艺术审美性的变革与演进

当代艺术表达的审美性似乎是一种难以表述、没有具体标准的东西，或者说是一个特别难以回答的问题，至少不能用“自然美”“艺术美”这样明确的词来表达清楚。西方的艺术评论家也只能笼统地把它称为“第三领域的美”。

那么，到底“第三领域的美”是什么？我们不妨从艺术发展的源流上来追寻。艺术，从实体上说是给我们创造美的形象；从行为上说，是给我们一个可以自主做事的机会——艺术创造属于自主自由的活动。因此，我们置身于艺术中，可以让生命得以舒展和高扬。这就是为什么艺术一直被推崇，远远高于生活之上。于是，艺术和生活分开了，一个形而上，一个形而下。

然而，艺术的革命运动从来没有停歇。西方艺术家的第一次革命（从古典艺术到现代艺术），源于对古典艺术的不满，写实的艺术是通过文艺复兴达到的完美，结果艺术被学院做成了奴隶，要求人人服从，艺术存在的最重要的两个要素——创造美和自由，没有了自由，等于失去了一半，艺术的革命是一个必然。

艺术的现代主义革命成功以后，艺术家摆脱了写实的限制，让艺术去写意、去变形，甚至直接进入了抽象，失去的自由重新回到了艺术家的手中。新出现的现代艺术给艺术家极大的空间，随便什么的变形和写意都可以放进艺术的大篮子里去。可是，这种新的现代主义艺术存在仅仅百年，又一轮艺术的革命开始了。这次革命的缘起还是自由，虽然现代艺术从表现手法上实现了最大限度的自由，艺术家可以随意变形，随意拆解物体，甚至可以打破逻辑，非理性地安排物象。但是，现代艺术随着发展，逐渐建立起了自己的权威标准和一整套的艺术批评体系，当客观化、科学性、宏大叙事这些要求成为现代主义的思路和标准的时候，现代主义艺术就不再给人以自由，反而逐渐束缚住了自己。(www.xing528.com)

美国学者斯坦伯格（Leo Steinberg，1920—2011），曾经直接用切身的经历批评现代主义学说。他在10岁的时候，因为喜欢艺术，母亲带他去了一家美术馆，当他看到一幅圣徒利箭穿身的画像的时候，小孩子被深深地震撼了，他说：“他不知道疼么？这个人怎么还站在那儿？”然而，当他长大进入艺术院校学习的时候，来自他孩提时代的直觉感受，却被现代主义的理论完全否定了。他被教育说，不必在意圣徒的疼痛，绘画中出现这种叙事是不好的，它模糊了绘画的本来目的。正确的态度是：你不必描绘一个献身圣徒的疼痛感受，应该追踪视觉规律和有意味的形式。画面的完整性或是坚持媒介材料的真实性，这些才是现代主义的准则。

这个例子让我们看到，现代主义的形式审美是成为植入学生头脑中的一个既定观念，要求人人服从，让他们拿着它作为欣赏艺术的出发点，而个人的内在直觉体验却完全不用考虑。艺术变成了一种极度专业化的标准，随之带来的是艺术有了高低、贵贱之分。能欣赏高级艺术的人，被认为是富有和有教养的人；而低级艺术的消费者，自然是平庸之辈。现代艺术变得越来越脱离群众。

这时候，当代艺术所倡导的表达人性的解放与自由，进入“第三领域的美”。艺术的美不在“形”，而是内在的，由作品的意义产生的，进入一个更大的领域，即是将自己与宗教和哲学放在了同一个领域。艺术由外在的美改道进入真、善的精神领域，也就是说，当代艺术不再是靠“形”的魅力去打动人，而是靠意义的含量去打动人。可以说，当代艺术的审美性和现代主义提倡的平面、线条、色彩、构图等已经没有任何关系了。当代艺术最终所表达的是人们在社会生活中的感知和精神追求。