一般来讲，人们把好莱坞电影音乐的发展划分为以下三个重要阶段：（1）1930年—1960年：好莱坞电影音乐最为经典的三十年。这段时期最关注音乐和电影框架的节奏和韵律是否合拍，而不太关注情感层面。（2）1960年之后：好莱坞电影音乐的后经典时期。技术的发展为好莱坞电影音乐增色不少，尤其是七八十年代索尼等公司的音乐技术使好莱坞电影音乐本身具有很强的娱乐性。（3）2000年以后的网络时代：时代华纳和缘起于美国的网络供应商“美国在线”（AOL，American Online）合作。自此之后网络和电影、音乐、电视、出版界携手合作，给电影界和音乐界都带来了前所未有的变化。观众可以通过网络，或收看、收听或下载电影、音乐。电影音乐的成本也得以减少。事实上自八十年代初开始，数字音乐合成技术就降低了电影音乐的制作成本。这些变化无疑影响了好莱坞电影音乐。多媒体技术和计算机数码合成高清技术都被应用到了好莱坞电影音乐制作中，使好莱坞电影观看者享受到“阅听”并举的震撼。在学界也出现了评论、研究好莱坞电影音乐的电影音乐批评家。他们还出版了很多相关的书籍。好莱坞电影音乐，作为电影制作技术的一部分，在最大范围内调动了受众对电影的情感需求。
“好莱坞交响乐团”的音乐指挥家马克斯·斯坦纳（Max Steiner）制作了1939年好莱坞经典巨作《乱世佳人》（Gone with the Wind）的电影配乐。其中最为感人的是影片结尾处的音乐。当经历了一系列人生磨难的郝思嘉返回庄园后，面对残败的家园，她缓缓地匍匐在黄土地上，然后缓慢站起。在这期间大约有两分钟的时间没有任何台词，一切都是画面和音乐声。正是斯坦纳指挥的大型乐团演奏的音乐基调，使得郝思嘉举起右手向上帝发誓，再也不能让自己忍饥挨饿的誓言格外铿锵有力。她的誓言激励、鼓舞、磨砺了亿万观众。这种非凡的感染力无疑得益于非常悲壮的音乐力量。出品于1995年的好莱坞巨作《勇敢的心》证明了另一个事实：电影音乐可以让人们沉浸于无法确切理解，却又竭力理解的异国文化当中。这部电影跨越了时空，跨越了民族文化，影响深远。它令不同国家背景下的观众对苏格兰文化赞叹，对华莱士的硬汉气质倾慕不已。这部电影中的音乐具有阿多诺曾指出的“无语言的历史真实”[2]和“超验的无语言状态”[3]。这里的电影音乐表现出与电影歌曲的不同。电影音乐凸显了幻想作用，其音乐符号被置换成了对压迫的反抗、爱情的呵护、复仇的渴望，以及对整个苏格兰民族的拯救。好莱坞电影音乐从深层境界塑造了电影的娱乐性和全球性，比如近年来好莱坞电影音乐旋律会倾向于印度或中国的音乐旋律这也昭示了好莱坞电影音乐的国际化程度日益增强。(www.xing528.com)
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