电影艺术的有机性与限制性

有机统一是任何艺术作品中各种元素构成的基本原则。而在电影艺术的创作中更有特殊的意义，有与其他艺术形式相比在构成关系方面的特殊性。

电影艺术创作的有机性是指参加电影创作的各个部门和单位，是由导演、摄影师、美术师、录音师、化妆师、演员、照明师等运用各自不同的表现手段，相互综合、配合、融合形成的有机整体。如果说二度创作的特殊性是指电影艺术创作的各个部门要以剧本为依据，与剧本之间形成一种从属的纵向关系，那么有机性则是指各部门之间的横向关系，它是指一种相互制约、依存、限制的关系，是其他任何艺术形式所不具备的特殊性。

作为电影美术设计就要认识到这种创作的特殊性，运用好这种特殊性。概括来讲，要解决好三种关系：一是美术部门与导演意图的统一关系；二是美术设计与其他部门如摄影、照明、录音等的相互制约、依存、限制的关系；三是美术部门内部的艺术与技术各组之间的配合关系。

一场成功的音乐会演出是在指挥的组织、指挥下，由乐团的众多音乐家演奏完成的，指挥是音乐会演出的灵魂，关系到乐队对乐曲的处理和演出风格的形成。

电影的拍摄也是同样道理，电影的创作和拍摄如果没有指挥同样无法进行，更不可能拍出好的、有特色的艺术作品。在电影摄制组里，导演就是指挥，而摄影师、美术师、录音师等就相当于乐队的首席。摄制人员以导演的观念、以导演对未来影片的构思为基点，把各部门的创作纳入导演艺术风格的轨道，统一影片的创作，就如乐队之演出，“一次演奏如一整体”。

电影美术师与导演对影片场景造型、镜头画面造型设计的磋商、探讨和确定，是形成影片造型形式和风格的重要环节。

苏联著名导演杜甫仁科在拍摄影片《海之歌》时曾经讲过：“我最担心的是把这部影片拍成海的故事，我要拍的是海的诗、海的歌。”这是这位导演坚持自己作品诗意风格的很明确的表白。这部影片的两位美术师布拉斯基金、鲍里索夫，与杜甫仁科一起对镜头画面设计进行逐个修改，最后达到了构思所要求的效果。

电影的银幕视听形象是由各种元素构成的，而这些元素和成分，如场景、空间、色彩、光线、人物形象等，彼此之间是一种相互渗透、互相影响、互为因果的依存关系，犹如人体中各种器官之有机构成。如果我们深入地、仔细地研究这种种依存关系，就不难发现，依存关系实质上是一种电影特有的规定性、限制性以及由之形成的各部门之间的相互制约性，了解了限制性也就明白了什么是相互制约性。特殊的规定性是一种创作规律，也是电影有机性的集中表现。

实际上，任何一种艺术手段都有不同的限制性，或曰局限性。例如，被称为“瞬间艺术”的绘画、被举为“凝固的音乐”的建筑，在反映运动现象或呈现出声音的节奏感上是间接的、潜在的，这就是一种局限性。画家往往要想方设法地克服并突破这种局限，发挥造型手段的表现力，传达出一种运动感、音乐感，不过这要靠激发观者的想象和联想才能达到。

在电影的创作和摄制工作中，相互制约的关系涉及各个方面，对于美术设计来讲，美术与摄影、录音、照明等都是互为因果的、相互制约的关系。而其中对美术设计起关键作用的是摄影与美术的相互制约关系。

苏联著名电影美术师米亚斯尼柯夫讲到：“善于用‘镜头’来观察是电影美术师视觉观察力的专业特征，具有这一特质和场景空间发展的概念，可以随心所欲地在平面上和在空间中表现剧情内容，估计镜头的运动、摄影机的移动、镜头和胶片的性能、照明特点以及其他电影表现手段和方法。”^[14]

这是这位大师非常专业的经验之谈。

美术师要用镜头——眼睛去观察，考虑镜头的特点和技术条件进行设计，估计不同镜头拍摄的人、景、物等被拍摄对象在银幕画面中的效果等。总之，造型处理离不开镜头，因为，归根结底，美术师所有的设计内容，如场景、道具、服装、化妆、特技等都要经过镜头的拍摄和处理，经过蒙太奇组合、剪辑，最终体现在银幕上。

镜头的所指有不同的概念，如光学意义的镜头、作为电影画面的镜头、作为影片结构的基本组成单位的镜头等，与电影美术设计关系更为直接的至少有这样5个方面：（1）电影镜头的种类（不同焦距的光学镜头）；（2）影片画面的画幅比例；（3）景别；（4）镜头的运动；（5）镜头的视角。

划分镜头种类的依据是焦距（焦距是镜头光学中心到胶片平面的距离），焦距是25mm的叫25镜头，焦距是75mm的叫75镜头，依此类推。每个镜头都有自己的水平角和垂直角。35mm电影胶片上的画面大小是16mm×22mm，这是固定不变的。由于焦距不同，镜头成像角大小就会不同。^[15](www.xing528.com)

我们用25镜头与75镜头相比较，25镜头由于焦距短，其成像角是47.5°（水平角）、35.5°（垂直角），而75镜头的焦距长，其成像角度是16.7°（水平角）、12.2°（垂直角）。

镜头一般分为标准镜头（或称正常镜头）、广角镜头、窄角镜头（长焦距镜头）。人看物体的最佳视角大致为36°～38°之间（水平角），接近这种角度的称标准镜头，如35镜头（水平角为35°）、32镜头（水平角为37.9°）、40镜头（水平角为30.8°）。成像角大的称为广角镜头，如24镜头、25镜头、28镜头，成像角小的称为窄角或长焦距镜头，如50镜头、60镜头、75镜头、100镜头等。^[16]

由于镜头种类不同，产生的画面效果对所拍摄的对象如场景、道具的包容范围就有很大的区别和变化。一般有三个方面的特点：

（1）画面透视效果的强弱不同，广角镜头强、窄角镜头弱。

（2）机位不动的条件下，取景范围大小不同。广角镜头取景范围广、包括的面积大，窄角则相反。

（3）用不同镜头拍同一景物，要求距离不同，广角镜头要求的距离近，窄角镜头则要较远距离才能拍全。

以上种种不同镜头在拍摄场景、内外景环境的特殊要求，无一不对美术师在场景空间设计、道具陈设的摆放和各种特技合成的制作等方面造成非常直接的影响，美术师对场景的高低、大小、宽窄、比例等的设计要考虑采用不同镜头，尤其是广角镜头和运动镜头拍摄的特殊要求，在美术设计上要调整好，才能取得预期的理想效果。

又如画幅的比例，是指电影画面的高与宽的比例。普通银幕画面的高与宽的比例为1∶1.375，宽银幕画面为1∶2.35，遮幅银幕画面的比例为1∶1.66或1∶1.85不等。

一部影片的画幅比例是不变的、限定的，对于电影美术师来说，要进行镜头画面设计，对不同画幅比例画面所涉及的空间规模、场景结构等都要有所关注。例如，普通银幕与宽银幕影片的布景设计在面积、空间、结构上就会有很多的不同。又如，不同画幅比例的严格限定对电影美术师而言要设计大量的镜头画面，这与画家进行绘画创作是完全不同的，画家可以随心所欲地确定画幅比例，横幅、竖幅、正方形甚至圆形都是允许的，而对于美术师的画面设计来说，画幅比例就是一种制约、一种限制。但是，美术师认识、研究这种特殊限制条件，掌握规律，就能驾轻就熟，获得创作的自由。

其他方面，如镜头的运动、景别、角度等，都是美术师在设计时要考虑的必不可少的重要因素。美术师还要为照明、录音提供必要的条件。

此外，在特技设计中，模型、绘画、透镜等的合成，则更要严格而准确地按电影镜头画面透视法则把摄影机的位置、被合成景的位置和形象与合成景物的位置做准确无误的计算和测量才能达到理想的合成效果。

从电影总体来讲，各种手段和因素之间的有机性和限制性是辩证的、相互制约的关系。美术师设计的场景的结构、空间规模、尺寸，景物的色彩，服装的形式和色彩等，对于照明、摄影的用光，取得环境的色调，就是一种明显的先决条件和规定性，这是符合电影创作规律的。

美国著名摄影师戈顿·威利斯曾经讲过：“电影就是要有限制的，你必须明白这一点。就像一个职业拳击手一样，他处在一个正方形的围栏里，因此，也学会了如何运用这些围栏。电影也是一样的。在电影这行里，有人就没有学会如何做，他们不明白这个界限是什么，可是一旦你明白了界限是什么，你就会有许多自由。”^[17]

电影美术师的设计也是同样道理，要了解、熟习限制和“界限是什么”，在此基础上，利用电影各部门之间相互依存的规律性，就能获得自由。