时尚与艺术的融合

什么时候时尚成为了艺术，而什么时候艺术变为时尚？纵观20世纪，一直以来都有着关于这两个词之间其相似性的探讨，它们在促进了视觉文化发展的同时也为时尚的感染性与创造性做出了贡献。了解这一过程的重要意义可以使我们更好地体会当代时装设计的多元性、复杂性以及和艺术的共生关系。

艺术、服装与面料之间的关系源远流长。它们之间有着非常广泛的影响；例如早在19世纪80年代，美洲原始土著印第安人在他们的棉质服装上涂满了具有视幻效果的艺术图案。20世纪，时装与艺术得到了前所未有的发展，一些艺术家借助于服装来表达或寓意人们的生活状态与精神思想。这种跨界交融的传承在1996年佛罗伦萨“双年展”上达到了高潮，艺术家与服装设计师通力合作共同探索时尚与艺术的关系。这一次有影响力的展览给新生代的设计师与艺术家提供了一个思辨的平台以及无穷的创作源泉，他们在不断改良自己的设计路线，一些服装设计师也为视觉文化传达的发展提供了重要线索。

19世纪末，著名的时装设计师沃斯和波莱就已经和艺术家有了很好的合作，而当时的工艺美术运动为这种着装的激进变化也铺平了道路，并预示着一种实用的风格将取代繁复而奢华的高级女装风格。在这种氛围下不断延伸出具有当代风格的时装，同时也为当代艺术在革新的浪潮中发挥作用提供了机会。

早期一个典型的例子如画家及发明家马里安诺·佛图尼(Mariano Fortuny)尝试了一种极为另类的服饰风格，这是一种在人体与衣料之间的探索，体现出了极简主义艺术风格的雏形，他极富标志性的衣褶线条受到古希腊雕塑的影响。

20世纪早期，艺术家布拉克(Braque)和毕加索(Picasso)就在他们的拼贴画创作中使用了布料，之后其他的艺术家如德肯汉姆(Duchamp)、曼·雷(Man Ray)、克里特·斯威特(Kirt Schwitters)等都如出一辙地使用了这种方法。20世纪20年代，艺术家索尼娅·德劳尼(Sonia Delaunay)传递了一种服装的空间解构造型的激进设计理念，她从立体派绘画中得到启发并将其作为重点用于服装的抽象结构之中，同时运用了拼缝合物的技巧加以完善，使这件衣服成为了艺术品。

对达达主义的初步探索并融合了超现实主义设计的时装设计师伊莎·夏帕瑞丽(Elsa Schiaparelli)用艺术的手法创作面料和饰品。她创造性地试验了一些材料如玻璃纸、塑料、玻璃并设计出俏丽而精致的带锁扣的腰带、外露装饰拉链以及音乐手袋皮夹等。她标志性的颜色“艳粉”即取材于艺术家克里斯汀·伯纳德(Christian Berard)的作品。

高级时装设计师查尔斯·詹姆斯(Charles James)活跃于20世纪的30～50年代，也堪称一位跨界大师。他运用了数学原理以及丝绸材料的工艺特性将服装的结构造型打造成具有雕塑般美感的设计，同时还将一些新型材料如人造丝等运用到设计之中。他把自己的设计看作是艺术家的作品，并由那些可置换的、精心构造的部分组合而成。

20世纪60～70年代，与青年文化思潮并进的还有艺术领域里具有尝试性与挑战性的活动在如火如荼地进行着。服装设计师帕克·拉巴纳(Paco Rabanne)运用新材料如纸张、塑料以及金属在服装上大胆尝试，他的首个系列被命名为“十二件不可穿着的服装”。

20世纪80年代早期，来自于日本的设计师如三本宽斋、山本耀司、川久保玲等针对人们习以为常的服装与身体之间的认同发起了挑战，向西方世界掀起了一场时尚风暴。这些设计师们来自于艺术与手工艺之间没有明显区分的国度。(www.xing528.com)

川久保玲将服装作为总体环境中的一部分来设计，这种环境指的是由消费者的生活方式以及对应的购买市场所延伸出的一种时尚氛围，因此川久保玲精心打造的是一种时尚装置氛围，而不仅仅是零售终端。一些名为“可穿着的艺术”和“概念服装”等新锐艺术活动将服装作为一种塑型的手段进行演绎，并大量使用装置艺术语言。

20世纪80年代中期，解构主义的代表将时尚艺术又更推进了一步。来自于比利时的设计师马丁·马吉里拉(Martin Margiela)和安妮·德姆莱斯特(Anne Demeulmeister)的服装设计作品里有了革新性的设计表现。马丁·马吉里拉运用了俄罗斯形式主义艺术家的“一语道破”理念，即不加过多修饰的方法来尝试服装构建的过程。将白坯布在层层构造之时产生的造型，于服装最终的表现效果里展露无疑。

由于概念性的设计作品以及相关形式逐渐取代了传统形式，例如绘画艺术与雕塑艺术的改良，因此这样的趋势造就了服装上的进一步拓展。高级时装设计师们也在行使着自己艺术家般的权力来做类似的事情。设计师三宅一生就是这样的一个例子，他的设计不依赖于流行趋势，在东西方文化交融的平台上，用自己创建的新型面料和对人类着装的理解开拓出独有的线性以及几何造型设计。

一直以来艺术家们很感兴趣的传统针线手工艺刺绣、绗缝补绣拼贴等，通过一定手法的结合被用于创作之中，寓意着人类丰厚的精神财富。一个显著的例子就是麦琪·伯特(Maggie S Potter)在1978年时发布的“商标夹克”服装设计，这件服装完全由旧衣服的商标拼合绗缝而成。艺术家翠西·爱敏(Tracy Emin)的创作主题是借用传统的手工艺技巧来描述其对生活细致入微的理解。一些设计师如维维安·韦斯特伍德(Vivienne Westwood)和布鲁·撒菲儿·金(Blue Sapphire Gin)用自己的形象为该品牌做广告，她们横跨艺术、时尚、商业市场等领域并进一步影响了我们的视觉文化。

转换这一概念对于服装而言意味着其形态能够由一系列可转化的形式内容等来组成，这也一直是被持续讨论的话题。

艺术家露西·奥尔塔(Lucy Orta)在针对帐篷与服装或其他生存必备物品之间进行探索时所产生的理解，在形态上极大地影响了时装设计师胡赛因·卡拉扬(Hussein Chalayan)后来在诸如家具、服装以及建筑上跨学科的实验性设计研究。

当代艺术与时尚有很多密切的联系以至于很难将它们分开。广告中的艺术表现以及服装中汲取艺术成分的设计都不断打造出越来越成熟的时尚消费者，这些推动时尚的消费者的购买力有时也直接作用于整个设计推进过程。

“现代艺术的新景象是魅力与时尚并存，这非常吻合时代的精神。”—— 马修·柯林斯(Mathew Collings) 《当代艺术》