琳·科恩1944年出生于美国的威斯康星州，她在威斯康星大学学习的是版画与雕塑，之后，考入密歇根大学攻读硕士学位。在这期间，她在英国伦敦斯莱德艺术学院研读了一年。研读期间，她对英国波普艺术家理查德·汉密尔顿的作品产生了极大的兴趣，同时，那时期艺术形式的极简主义、贫穷艺术，都对她的艺术观念产生了很大的影响，对她的摄影作品理念的形成也具有重要的意义。1973年之后，她移居加拿大，并在多所学校教授摄影。
科恩在20世纪70年代开始她的摄影创作，以拍摄室内场景为主题，如图书室、会议厅、俱乐部和美容院等场所。对室内主题长期的拍摄，展开了她长达30年的创作历程。她使用8×10大画幅相机拍摄，虽然相机很笨重，但是面对这些并不会移动的室内场景，科恩可以缓慢地、精心地构图。她对每一幅图片的构图都非常精心地控制，以严谨的技术拍摄出具有丰富细节的画面。这些无人的、静默的场景，以类似于当代艺术的“现成品”或装置作品一样，进入我们的视野。
现成品的概念发端于杜尚的艺术理念，他使用现实生活中的日常物品，经过些许改动，从而转化为艺术家的作品。科恩所拍摄的公共室内场景本身就已经被人为地预先布置，就像一件现成品一样，经过科恩的选择，转化成了她的作品。在她早期的作品中，有一幅黑白摄影作品，表现的是室内场景一角。画面是一间餐厅，在门的前侧，地面上摆放着一个黑灰色、半透明的女人剪影雕像，她正托举着一盘食物。而在这座剪影雕像前的墙壁上，悬挂着一幅圆形图案的装饰画，除此之外，就是棚顶悬挂的吊灯。科恩用她的相机，截取的这样一个片段，表现了一个特殊空间之内的一种矛盾和不协调。这个雕像，好像童话里被施予了咒语的女主角一样，被封存在这样一个时空里。
从科恩的作品可以看到，这些被人为布置过的场景，都是具有实用性功能的场所，因为装饰的需要，人们会为这些场所添加一些装饰性的，或与之匹配的用具与内饰。科恩通过相机的寻找，切入这些场景的内部中，以现成品的角度来观看这些业已存在的内部空间。自1995年以来，科恩从以往的黑白影像逐渐转向了用彩色摄影表现这些内部场景。对于场景的选择也扩大到包括医院、军队的实验室、游泳池、休息大厅等内部空间里（图10-5）。(www.xing528.com)
“一直以来，我感兴趣的就是如何使艺术与社会、政治与美学相联系。我喜欢摄影以一种不带有表情的方式，把作者本人对作品的干预尽量缩小，我希望我的作品呈现出神秘的感觉。这就是为什么我会用中立的角度去拍摄。有的艺术家喜欢以戏剧性的方式表现在作品里，但我认为这些戏剧性的因素在现实的生活里就已经足够多了。”
科恩的作品尽量不带有个人情感，她把自己隐藏起来，通过所拍摄的主题去引起观者的思考，而不是刻意地寻求作品的表现力。她的作品要求我们建立起自己的叙述体验，从这些内部空间的场景里，也投射出我们自身的焦虑、记忆、梦想、恐惧和虚无。从这些完全人工化的室内空间，我们看到了现代社会里我们自身消费、制作、审美等方面的趋势。这些无人的场景，通过科恩精心的选择，呈现出自身内在的叙述方式，以人的不在场却表现出了人的在场感。
图10-5 实验室 1999-2013
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