好莱坞音乐片是一种典型的娱乐类型，于黄金时代抵达巅峰（1935—1955）。2017年，奥斯卡大赢家《爱乐之城》突然复兴了这一古老类型，并树立了当代好莱坞音乐片新范式。
美国学者格兰特在《疑影：美国类型电影中的阳刚协商》中，以一种历史视角审视了1950年代音乐片的衰落，将其归因于大片厂制作的音乐片中的音乐与这个国家越来越多的人真正在听的音乐——摇滚乐之间的鸿沟。音乐片与摇滚乐分属非常不同的性别意识形态：前者在主题上清晰传达出一种社会责任感——通过节制的一夫一妻异性恋理想来维护的社区意识；而后者表达出原始的不受拘束的男性性感，是对社会责任感的威胁[1]。但是，好莱坞音乐片通过吸收与利用摇滚乐，找到了一条重新受欢迎的路径，但是——是在驯化了摇滚乐的生殖崇拜/男子气概之后。首先，如《摇滚乐无罪》（Don’t Knock the Rock，1956）等音乐片不断传达着“摇滚乐是无害的”，将不同代际的人们凝聚在一起；其次，男性摇滚明星的形象被塑造为无性威胁的，如猫王转型为电影明星时“进化了”的“去性化”。即，音乐片通过驯化摇滚明星的性感，来适应这一类型的父权与浪漫的性别意识形态。(www.xing528.com)
传统上，音乐片的主流模式是：异性恋、女明星与凝视快感。珍·福伊尔曾经探讨了音乐片的双重表达——说/唱、叙事/奇观、梦想/现实。但是音乐片表现自由的人类精神的图景，是在取消了将这一图景转化为现实后完成的——这些都留在曲终之后，给了观看下一部音乐片的机会。然而，如果审视音乐片与观众及空间的互动，我们将会得到一种不同的方式来体验音乐片所创造的乌托邦[2]。因此，在考察这一类型的现代复兴之前，我们先回溯一下黄金时代音乐片的观看机制。
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