为艺术应以实际生活为基础，以揭示社会生活的本质为创作的首要任务。许多艺术家不仅在创作实践中贯彻这些原则，而且组织了独立的艺术团体，以宣扬自己的观点。一些画家还积极地参加了人民的武装起义，如1848年二月革命时的让隆、德康，1871年巴黎公社中的达鲁、库尔贝等。这些艺术家将艺术创作的社会意义提到了新的高度，他们的作品赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展示了现实生活的广阔图景。它们表现了普通人民的生活和斗争，在创作中给历来不受重视的劳动者的形象以重要的地位，从而扩大了艺术作品的题材和体裁范围，丰富了艺术的表现技巧。现实主义艺术运动的蓬勃开展标志着美术发展的新阶段。

（四）印象与后印象主义美术

1.印象主义美术

印象主义是19世纪欧洲艺术发展的重要流派，也是现实主义艺术向现代派艺术过渡的一个阶段。它兴起于19世纪60年代，兴盛于七八十年代，反对因循守旧的古典主义和虚构臆造的浪漫主义。19世纪最后30年，它成为法国艺术的主流，并影响了整个西方画坛。“印象主义”一词得名于一位记者对莫奈的油画《日出·印象》的嘲讽。印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。

印象主义并不是一个统一的团体，它的成员都有自己的艺术风格，在印象主义内部存在两种类型的画家群：一类注重素描和造型，以德加为代表；另一类重视光线和色彩的变化，以莫奈为代表。

2.后印象主义美术

“后印象主义”是对印象主义的突破与反叛。所谓“后印象主义”，并不是一个艺术团体，他们没有发表过宣言，也从未办过作品联展，只不过因他们与印象主义有密切联系，但创作倾向又与印象主义不同，后来的美术史家为了将他们与印象主义区别开来，冠之以“后印象主义”名称。

后印象主义画家不满足于对客观物象的再现和对外光与色彩的描绘，他们强调抒发画家的自我感受，表现主观感受和情绪，在造型方面重视形体结构和构成形体的线条、色块、体积。他们强调艺术形象不能等同于生活形象，即绘画不是科学，要依据画家的主观感受再创造，表现“主观化的客观”。因此，后印象主义画家的表现手法夸张、变形，追求个性化的艺术语言。千百年来，西方艺术都是建立在客观描绘对象的观念上，后印象主义则开始把艺术从客观再现转向主观表现。后印象主义的理论和实践导致了西方绘画同文艺复兴以来的传统绘画观念开始决裂，至此，一种全新的艺术观念产生了，20世纪西方现代派艺术开始萌发。

后印象主义的代表人物主要有塞尚、高更、凡·高。他们的艺术观念和艺术实践是对印象主义的一种超越，更是对传统写实主义的一种反叛。

二、19世纪的西方美术教育

（一）19世纪的西方美术教育背景

在18世纪进入尾声之际，三次革命从根本上改变了西方世界的性质。第一次是工业革命，第二次是以法国暴力革命为代表的反君主专制统治的政治革命，第三次是以浪漫主义著称的“文化革命”。虽然每次革命均始于18世纪的最后几十年，但是这些革命的结果对整体教育的影响都是发生在19世纪。

1.工业革命的影响

到了19世纪初工厂已经取代了手工艺作坊，过去技艺娴熟的工匠已逐步被没有受过训练的工人也能够操作的机器所取代。由于设计教育是技艺训练中的一个不可缺少的部分，所以在行会仍然控制产品生产和新工匠培养的时代，社会上就已有足够多的训练有素的工匠。但工业革命后，中世纪那样的作坊师傅已经被企业家们所取代，这些企业家所雇用的则是一些无须经过长期学徒生涯便可操作机械的无技艺工人。另外，随着老一辈手艺人（名匠）的绝迹，且后继无人。因此，尽管工业生产方式的效力更大，可是它却不能提供工业产品所需要的设计人员。

在18世纪下半叶，受过正规训练的设计人员的匮乏就已经是显而易见的事了，其中最明显的征兆就是工业产品的艺术质量的下降。英国的设计危机早在1836年就已经非常显著这正是第一所政府资助的设计学院成立之际，而到了1851年水晶宫博览会的时候，这个问题已变得极其严重了。虽然英国的工业生产技术在世界上占领先地位，但是其工业产品的艺术质量却被认为不如欧洲大陆的竞争对手们。英国下议院特别关心艺术与工业制造之间的关系，因为这影响到英国工业品在国际市场上的有效竞争力。

每个民族均通过不同的方法来解决自己的工业艺术教育问题，而每一种解决方法都反映出各个民族对艺术本质及其社会作用的认识和理解。法国建立了一系列地方性艺术学校，以适应地方工业的需要。德国最初依靠综合性工艺学校，后又建立了工艺美术学校。在对法国和德国这两种解决方法进行了考察和研究之后，英国选择了自己的道路。除了法国，大多数国家都发现，将纯艺术家的教育与手工艺人的培养分开进行是十分有利的。

2.现实观

启蒙运动的乐观主义精神随着法国大革命的爆发戛然而止。法国大革命彻底解除了君主制的绝对权威，以启蒙运动为前提，它的思想基础是有理性的人是能够不靠上帝和皇帝的恩赐而单凭科学知识和理性方法来创造一种幸福的生活。可是这场革命带来的却是另一个恐怖的时代，较之波旁王朝，它在很多方面都是有过之而无不及。

3.浪漫主义思潮的兴起

在科学地认识现实的方法占统治地位近两个世纪之后，艺术开始再次被宣布为社会繁荣所必需的重要的精神源泉。此时，在一个支离破碎的文明社会中，艺术家被看作是统一符号的创造者。唯有美才能赋予人一种社会性，唯有审美才能带来社会的和谐。如果艺术家的作用就是提供新的洞察力和感性认识，那么，用强制性的法则来压制他们的创造活动几乎或根本就是没有道理的。即使艺术家的创作是遵循某些法则，那么这些法则也肯定是在创造性活动过程中产生的。

随着这一观点被接受，它又引起了有关教学目标的问题，原因是既然艺术家们在艺术创造活动中发现了这些法则，为什么他们还需要艺术学院通过教学来推行这些法则呢？康德早在30年前就已经声称“天才是指进行一种没有明确法则可循的创造活动的能力”。

原创性成为艺术的第一要义。这种新的艺术价值观导致了著名的浪漫主义风格的产生，而这一风格最终却促使了18世纪新古典主义的结束。艺术家逐渐被视作这样一些人：他们的想象能力是一种比科学更高的直率的洞察力，从此艺术便被认为是一种与文化相关的认识形式。

4.各类艺术的地位

在整个18世纪，中产阶级赞助已经成为非常重要的活动，可是在工业主义兴起的19世纪，新的艺术消费阶层开始产生和形成。当时不仅私人收藏家的数量大大增加，而且还出现了促进更廉价的人工制品生产的大众市场，大量销售诸如工厂制造的家具、纺织品、单张乐谱、音乐器材、石版画和钢板印刷品之类的商品，由国家或官方所控制的赞助时代开始让位于一种市场赞助时代，艺术已经变成一种商品。

（二）19世纪的西方美术教育实践

1.法国的美术教育实践

资产阶级革命时期法国著名的哲学家和科学家康多塞提出了康多塞方案。该方案建立在法国启蒙思想基础之上，重视国家公民中的普及性教育，尤其是男女平等的思想，为这一阶段普及和免费教育的发展起到了积极的推动作用。该方案在学校方面也提出并建立了科学的体系，把初级小学（4年）、高级小学（3年）、中等学校（5年）和专门学校（高等学校）组成了一个相互衔接的统一体。它规定所有的学龄儿童均应入学，接受广泛的劳动和普通教育，特别注重实科教育，在教学内容方面，康多塞主张废除宗教教育，加强实科教育和科学教育，所以在美术教学内容方面也更加关注科学，肯定科学在人类社会以及人自身发展中的决定性作用。

第二帝国时期的中学主要是国立中学和市立中学两种。课程设置分为两个阶段：文法阶段（3年）和高级阶段（4年），高级阶段实行分科，注重数学和自然学科，1864年废除了分科制。该时期技术教育下的学徒制被取消，代之而起的是各种工业学校。19世纪末，法国的教育领导体制实行中央集权制。中央设立公共教学部，部长由总统任命，教师工资支付以及教学具体活动安排均由政府统一规划实施。1886年和1887年颁布的教育法案对学校的课程做出了明确规定：初等学校应设有手工、图画和体育等课程，并且制定了学校的教学大纲和教学计划，到1918年为止，这一规定没有什么变化。为了适应经济发展的需要，法国中等教育也进行了改革，主要表现在两个方面：第一是中学文理分科，第二是女子中学的设立。在课程设置上，女子中学不设古典语文、数学和科学，内容也比较浅显，但是注重手工、音乐和图画等课程。该时期广泛采用实物教学的方法。

巴黎公社十分关心人民的精神生活，重视国民教育，公社的主要教育改革和首要措施是以世俗教育代替宗教教育。这是针对第二帝国和资产阶级政府推行的僧侣主义而提出来的，并于1874年颁发了政教分离法令。表现在美术教育中，教学的内容不再以宗教题材为主要内容，而是实施普及义务教育中的美术教育。这一时期，实施义务教育的内容、对象以及教育的性质都比较明确。应特别指出的是提倡全面教育，就是要使儿童和少年在掌握某种手工艺的同时学习一切有益于人类的科学知识，使他们能够成为手脑并用的社会成员，这正符合教育与生产相结合的初衷。这一时期也十分注重职业教育的发展，美术教育对象涉及四十多岁以上的工人，发展到后来，法国也开办了一所工艺美术女子职业学校，课程设有素描、泥塑、木雕、雕刻等各种工艺技术课程。

2.德国的美术教育实践

19世纪以前，“艺术”与“技术”是统一存在的，图画被认为是许多手工职业必备的知识和学习内容，由艺术家和手工业者充当美术教师。德国早期的美术教育是简单地传授美术，没有相应的教育方法。19世纪，德国建立了教师任命委员会。该委员会规定，只有在教师培训班接受培训和教学实习，才能成为教师。当时，从佩斯塔罗孜的“以基本元素训练为主的图画课”到施图尔曼的“听写绘画练习”，德国的图画课或美术教育都只讲究教与学的方法，讲究课堂效果，但忽视了美术本身与学习儿童和青年的心理愿望。19世纪末，德国的工业技术已很先进，文化却很落后，缺少对艺术历史的学习和了解。于是，朗格、利希特瓦尔克等发起了一场重视艺术欣赏、培养艺术鉴赏和艺术审美力的美术教育运动。

3.英国的美术教育实践

从18世纪开始，英国建成了一系列美术学院，旨在提高国家的工业设计水平，但其教学重心是促进纯艺术而非装饰性艺术或应用性艺术的发展。19世纪，工业革命推动了经济的发展，英国在普通学校内设置了图画课程。1837年，英国建立了第一所由政府资助的设计学校，课程首先强调的是装饰艺术，而几乎没有人物画方面的学习内容。不久，课程中缺乏人物画方面的内容遭到谴责。之后，亨利·科尔制定了一项英国学校绘画教师培训计划，学校开设了全国性的图画课程。英国工艺设计师的培养问题通过双轨制专业艺术教育体系得到解决。工艺设计师由设计学校培养，课程设置以装饰形式的学习为主；纯艺术家由美术学院培养，课程设置以素描、写生为核心内容。1851年，英国首都伦敦举办了万国博览会，开启了工艺改良运动的序幕。随后，德国和西欧各国纷纷效仿，这次运动提高了工业产品的趣味性和艺术性。(www.xing528.com)

1880～1890年，伦敦成立了五个促进手工艺发展的团体：世纪行会、艺术工作者行会、家庭艺术和工业协会、手工艺行会学校、工艺美术展览协会。手工艺运动贯彻重视材料、重视用途、重视机构、重视用具的原则。

4.俄罗斯的美术教育实践

1872年俄罗斯画家契斯恰科夫在学习国外先进思想和继承洛森科素描教学方法的基础上，在教学实践中创立了俄罗斯现实主义素描教学体系，这种教学方法为巡回画派许多画家的艺术创作打下了坚实的基础。

俄国还有几所培养造型艺术不同领域艺术家的学校。在莫斯科有斯特罗加诺夫于1825年创办的“美工学校”（苏联莫斯科高等美工学校）。该校主要培养舞台布景、木刻、金属艺术加工等方面的人才；与此相类似的还有1876年建立的美工学校（苏联彼得格勒穆希娜美工学校）；另外彼得堡艺术奖励协会曾附设一所业余性质的美术学校。在这些学校中，最负盛名的是直属于皇家艺术学院的绘画、雕塑和营造学校，这所学校的前身是1832年由马柯夫斯基和雅斯特列比洛夫在莫斯科建立的写生班。

另外，圣彼得堡斯摩尔女校也是这一时期内较有代表性的艺术学校，于皇家美术学院成立以后建立，是一个艺术类综合教育中心，主要为来自贵族家庭的孩子将来进入上流社会或入宫服务做准备。在这里培养的人才被称为“上流社会中的宠儿”，课上除教导绘画、歌唱、跳舞、演奏乐器外，还教授法文及德文，经常举办展现学生才华的绘画展览会和文艺表演会。

1830年，莫斯科市设立了“手工与工业学校”。1868年，该学校改名为“帝国技术学校”。校长维克多·德拉沃斯与他的同事完成了被称为“俄罗斯法”的技术教育体系。该校学制为6年，其目的是为俄罗斯资本主义发展培养早期的技术者，包括土木技师、机械技师、制图工、化学工作者等。因此，教育原则是面向大多数的学生，培养他们的手工制作能力。这一教育体系以开展与社会所需要的多种职业密切关联的实习与评价为重点，在短时间内，同时给予众多学生以充分的智力教育，为学生将来从事某项工业活动作准备。

5.美国的美术教育实践

1870年，美国马萨诸塞州通过了工业图画法案，要求向居民社区中的15岁以上的学生教授图画，广泛的美术教育至此开始。为了培养人才以满足大工业生产对机器设计者的需要，州教育委员会与波士顿学校委员会聘请了英国人史密斯担任波士顿第一位图画指导和马萨诸塞州第一位图画督学。

史密斯在美期间进行了卓越的工作：1873年建立了美国第一所教师培训学校——马萨诸塞州师范美术学校；1874～1877年组织了第一个职业美术教师协会——马萨诸塞州美术教师学会；他还编写了从小学一年级到师范学校的美术教材，使美术教育计划系统化，并在优秀商业人士的帮助下发生效用。史密斯的主要教学目标是：训练眼睛在形式、大小、比例的精确性及距离和角度测量方面的准确性；训练手的灵活性和动作的快捷；训练对形式的精确记忆和组织形体的能力；通过研究、描绘和回忆美的形式，培植和更新趣味。

史密斯的教学方法是教学生以徒手画、模特记忆、几何与透视画的僵硬程序画工细的几何图；以临摹训练手眼，不鼓励学生运用想象的细节。史密斯的方法运用于班级指导时，对黑板的依赖性很强，学生从黑板上临摹教师的画，也临摹印刷品和其他作品。史密斯从两个方面肯定了临摹的价值：它是唯一理性的学习方法，因为绘画在本质上是模仿；它是唯一实际的教学方法，因为班级太大，而且每周只有有限的时间分配给绘画。可以说临摹、机械学习和重复是史密斯教学方法的基本特征。

由于哈佛大学、耶鲁大学和普林斯顿大学对待艺术的态度各不相同，所以形成了为其他院校所仿效的三种不同的大学艺术教育模式。哈佛大学的美术教学大纲具有三重意义：第一，揭示美术作为过去时代道德和智力状况的一种表现方式所具有的本质意义；第二，用这种状况与美国人的窒息创造精神的疲乏无聊的生活经验形成对比；第三，净化哈佛年轻人的情感。耶鲁大学艺术学院的宗旨是：首先，为立志成为专职画家、雕塑家和建筑师的人提供技法培训学校；其次，为满足专业艺术学生和普通本科生的需要，开设艺术史和艺术批评课；第三，为包括耶鲁大学在内的整个社区提供艺术教育方面的便利，使人们了解艺术作品。普林斯顿大学的学生不学素描和绘画，除非是自学或是到建筑系选修这类课程。他们的学习内容是他人创作的素描、绘画、雕刻和建筑作品——历史文化遗产。他们不学习“欣赏”，可以被教授的东西只有史实。哈佛大学试图把艺术创作与艺术史的教学结合起来；相比之下，耶鲁大学强调的是画室科目；而普林斯顿大学则把重点放在艺术史上。在这三所大学里形成的这些艺术教育模式均被其他大学所采纳。

19世纪初，女子接受学校教育的机会相当少，更不用提美术教育了。几乎都是女教师的家庭幼儿学校都是在家中办学，这类学校主要是为孩子将来上小学作准备的。只有部分女孩子能进入小学，但是在19世纪30年代或19世纪40年代之前，她们几乎都没有机会继续上文法学校。专门为富裕家庭的女孩子提供教育的女子私立学校开始问世，其中唱歌和绘画是为这种“修养教育”学校特殊设置的课程。此外，文学、朗诵和法语也属于这样的课程，让女孩子学习这些东西的主要目的是为她们将来的婚姻作准备。阿博特学院尝试着为女子提供由米尔顿大约在200年前提议为男子提供的同样严格的中等学校教育，这所学校把艺术理解为产生于古代文明的伟大的人文理想的源泉。女子高等师范学校的创建，是为了填补1842年女子导生制学校的关闭所留下的空白。

（三）19世纪西方美术教育的特点

1.与工业生产紧密结合

随着18世纪工业革命的产生，工业社会和商业社会需要形形色色的美术人才来为它们服务，而那种守旧的贵族式的学院教育已经不能适应社会的发展，于是美术教育普及成为必然。19世纪工厂取代了大量的手工艺作坊，但是熟练的设计人员却严重匮乏，这直接导致了工业产品质量的下降。因此，英国出现了艺术与手工艺运动。英国著名艺术史家、批评家罗斯金成了这场运动的理论旗手，积极的响应者和实践者是罗斯金的信徒、英国工艺美术家莫里斯。

在这一运动中，罗斯金起了先驱和号手的作用，他以“劳动者的艺术教育”为题发表演讲，指出现代社会堕落的根本原因是人的审美趣味的堕落。因此，要改变社会风气，就必须培养人民对艺术的爱好与趣味。莫里斯继承了罗斯金的观点，主张在社会普及艺术，让艺术从作为少数人的奢侈品的位置中解放出来，回到普通人的生活中。他尤其看重工艺品在审美教育中的独特地位和作用，因为工艺品存在于人民的日常生活中，优秀的工艺品能潜移默化地影响人的审美趣味。

艺术与手工艺运动倡导通过普及美术教育提高劳动者的审美趣味，进而提升产品的审美品质，所以其本质上是美术教育运动。在这一运动的推动下，一些蓬勃发展的新兴资本主义国家也纷纷开设了一些地方性的艺术学校，来满足工业生产对工艺人才素质的需求。

鉴于美术教育在工业竞争中所具有的重要作用，美国的马萨诸塞州甚至于1870年颁布了图画法案，要求向所有超过5万人的社区的男女成员和儿童提供强制性的免费图画教育。

2.强调个性与原创

这一时期，在“为艺术而艺术”口号的宣扬中，浪漫主义思潮兴起，象征主义的灵魂人物波德莱尔明确指出“每个时代都有自己的步态、眼神和姿态”。绘画要表现现代生活，艺术是艺术家同大众沟通的媒介，因此艺术家内部固有的反省十分重要。在这种风潮的影响下，艺术创作朝着表现自我的方面发展，强调个性、主观、理想、情感和想象的艺术创作被当作一种天才的行为，原创性成为艺术最重要的特征，创造能力成为艺术家最重要的品质。在这种背景下，专业教育也开始出现了一些引人注意的变化，它鼓励学生展示自己的独特创造才能和观察事物的方法。

3.深入研究儿童美术教育

1859年11月，达尔文经过20多年的研究出版了科学巨著《物种起源》，提出了进化论的思想。受其影响，一些心理学家提出了“复演说”，认为儿童向成人发展实际上是复演了人类从蒙昧向文明发展的全过程。依据这一学说，儿童的艺术被认为与部族人的艺术具有一致性。为了正确地认识人类早期艺术的特征，德国、英国、法国和美国一些心理学家开始热衷于研究那些没有受到教师指导的儿童绘画，并开始尝试对儿童美术的发展进行分期，从而使得人们对儿童美术的认识得到深化。而这一始于19世纪80年代的针对儿童美术的研究热潮，被称为儿童研究运动。

19世纪初，建立在实验基础上的科学心理学逐渐成熟，其在神经系统和感官生理心理现象方面的研究成果，被引入美术教育领域，从而使得儿童研究运动带有了科学实验的色彩。学者们通过观察分析儿童绘画作品中造型和色彩的特点来研究儿童的成长过程和心理特点，揭示儿童美术发展的规律及其与儿童身心发展的关系，同时也用来解释艺术发生学的一些问题。这一运动促进了人们对儿童美术特点、发展规律以及儿童美术的价值和意义的认识，提高了社会对儿童美术的重视程度。

（四）19世纪的西方美术教育思想

1.裴斯泰洛齐的美术教育思想

瑞士教育理论家和实践家裴斯泰洛齐在卢梭思想的影响下，建立起学校，进行以信仰和爱为核心的教育实践。他的美术教育思想的最大特征就是重视社会力量对人的性质的改变作用。他继承了卢梭的自然主义教育原理，认为自然是知识的源泉。以此思想为基础，他提出了应该开发儿童与生俱来的潜力，并以生活为基础，协调发展直观的认识、情感和技术。在美术教育中，这三点正好与美的鉴赏力、美的情操、美的表现力相对应，因此这一教育理念对福禄贝尔以及他之后的美术教育家都产生了很大的影响。

裴斯泰洛齐认为人们应该通过三种途径进行学习：听闻声音（言语和歌声），辨认形式（包括测量和制图），认识数字。每个领域都是一种从简单的感觉印象到抽象概念的自然发展过程。在这个过程中，测量起着一种关键的作用。对声音的测量，将人们引入对音乐节奏的学习；而对形的测量则将我们引入几何形体和图画的学习，使一切方面在本质上相互联系，使一切非本质方面处于从属地位；根据所有物体的相类似之处来安排它们；允许用各种不同的感官来体验重要的物体，以强化对它们的感觉印象；循序渐进和有步骤地安排知识，这样关于新概念的分歧就会很小，或几乎察觉不到；由浅入深，不可急于求成。

尽管他接受了卢梭的知识来源于感官的思想，却没有接受卢梭的自然教育观，其教学方法透露出较为浓郁的理性主义色彩。

2.福禄贝尔的美术教育思想

福禄贝尔原来从事学校教育，后来开始致力于幼儿教育。他设计了一套游戏与作业材料（原称为恩物，意即神恩赐儿童的玩具），在研究了已有的幼儿教育思想和理论后，系统地阐明了幼儿园的基本原理和教学方法。

福禄贝尔的教育思想受到夸美纽斯、卢梭特别是裴斯泰洛齐的影响，他认为教育的目的在于揭露潜在于人的内部的“神的本原”。

属于美术教育的造型性游戏有重要的教育价值。他认为“儿童早期的各种游戏，是一切未来生活的胚芽；……人的整个日后生活，……它的渊源都在儿童早期”。“游戏是儿童内部存在的自我活动的表现”，也是一种创造性的生活，它可以促进儿童的成熟与学习。因此他在幼儿园的教育方案中把游戏作为主要活动。福禄贝尔的某些教育思想，如强调儿童绘画和造型性游戏的自我发展，实现自然禀赋，过于强调天分，忽视后天教育的作用，虽然不够正确，但还是对包括美术教育在内的现代幼儿教育理论和实践做出了很大的贡献。

3.契斯恰科夫的美术教育思想

契斯恰科夫立足于唯物主义哲学观，认为世界是物质的，物质是有形的，物质的形态是可以被认知的。从本质上说，造型艺术是人对客观世界物质形态的主观能动的反映和把握。因此，对客观物质世界的正确而精准的认识和理解是造型艺术自身的根本要求。在契氏体系里，素描正是为了满足这个要求而产生的一门认知学科。为了训练和提高学生的这种认知能力，契斯恰科夫以透视、解剖等科学知识和原理为基础，构建了独特而科学的“校验素描实验方法”。他在一生中花费了大量的时间从事素描的透视和解剖等相关科学的研究，认为艺术离不开科学。

在契斯恰科夫看来，素描是造型艺术中意义最为重大的一门基础学科，是所有造型艺术的“根”。他既不能容忍那些只顾追求风格，在表现技法上卖弄、无病呻吟的空洞的花哨笔法，即所谓素描练习中的形式主义，也不能容忍乏味而琐碎的对物体表面现象的复制，即所谓自然主义。对这两点的批判是契氏素描教学体系产生的基石，他所有理论的核心和教学实践都是在针对这两点的基础上进行的。

契斯恰科夫素描教学体系中与众不同、引人注目并带有创造性成果的特点是，他将素描理解为对一个客观物体存在形态的认识思考过程，并把这个过程依据科学原理综合成一个具有独特多样性的生动的三维形态在二维空间平面上表现出来，以便检验其正确与否。同时，他教导学生要注意到形态与色彩，没有用他那个时代所采用的僵化的素描教学方法使学生偏离全面理解。素描是思考和推理，素描过程就是一个推理的思维过程。这个科学的论断是契氏素描教学体系的核心思想和理论基石，也是契氏体系区别于在他之前的一切素描教学体系的根本特征。契斯恰科夫从理论上确立了素描教学的根本目的，改变了素描教学习惯“重技轻道”的做法，从而更为有效地防止素描练习中的自然主义和形式主义倾向。

考虑到进入美术学院学习的通常都是毕业于中学的年轻人，契斯恰科夫认为有必要革新普通教育中学初级美术教学的程序与方法，针对学生将来活动的多样性而进行性格“预备”。因此，他的一些教导在这里常常是比较宽泛的。但是，即便这些教诲有这样的属性，也没有遮掩着他的基本宗旨——强调自由地、不受制于因循守旧的规则进行对客观物体存在形态的认识研究。他认为，应尽可能早地培养学生一种立体的认识观和思维方法。他不仅将这一规则运用于自己个人的实践，也试图将其推广到俄罗斯的中小学中去。

契斯恰科夫认为，在中学甚至小学阶段就着力培养学生观察、分析、认识客观形态的能力和二维平面上的立体表现的思维能力，不仅对学生未来进入专业学习有着坚实基础之作用，而且对学生的唯物主义认识观的确立、分析问题和解决问题的理性思维能力也大有帮助。

“素描，作为对生动形体的研究”，被契斯恰科夫作为初级教学的基础。这种研究“是一般知识的一个方面”，它“也像那些被认为是基础教育所必不可少的诸科学一样，要求智力活动”。从这个角度来看契斯恰科夫素描教学体系不仅仅是造型艺术的基础，而且是一个正确认识世界的科学方法；它不仅是科学知识的学习和运用，而且是脑手互动的智力活动。

训练眼力准确无误地测定相对的长、宽、高与距离，这是教会学生用眼睛去测量和理解所见之客观物体的一个阶段。教学者必须集中全部精力于发展学生对物体内在结构、对物体主要典型特征和决定着这一切的规律的理解力。

为了开发学童们对图形整体的感受力，契斯恰科夫建议在画木模素描时，一定要将木模置于白色或灰色背景之下。契斯恰科夫在这里指出有必要首先了解白色物体的阴影，即了解由于诸平面形态形成的光与影之形态奇妙而又偶然的多样性。为此，他建议“从现场做好的白纸入手来涂阴影。让学生们随心所欲地去涂”。

致力于发展学生直接的、清晰的、没有被议论所模糊的理解力，这也是契斯恰科夫有关色彩问题的最初建议的特点。“应当让学生给写生素描着色。为此，在交给他们调色板的同时，应使他们不要用头脑去判断，而应当用眼睛去寻找与实物相适的那种颜色。例如，一把用浅赭石漆成的黄色凳子，就应当在调色板上调出浅赭石色去为它着色”。在他看来色彩很像是除了色盲的人在绘画中最为轻松的快乐的事件，只在调色板上找到合适的颜色就行了，而需要思考分析的素描练习又是这一切的基础。