（一）关于时装
1.时装
时装，顾名思义就是讲具有时间特征的服装。如果将其作为一种社会事物放在社会学研究领域中去认识的话，时装是指在一定时期（时间）、一定区域（空间）出现，为某一阶层或某一类人所接受并崇尚的衣服。一般来讲，时装具有“一过性”，其流行有一定规律。某种时装一旦过了“临界线”，即为大众所普遍接受，那就无时装性可言了，但是另一种风格的时装又会接踵而来，时装永远如潮水。只要人类生活状态没有大的改变，时装将永远存在，并生生不息。
2.高级时装
高级时装是时装的顶级产品，是针对高层顾客的需求设计制作的服装。这个概念是由设计师查尔斯·弗雷德里克·沃思（Charles Fredrick Worth，1825—1895）在19世纪中期创立的，他当时的服务对象为上流社会的女性，精美的面料、原创性的设计理念和完美的手工缝纫技术是其不可或缺的构成要素。
服装界对高级时装的界定也有着非常明确的标准。巴黎高级时装工会颁授的高级时装称号必须具备五个条件：一是在巴黎有设计师工作室；二是经营者至少雇用20名全职手工工人；三是服装必须要量身制作；四是其品牌必须每年举行两次发布会（时间为每年的1月和7月）；五是每季至少要推出65套服装。以如此严格的标准生产的高级时装具有以下几个组成部分：高级的材料、高级的设计、高级的做工、高昂的价格和高层次的穿着场合。消费者要想拥有一套高级时装得经历看展示、预约、选款式、量身、立裁、初次试身、制作、再度试身、最终试身、修改、最终制作等繁复的程序。
图1-7 时装
图1-8 20世纪50年代高级时装
20世纪60年代以来，社会思潮对人们的价值观念和消费习惯产生了强烈的影响，高级时装仅刺绣部分有时就需要花费上千个小时，这使得许多人望而却步，顾客量急剧下降。21世纪以来全球的高级时装消费者只剩下几百人，其中活跃分子则更少，使得高级时装业进入一个尴尬的境地。可以这样说，广义上的高级时装业正从小众走向大众，因而也就很难以人数而计了。
3.世界五大时装之都
世界五大时装之都分别是法国的巴黎、意大利的米兰、英国的伦敦、美国的纽约和唯一的一个亚洲城市——日本的东京。
无一例外，这五个城市都具有浓厚的文化艺术氛围和便利的交通，吸引了世界优秀的设计师们，也引领了世界时尚的潮流趋势。近百年来，这五个城市的发展史也是国际著名服装品牌发展的历史。
（1）巴黎
巴黎是法国最大的城市，也是欧洲的交通要地，是法国最大的文化、科教中心。拥有卢浮宫、巴黎圣母院、爱丽舍宫、凡尔赛宫、协和广场、巴士底广场、埃菲尔铁塔和凯旋门等许多著名的建筑艺术。
图1-9 高级时装局部
图1-10 巴黎的时装博物馆
图1-11 巴黎路易·威登店面
法国人具有爱好奢华、喜欢时髦、崇尚浪漫、钟情艺术的天性，这些都和时装的特质相吻合，因此巴黎的时装总是在世界的时尚舞台上占据领导者的位置。
20世纪以来，法国政府有意识地支持巴黎时装中心的地位，如投放巨资鼓励时装设计、设置时装设计大奖、为时装设计大师举办纪念活动等。
法国除了设立金顶针奖以鼓励有才华的时装设计师外，还自1943年就通过法律规定：缝纫者的作品享有和艺术、文学作品同等的荣誉。这些都反映了法国人对服装的重视与喜爱，也是它成为世界最重要的时装之都的关键因素。
（2）米兰
世界共有八大时装设计公司，意大利占了五个，其余三个在法国。巨大的实力、潜力与惊人的发展趋势，使得米兰的时装博览会与流行趋势发布会基本与巴黎齐名。
米兰是意大利最大的工业和金融贸易中心，也是南欧通向中欧的交通要道和商业中心。现代许多南北交通干线都汇集于此。米兰是世界有名的港口城市，与世界各地联系频繁。
同巴黎一样，米兰也具有浓郁的艺术气氛，服装业是米兰的一个品牌行业，同时有着悠久的传统，我们所熟知的许多高级时装的家族品牌就诞生于这个城市。
（3）伦敦
工业革命是从英国开始的，是英国最早发明并应用了纺织机，从此改变了服装发展的历史。近代时装之父查尔斯·沃思是英国人，虽然他的时装生涯主要在巴黎，但英国人永远以沃思为骄傲。
图1-12 伦敦品牌J.Shoes广告（之一）
图1-13 伦敦品牌J.Shoes广告（之二）
图1-14 伦敦品牌J.Shoes广告（之三）
图1-15 伦敦品牌J.Shoes广告（之四）
伦敦的市内交通方便，伦敦港是英国最大的港口，也是世界著名的港口之一，与70多个国家的港口建立了联系，这些对于它时装之都地位的确立创造了地利条件。
伦敦给人一种浑厚大气的感觉，这和英国悠久的历史密切相关，伦敦有许多古老的建筑和名胜，每一个角落都有历史遗痕，在诉说着英国曾经的辉煌。与巴黎和米兰相比，伦敦的时装更为含蓄、严谨，散发着一种理性的光芒。
（4）纽约
纽约是美国第一大城市和工业基地，也是金融和商业发展的一个中心。它还是著名的移民城市，这决定了它对不同文化的包容，从而形成了独一无二的纽约风格。
纽约虽然比前面的三座城市历史要短很多，但纽约也有着它独特的艺术氛围：大都会博物馆、百老汇、歌剧院、时代广场、联合国大厦、自由女神像，都为设计师带来了灵感。从风格上看，纽约的时装更加大众化和平民化，成衣是他们主要的品类，风格较为自然随意。
美国早在19世纪初就出现了成衣业。20世纪20~30年代，美国有一批本土设计师开始崭露才华。1941年，纽约举办了一次隆重的服装表演盛会。几年之后，美国设计师开始声名远播。20世纪中叶以后，以纽约第七大道（Seventh Avenue）为中心，服装产品开始遍布各个阶层。纽约还十分注重服装教育，如纽约时装技术学院（Fashion Institute of Technology，简称F.I.T）等培养了大批设计人才。
（5）东京
作为亚洲唯一一个时装之都，东京有着它独特的优势。东京交通便利，由公路、铁路、地铁、空运和海运组成了一个四通八达的交通网，通向全国及世界各地。东京也是日本的经济中心，同时还是日本的文化教育中心，是博物馆、图书馆等文化机构汇集的地方。
此外，它还经常举办各种文化交流活动，使之具有多元化的视角。东京的设计师非常擅长挖掘日本及东方传统服装中的文化精髓，他们的设计巧妙地结合了中西方元素中能够融合的成分，这使得东京成为唯一能在国际时装舞台上占有一席之地的亚洲城市。
（二）关于流行
1.流行（Fashion）
流行是指在一定的时间（某个历史时期）和空间（某个国家或地区的范围）内，一定数量的人受某种意识的驱使，通过模仿前沿的或占主导地位的某种观念、行为、生活方式而达到某种状态的社会现象。当然，随着电子网络的快速传播，信息通道缩短，流行的空间可扩大至全世界，特别是时装。
事物的流行与人类两种常见的心理有关：一是求变心理，二是求同心理。对事物抱有前种心理的人，对新的流行非常敏感，是新流行的创造者和追随者；当这种新的流行随着求变心理的人而逐渐发展成为一种大范围的“强势力”后，对新事物抱有求同心理的人往往产生不愿被这股强大势力抛弃的想法，也加入其中，使其被普及和一般化。随后，当这种新的趋势普及后，一种更新的流行就会作为一种需要，再次为求变心理的人所提出并实施，于是新一轮的流行与普及重新开始了。服装与人接触多，且流行起来相对容易，因而表现在时装的流行上更显得便捷。
2.流行周期（Fashion Cycle）
流行周期是指某种时装从出现到逐渐被人们接受，再达到流行巅峰，随后走向衰退，最后退出流行舞台的整个过程。流行周期具有循环往复的特点。但是，下一次流行绝不会回到原来的点，总体呈螺旋式。
不同的时装流行周期不尽相同，有的在很短的时间消亡，有的具有很长的时尚生命。一般来讲，每个流行周期都包括如下部分：导入期、上升期、顶峰期、下降期、消亡期五个阶段。
3.流行趋势（Fashion Trend）
流行趋势是指一段时期以内时装流行的总体方向和趋向性的变化。如我们经常能够在各种时尚传媒的种种宣传方式中得到“下一季复古风格流行”“明年中性风格流行”等对流行趋势的预测，都是对一定的时间内流行的一种趋向性的指征。
图1-16 流行——博柏利广告
图1-17 流行趋势影响人们的穿着
4.风格（Style）
风格是指某件或某种服装区别于其他服装的独有特征，这种能使受众从服装的外观上辨识出的特点称为风格。服装风格有的会被一再重复，而有的只出现一次就永远消失了。如果回顾20世纪这一百年服装的演化史，我们就会发现几乎每个十年都有自己的风格，这就是时代赋予服装的深深烙印。不同的设计师所设计的服装也有着各自的风格特点，这取决每个设计师的修养与爱好。虽然各个阶段都会有不同的变化，但一个设计师的风格往往会贯彻始终，以形成他区别于其他设计师的独特之处。
5.品位（Taste）
品位是指人们在各自不同的生活环境、文化背景、教育水平、审美倾向以及其他诸多因素的影响下所形成的对时尚的定位。良好的品位不仅能够帮助人准确地发现美丽的事物，还能够甄别什么样的服饰是最适合自己的。我们通常有品位和品味之说，品位更多的是指高度，而品味则趋向于总体表现。
图1-18 香奈儿的设计具有独特的风格
图1-19 The ФPAK品牌风格显著的时装广告（之一）
图1-20 The ФPAK品牌风格显著的时装广告（之二）
图1-21 The ФPAK品牌风格显著的时装广告（之三）
图1-22 The ФPAK品牌风格显著的时装广告（之四）
（三）关于服装设计
1.设计（Design）
设计一词的英文是“Design”，它是指对事物的一种整体的计划、规划、设想以及解决问题的方法，并通过外在的表达方式进行传达的一个过程。
有关设计所包含的范围以及比较准确的定义一直以来有着不同的解释，专家学者乃至普通人都对“设计”一词有着自己的理解。但有一点是肯定的，设计与我们的日常工作和生活息息相关，我们每天所面对的绝大多数事物都与设计有关。
2.服装设计师（Designer）
服装设计师是以平面（绘制效果图）或立体（直接裁制服装）的方式来体现自己服装创意或构想的人。他们具有创造性的思维，力求使创意与实际穿着形成完美结合。
西方最初的服装设计师就是贵族名流的裁缝，他们的地位与工匠相似，都掌握着极为精到的裁剪和缝制技术。到了19世纪末20世纪初，一些设计师不再剪裁而是用图画来表现自己的设计意图。从那个时期以后，无论会不会裁剪，只要能设计出美观实用的服装效果，就是优秀的设计师了。从此“服装设计师”这个概念就从“裁缝”的范畴中脱离了出来。现在的服装院校或专业，较为重视对学生进行专业基本功、服装理论、设计训练、效果图表达、服装结构等诸多方面的全方位培养，以使未来的服装设计师能够对各个环节都有所了解。
图1-23 服装设计师巴伦夏加
图1-24 服装设计师让-保罗·高缇耶
图1-25 让-保罗·高缇耶的设计作品展示（周梦摄）
图1-26 让-保罗·高缇耶的设计作品（周梦摄）
3.高级时装设计师（Couturier）
法语中Couturier是“妇女时装设计师、时装商”的意思，而我们所说的高级时装设计师不同于普通的服装设计师，它指的是法国屈指可数的高级时装店里的主设计师，这些设计师像旗舰一样成为每个品牌的灵魂人物。
图1-28 设计师保罗·波烈
图1-29 保罗·波烈的设计作品
图1-30 设计师维奥奈夫人
图1-31 维奥奈夫人的设计作品
国际上对高级时装设计师的标准认定有如下条件，前五条与前述对高级时装的界定相呼应，即在巴黎拥有自己的工作室；至少拥有20名助手；服装必须量身定做；每年要举办春夏、秋冬两次发布会；每季至少要推出65套新款；每年至少为客户做45次不公开的新款展示。按照这个标准，目前全世界享有这一称誉和资格的著名服装品牌只有25家，法国22家，意大利3家，高级时装设计师屈指可数。
4.成衣设计师（Stylist）
在法语里，Stylist是成衣设计师。成衣设计师与高级时装设计师不同，他们服务的范围更加广泛，而他们的设计与高级时装相比，在面料、裁剪与缝制手段上的要求相对较为宽松。实际上，成衣设计师在20世纪下半叶起就普遍存在了，几乎每个服装厂家都有，甚至具有团队。
5.导向设计师（Trend Setter）
导向设计师不同于一般的设计师，是指那些能够决定他那个时代的时尚潮流，或在一定程度上引导潮流所向的人。比如19世纪下半叶到20世纪初的导向设计师是查尔斯·弗雷德里克·沃思，20世纪初有保罗·波烈（Paul Poiret），20世纪20年代有可可·香奈儿（Coco Chanel），20世纪30年代有艾尔莎·夏帕瑞丽（Elsa Schiaparelli），20世纪40年代有克里斯汀·迪奥（Christian Dior），20世纪60年代有皮尔·卡丹（Pierre Cardin）、伊夫·圣·洛朗（Y.S.L）和玛丽·匡特（Mary Quant），20世纪70年代有维维安·韦斯特伍德（Vivienne Westwood），20世纪80年代有克里斯汀·拉克鲁瓦（Charistian Lacroix）、詹尼·范思哲（Jianni Versace）和乔治·阿玛尼（Giorgio Armani），20世纪90年代有约翰·加利亚诺（John Galliano）和亚历山大·麦昆（Alexander Mcqueen）等。他们都在自己所处的时代对时尚的发展起到了举足轻重的作用。
6.款式设计师（Stylist Designer）
款式设计师是那些在某类服装（如高级时装和高级成衣）流行达到顶峰阶段，将其进行一些改变（如改变面料、改变设计细节）从而得到适合普通大众穿着的、价位较为便宜的服装设计师。他们是为生产商服务，主要工作是对他人的设计进行修改。
图1-32 拉克鲁瓦的设计作品
图1-33 设计师夏帕瑞丽
图1-34 夏帕瑞丽的设计作品（之一）
图1-35 夏帕瑞丽的设计作品（之二）
图1-36 设计师可可·香奈儿
图1-37 设计师伊夫·圣·洛朗
图1-38 设计师亚历山大·麦昆
图1-39 麦昆设计作品（之一）
7.服装面料设计师（Fabric Designer）
服装面料设计师是服装企业中专门负责对产品的面料进行开发的设计师，主要对面料的材质、色彩、花纹等因素进行综合设计。服装面料设计师需要具有专业素质，这其中包括要掌握各种面料的特性，还要了解纺织生产过程中的技术因素，增强艺术思维以及综合创造能力等。
8.服装配色设计师（Colourist）
一些服装企业会设置专门的配色设计师，设计师需将色彩进行分列和组合并应用到即将推出的产品中，或将其应用到已推出的产品的改进上，以使产品系列在色彩上更加具有整体性和协调感。
图1-40 麦昆设计作品（之二）
9.橱窗展示设计师（Visual Designer）
企业越来越重视橱窗的展示设计，以此为专业的设计师要根据企业文化特点、本季服装设计主题和产品特点对橱窗、展示台、货架等进行统一的设计、规划和陈列，使得服装产品以最佳的视觉效果呈现在顾客面前，从而促进销售。
以上这些类型的划分，只限于21世纪第一个十年，从第二个十年起，世界已进入智能时代。有关服装设计的人员中，自然会应运而生出诸如服装企业的CI设计师以及VI设计师等。
（四）关于服装结构
1.服装结构
服装结构是将造型设计所确定的立体形态的服装廓型造型和细部造型分解成平面的衣片。通过对服装结构的设计，我们可以得到服装细部的形状、数量吻合的关系、整体和细部的组合关系，修正造型设计图中不可分解的部分，改正费工费料的不合理的结构关系，从而使服装造型臻于合理完美；同时，通过对服装结构进行设计，可以为缝制加工提供成套的规格齐全、结构合理的系列样板。服装结构是服装工程的重要组成部分，它既是款式造型设计的延伸和发展，又是工艺设计的准备和基础。
2.服装工艺
通过对服装结构进行设计，我们得到了衣服的裁片，通过一定的工艺步骤，运用相关的技术和设备，把衣服的各个裁片缝合起来得到整件服装，这个过程就是服装工艺所要解决的问题。一般来讲，服装工艺流程应包括以下几个大方面：将各个衣片进行缝合、熨烫以及整理等。当然，这是最基本最传统的工艺程序，进入21世纪以来，3D打印已经为各行业所应用，服装工艺也正在改变。
图1-41 橱窗展示设计
图1-42 服装结构是服装工艺的基础
3.平面裁剪
平面裁剪是指借助于辅助工具（笔、曲线板、直尺等）画出所要达到的造型的平面展开图，得到衣片的纸样，再把这个纸样放在衣料上画下来进行裁剪的方式。一般较为常用的平面裁剪方法有原型法和比例法两种。如今，更普遍的是在电脑上绘制了，手绘反而显得珍贵。
4.立体裁剪
立体裁剪是将二维的坯布或衣料直接放在人体或人台上，根据设计塑造三维立体的服装造型，用辅助工具（裁布剪刀、大头针、记号笔、皮尺等）在其上进行裁剪、定位、记号从而得到样板，并将其展开后拓在纸上进行修正，得到最终想要的板型的裁剪方式。
以上几种叙述，属于传统的21世纪初以前的基础工艺手法和程序。随着智能时代的到来，“建模”形式已被普遍使用，一切都可以从虚拟到现实。
（五）关于服装产品
1.成衣（法语：Confection；英语：Ready-to-wear）
成衣是指通过工业化大生产而批量生产的成品服装，这是一个与手工定制加工的服装相对立的概念。工业革命后的19世纪末，机器大生产的出现和流水线的建立，使得这种以“大量的生产推出的批量生产的衣服”的概念得以诞生。因为流水线的生产降低了成本、节省了人力，使得成衣的价格较为便宜，成为满足最广大消费群的服装，也成为人们日常穿着的最为常见的服装类型。
2.高级成衣
在巴黎，高级时装是一个与高级女装（Haute Couture）相呼应的行业。20世纪中期，在整个市场大趋势的影响下，一些高级女装设计师为了扩大品牌的市场占有率，在过去量身定制服装的基础上，又推出了批量生产的服装，也就是“高级成衣”。这是由高级时装设计师及其助手以广大的中产阶级为目标顾客，从最近发表的高级时装中选择便于成衣化的设计进行批量生产的服装，不同于高级时装的量体裁衣和手工制作。高级成衣有着规范的号型，采用一定的高级时装制作技术，比起成衣的生产规模，高级成衣基本上保持在一个小批量生产的范围内。
3.服装品牌（Clothing Brand）
“品牌”是我们日常生活中一个常见的概念，美国市场营销协会这样定义品牌的概念：“品牌是一个名词、标记、标志、设计或是它们的组合运用，其目的是借以辨认某个销售者或某群销售者的产品或服务，并使之与竞争对手的产品和服务区别开来。”
图1-43 迪奥高级成衣
品牌这个概念在服装企业的发展中占有重要的地位，原因有二：一是当代人们消费水平和购买力有了一个很大的提升；二是服装虽然是介于“快速消费品”（Fast Moving Consumer Goods）和“耐用消费品”（Durable Consumer Goods）之间的商品，但随着人们生活水平和着装要求的提高，重复购买的特性使得服装越来越向“快速消费品”靠拢。对于一个服装企业来讲，拥有越多自身品牌的追随者就意味着得到越多的利润，而对品牌的打造是建立品牌忠诚度的最根本要素，因此品牌的重要性是不言而喻的，这也是今天众多服装企业非常重视品牌建设的原因。
国际上的时装品牌主要由以下几类组成：
（1）设计师品牌
设计师品牌是以设计师的名字命名的品牌，如以设计师克里斯汀·迪奥的名字命名的品牌“Christian Dior”，以设计师可可·香奈儿命名的品牌“Coco Chanel”等。这些品牌在设计师过世后仍沿用设计师的名字，如迪奥后来的设计师是被誉为“时尚顽童”的约翰·加利亚诺，再后来的设计师是卡尔·拉格菲尔德（Karl Largerfeld），但是品牌仍以最先创始人的名字命名。
图1-44 服装品牌路易威登海报
图1-45 设计师品牌：20世纪50年代的香奈儿套装
图1-46 设计师品牌：香奈儿广告(www.xing528.com)
图1-47 设计师品牌：香奈儿
图1-48 设计师品牌：迪奥
（2）名人品牌
这是一类名人自己创建服装产品并用自己的名字作为品牌名字的品牌类别，其中较为常见的是影视明星和体育明星。因为具有名人效应，这样的品牌拥有较多的商业附加值。国外的影歌双栖明星詹妮佛·洛佩茨（Jennifer Lopez）推出了自己的服装和香水品牌，中国的“体操王子”李宁推出了以“李宁”为名的运动服饰系列产品。
（3）商店品牌
以商店的名称进行注册的品牌是商店品牌。在中国由商店推出品牌的历史悠久，20世纪二三十年代，上海的鸿翔女装和培罗蒙西装等品牌都非常有名。这些商店一般采取前店后厂的经营模式，即在门面展示、出售服装，在后面的场院里设有厂房进行生产。
国外的一些商店也推出自己的品牌，一般采取请专业公司针对自己的目标顾客群进行设计、生产的模式。
（4）工厂品牌
以工厂的名称进行注册的品牌是工厂品牌，工厂品牌在服装产业发展初期较为常见，当代一些衬衫、针织衫、袜子等设计含量较少的产品也有以生产它的工厂来命名的。
（5）公司品牌
公司品牌是如今市场上最为常见的品牌形式，很多服装品牌是以公司名称来命名的，如白领、薄涛、爱慕等。这些品牌中有些是公司负责整体定位和款式设计，然后请服装加工单位按照样衣进行批量加工；有些是公司自己设计、生产、销售一条龙来打造独有的品牌。
图1-49 设计师品牌：麦昆
4.服装产品系列
服装产品系列是服装公司在推出每季的产品时根据设计主题、产品风格、款式特征、颜色、面料等诸多因素（可以是某一个因素或某几个因素共同作用）人为划分的某类产品。一个服装产品系列应该包括风格相同的一定数量的服装及佩饰品，直至箱包。在销售过程中，如果某一个系列的服装产品销量良好，服装公司会很快对其进行设计和生产的追加：增加属于同一系列的新款式或增加已有款式或新款式的生产数量。
（六）关于服装表演
企业或设计师个人为了宣传自己的产品或设计作品往往会采用服装表演的方式来展示。在国际服装领域五大时装之都——巴黎、米兰、伦敦、纽约和东京，每年的时装季（2月或3月发布当年秋冬流行趋势，9月或10月发布第二年春夏流行趋势）都会推出一系列的服装表演。
服装表演起源于19世纪，由著名设计师查尔斯·沃思首创。为了推广自己设计的服装，最初沃思使用假人形来展示衣服，取得了良好的效果。但沃思并不满足，接着让自己的妻子来展示新设计的衣服，效果更佳。最后他创制了让工作室年轻漂亮的女职员来展示新品的形式，并请上流社会的名媛太太们观看，从而诞生了服装表演这种新作品的展示方式和真人时装模特这个职业。
服装表演分为很多种类，既有上面提到的时尚之都顶级品牌的展示，也有企业和服装公司对品牌产品的展示；既有服装院校对师生作品的展示，也有大型商场对所卖产品的展示；此外，还有设计师对自己作品的各种规模的展示。
根据规模和档次的不同，服装表演可分为较高层次的时装发布会（Collection）和一般层次的服装表演（Fashion Show）。
1.时装发布会
发布会的英文为Collection，本意为“收集、采集、搜集”，是时装界Fashion Collection的简称，有着汇集一位或多位时装设计师的新作并公之于众的意思。这个叫法最早在时装圈内流行，是用来专指高级女装的发布会。1914年11月，美国纽约举行了公认的首次时装发布会，名为“纽约时装节”。
2.服装表演
一般来说，服装表演的规格和档次要低于时装发布会，被广泛用以指称各种服装表演，即以衣服和饰品为主的展示活动。它是设计师、公司、企业、商店和有关团体为了推广自己的服装，让真人穿上产品向有关的销售公司、媒体和普通消费者等进行展示的行为，在网络上被泛称为“时装秀”。
图1-50 时装发布会上亚历山大·麦昆的作品
图1-51 时装发布会是流行的推动力量
图1-52 多层风貌服装
（七）关于服装文化
1.服装风貌
具有一定的特征并能被人所识别的着装搭配与组成元素构成了服装风貌，它是一种整体着装风格，如多层风貌、超大风貌、迷你风貌等。
（1）多层风貌——Layered Look
多层风貌是指由数件服装组成的、具有重叠层次感的服装风格或穿着方式。多层风貌是与次文化的流行紧密结合的产物，在20世纪60年代和70年代以及整个80年代的时装舞台上占有一席之地。在20世纪90年代，多层风貌也出现在T台和人们的日常穿着中。多层风貌使服装可以自由组合，这种组合可以是同种风格的相加，也可以是多种风格的融合。
（2）超大风貌 ——Oversize Look
超大风貌又被称为“大风貌”（Big Look）或“V形风貌”（V-look），是一种20世纪80年代全球流行的女性着装风格，主要特点是上装宽大、下装较为窄小。这种着装风格起源于街头的青年便服，后被高级女装界所引用。
超大风貌的组成要素之一是宽松的肩部，可以是蝙蝠袖或插肩袖；此外，上衣的下摆往往垂至膝部，肩线甚至到达肘部，以T恤、大夹克和大衬衫为代表。
女着“男装”是超大风貌的重要组成部分，这个“男装”不是真正的男装而是将男装的元素加以运用——男性的西装背心、西装、猎装、运动服等都被略加修饰后采用。超大风貌不仅能给穿着者平添一股英武之气，还能为身材娇小的女性增添几分别样的新鲜感。
（3）迷你风貌——Mini Look
迷你风貌兴起的时间是20世纪50年代末至60年代初，伦敦时装设计师玛丽·匡特以街头风格为灵感，首先推出了裙摆至膝上数公分的短裙，这种款式充满青春朝气，能够使腿显得修长，所以一经推出就得到了少女的喜爱，成年女性也为了追求美而趋之若鹜，但相对效果会差一些。超短裙最盛时期甚至有膝盖以上20cm的惊人款式。随后，设计师皮尔·卡丹（Pierre Cardin）和安德烈·库雷热（Andre Courreges）把它引入巴黎高级女装的设计中，成为街头服装被高级时装引用的经典。到了20世纪80年代以后，这种超短的裙款已经不是一种时尚而成为普通的款式了。迷你风貌以超短裙和热裤等为基本型。
（4）“吉布森女孩”风貌——Gibson Girl Look
这是一种20世纪初（1902~1908年）在美国年轻女性中非常流行的服装形象，创造这种风貌的不是一名设计师而是一位画家，他的名字叫查尔斯·达纳·吉布森，这种风貌开始于吉布森为富有的兰霍恩姐妹画的一幅肖像。其实，从19世纪末开始，西方就出现了吉布森女孩的雏形，那时的一部分女性已经有了较为积极的社会意识，并不满足于附属品或金丝雀一样的家庭地位和社会地位。服装就成了她们改变自身的第一步：繁复、多层的长裙和紧紧束缚身体的紧身胸衣成为首先需要去掉的东西，更方便、更舒适的穿着方式变得和美丽一样重要。而画家吉布森的作品适时地诞生了，人们都不约而同地被“吉布森女孩”与众不同的形象所打动：画中的女性有着饱满的胸部、纤细的腰肢和丰满的臀部，整体呈美丽的S形，突出了女性的第二性征。
“吉布森女孩”不仅仅是一个时尚的偶像，它还代表了一种价值观和一种生活方式。20世纪初的“吉布森女孩”们渴望与男人平起平坐，渴望实现自己的人生价值甚至是政治理想，渴望拥有根据自己的意志改变社会的力量。
图1-53 超大风貌服装（之一）
图1-54 超大风貌服装（之二）
图1-55 迷你风貌服装
（5）嬉皮士风貌——Hippy Look
嬉皮是英文单词Hippy的译称，这是一种在20世纪60年代产生于美国旧金山的次文化。
嬉皮士是指反对并且拒绝社会传统标准与习俗的人，特指提倡极端自由主义的社会政治态度和生活方式的人。这是一群对社会不满而表现得消极颓废的年轻人，他们推崇东方哲学、非暴力和诗歌。嬉皮士公开蔑视主流文化，以嘲弄和打碎社会道德与价值观为乐。他们留着长发，崇拜神秘主义的东方宗教。
服装是嬉皮士向外界宣战的一个武器，并因此而开创了一种独特的时装风格。他们穿着有洞的、破烂的、怪异的服装，他们颠覆了传统男性服装所必备的阳刚之气，带动了中性服装和通俗服装的流行。
嬉皮士风貌中一个重要的标志就是牛仔裤，他们在牛仔裤上印花、刺绣和打补丁，从而形成自己的独特风格。但不论怎么变，这些牛仔裤都具有一些共同的特点，如臀部紧绷、腰身较低、裆部较短等，膝盖以上都非常紧身合体，而从膝盖以下就开始放松如扇形，长及脚面，走起路来拖拖沓沓，有一种颓废之感。
图1-56 “吉布森女孩”风貌服装
图1-57 嬉皮士风貌服装
（6）雅皮士风貌——Yuppie Look
雅皮士风貌兴起于20世纪80年代的西方。Yuppie中的Y代表Young（年轻），U代表Urban（城市），P是Professional（专业），也就是说，这是一群年轻的都市专业人士，从事的是那些需要受过高等教育才能胜任的职业，如律师、医生、建筑师、计算机程序员、工商管理人员等。也有人把“雅皮士”称为“优皮士”。虽然他们的着装、消费行为、生活方式及价值观等都带有较为明显的群体特征，但实际上他们并无明确的组织性。雅皮士衣着非常考究，显示出他们较为良好的生活状态。他们都有着较为优越的社会背景和较高的薪金。对生活品位要求严苛、对奢侈品有着发自内心的热爱。与嬉皮士们不同，雅皮士们没有颓废情绪，不关心政治与社会问题，只追求舒适的生活。
雅皮士的着装基本上由顶级服装品牌构成，从穿衣、佩饰，到座驾、家居，他们把对顶级品牌品质的深信不疑贯彻到了生活的每一个方面，而优雅地生活是他们的终极追求。
（7）朋克风貌—— Punk Look
“朋克”是20世纪70年代西方最具影响的文化势力之一，是着装风格独特怪异的群体的代名词，出现于70年代末期的伦敦，与曾经的嬉皮士、摇滚乐有着千丝万缕的联系。穿着这类服装的人以学生、失业者和叛逆的年轻人为主，他们身上别着安全别针或刺上各种各样的花纹和字，剪着很短的平头，染着黄、红、绿、浅紫等突兀的颜色，听着刺耳激烈的音乐。
朋克一族几乎是反时尚的代名词，他们把狂暴与黑暗集于一身，他们所崇尚的是一般人很难接受的，如恶俗文化、自虐、身体穿刺、恋物癖以及其他种种怪行为。但无论如何，朋克风貌为设计师提供了无尽的灵感来源，也使它的发源地伦敦成为前卫时装的策源地之一。
朋克风貌的服装基本上都是由廉价的面料制成，因为他们喜欢用人为的方式把衣服撕破再用大号安全别针别起，所以其服装经常是开线、抽丝和破烂的，并缀满亮片、大头针、拉链等。黑色皮夹克、黑色紧身裤与有金属饰扣和拉链的牛仔裤是比较具有代表性的朋克服装，服装图案则多用骷髅头。朋克风貌的女装一般是由紧身裤、面料撕裂的裙子和皮靴组成。在这些衣服以外，他们还喜欢用粗粗的金属链绕在颈项上作为装饰。
图1-58 朋克风貌服装（之一）
图1-59 朋克风貌服装（之二）
朋克风貌的风行，在一定程度上撼动了当时的高级女装业，对高级女装的流行趋向产生了一些影响。被誉为“朋克之母”的英国服装设计师维维安·韦斯特伍德在朋克服装的流行上起到了至关重要的作用。从1971年开始，韦斯特伍德与她的合伙人马尔科姆·马克拉伦（Malcolm McLaren）开办的位于伦敦皇后路的二手精品店“Let it Rock”就成为伦敦朋克服装的一个主要来源地。这个服装店先后被易名为“Too Fast To Live，Too Young To Die”“Sex”和“叛逆者”，并成为朋克和朋克时尚的地盘。
（8）摇滚派风貌——Rockers Look
这是20世纪60年代英国最盛行的几种青年文化之一，摇滚派将摩托车和摇滚乐糅合起来，拒绝接受他们看到的一切东西。皮夹克、皮流苏和金属链子是他们着装的标志。具有代表性的典型服装是缀满纽扣的黑色皮夹克，上面画着骷髅和刀子，以及搭配裤脚收紧的蓝色牛仔裤和深色的尖头皮鞋。代表形象是美国明星马龙·白兰度（Marlon Brando）在电影《飞车党》（The Wild One）中的经典形象——他穿着绣满主人公名字的黑色铆钉皮夹克、合体的深蓝色牛仔裤、黑色靴子、斜戴的鸭舌帽，微微皱起眉头，满脸漫不经心的表情，成为那个时代的偶像，也代表了摇滚派最经典的风貌。
图1-60 “朋克之母”维维安·韦斯特伍德的作品
图1-61 摇滚派风貌服装——马龙·白兰度在《飞车党》中的造型
（9）民族风貌 ——Ethnic Look
民族风貌是带有民族特色的一种服装风格，是一种对民族元素和文化进行现代运用的设计与穿着风格，比较有代表性的是西方设计师对世界上一些民族风格的运用。从20世纪初具有里程碑意义的设计师保罗·波烈那一系列带有浓厚东方情调的设计，如孔子大衣、土耳其式裤子、蹒跚裙等开始，西方设计师对民族特色的设计方向就产生了偏爱。20世纪60~70年代，很多设计师都以各种民族风格作为灵感进行设计，如圣·洛朗推出的俄罗斯系列、印第安系列时装。进入20世纪90年代以来，西方设计师对民族元素的运用依然层出不穷，如迪奥品牌的设计师约翰·加利亚诺的中国旧上海系列、埃及系列等，这些都使“民族的才是世界的”成为一条颠扑不破的金科玉律。
（10）男孩风貌——Boyish Look
男孩风貌是20世纪初西方女装的一种主要风格。在这个时期，人们一反以往对曲线分明的成熟女子形象的推崇，因而使男孩样的、尚未充分发育的少女形象成为当时的时尚形象。这个持续了十多年的女装风格具体表现为筒子一般的服装造型、低腰线、裙摆提高，与此搭配的是女子晒黑的皮肤和剪短的头发。总的来说，这是一种减弱女子第二性征的着装风格。
男孩风貌的形成主要是战争使人们的生活形象发生了改变。当然，敢于标新立异的设计师可可·香奈儿，她的服装、她的言行、她的气质也对这个时代女性的穿着影响至深。
图1-62 20世纪30年代的民族风貌服装设计
图1-63 民族风貌服装（之一）
图1-64 民族风貌服装（之二）
图1-65 民族风貌服装（之三）
（11）街头风貌——Street Style
一般来讲，街头风貌是低层文化的代表，但它却能动摇上层社会的时尚流行。从1962年至1968年，街头风格以其特有的魅力和新奇，挑战并最终颠覆了高级时尚的领导地位。街头风貌的中心是通俗文化——通俗艺术、通俗音乐以及通俗的生活态度。在20世纪60年代，反映着这些事物的不同风貌一个个接踵而至：如“披头士”“摩登派”等，引起了人们的兴趣。
街头风貌也是一种反秩序的风貌。这本教材中为什么将其称作风貌而没有像其他书那样称作风格，即因为流行所致的一种总的特点是来自社会多种因素的，它不同于设计师有意创作的作品风格。街头风貌就是打乱了世代——从女儿到母亲，从儿子到父亲，从业余到职业的过程与秩序。街头风貌往往将同时期的主流服装和二手服装放在一起，经过修改与装饰之后，使之产生一种新的风貌。
（12）“新样式”——New Look
“新样式”的英文为“New Look”，是设计师克里斯汀·迪奥（Christian Dior）于1947年2月12日在法国巴黎推出的一个女装系列。
这个系列的女装具有优雅的女性特质——圆润自然的肩部、丰满挺拔的胸部、纤细的腰部和像百合花一样打开的裙摆。整个造型优雅、纤弱，具有浓浓的女人味。
“新样式”的推出有着它的社会背景，当时正值第二次世界大战刚刚结束，人们盼望重新回到战前的安乐时光中，女性更是希望摆脱战时的形象，向雅致娇美的女性角色回归。而迪奥的“新样式”恰恰迎合了人们的这种心理。据说当时观看这场发布会的女士们看着台上那一件件造型优雅、裙摆到小腿肚的美丽衣服时，都不由自主地把自己短裙子的下摆向下拉。
图1-66 男孩风貌服装的代表设计师可可·香奈儿
图1-67 充满男性元素的现代女装
图1-68 “新样式”女装（周梦摄）
图1-69 模特穿着“新样式”女装（之一）
图1-70 模特穿着“新样式”女装（之二）
2.服装流行与名人效应
在古代，新式服装的流行源头主要来自于宫廷，而近代由于电影等文艺形式的普及，名人和明星往往会成为时装流行的源头。明星与服装流行的关系可上溯到20世纪初电影这种极具魅力的艺术形式出现的时候。随着电影业的发展，明星诞生了，这是一个具有非凡个人吸引力和时尚影响力的群体。通过银屏，男女演员英俊和娇媚的形象被人们所熟知，他们的一颦一笑、他们的穿着打扮都渐渐成为人们竞相模仿的范本。于是，明星与时尚开始形成相互影响、相互推动的关系，名人和明星着装影响时装流行的例子不胜枚举。
（1）奥黛丽·赫本（Audrey Hepburn）与纪梵希的合作
奥黛丽·赫本是20世纪对服装风格和时尚产生重要影响的一位好莱坞影星。她的容貌清丽脱俗，服装干净简洁，通过电影中的形象，赫本式的简单、现代的着装风格在20世纪中期深入人心。
奥黛丽·赫本对流行的影响与设计师休伯特·德·纪梵希（Huber de Givenchy）密不可分，纪梵希曾经说过：“女人不是单纯地穿上服装而已，她们是住在服装里面。”而赫本也是如此认为的。
图1-71 模特穿着“新样式”女装（之三）
赫本与纪梵希的合作开始于1953年，赫本在其担任主演的电影《龙凤配》（Sabrina）中三件重要的服装都是由纪梵希设计的。第一件是一套灰色的羊毛套装，是片中女主角萨布瑞娜从巴黎回美国时穿的衣服。第二件就是那件著名的礼服——合体的白色连身晚礼长裙，在裙摆处绣有黑色的花卉图案，两侧围着绣有同种图案的蝉翼纱。第三件是萨布瑞娜和男主角约会时所穿的一件一字领黑色小礼服，头上镶水钻的包头小帽是赫本自己挑选的。随着影片的上映，女性们都被赫本的服装所折服，从而引发了对赫本形象的追捧——无论是身材、着装还是男童一样的发式，也许这就是时尚偶像的魅力。以此为契机，两人开始了长达近四十年的友谊，也开始了持久的合作关系，此后纪梵希又为她设计了七部电影的戏服和她个人的服装，这些都对时尚界产生了持久的巨大影响。
（2）《蒂凡尼的早餐》与“小黑礼服”（Little Black Dress）
赫本与纪梵希经典合作之一是在1961年的影片《蒂凡尼的早餐》（Breakfast at Tiffany’ s）中，赫本穿着纪梵希设计的一款小黑礼服，带动了新一轮简洁风尚的流行。
片中的女主角梳着高髻，戴着宽边墨镜，身穿圆领无袖的及膝收腰黑裙，戴过肘的与衣服同料的长手套。服装所塑造出的高雅堪称经典，具有使人过目不忘的魅力，它摒弃了繁复华丽的元素，在洗练与简洁中见优雅，直到今天看来都毫不落伍。赫本在片中出演一个出身贫穷的交际花荷莉，虽然表面上过着自由无羁的生活，但其实内心痛苦、缺乏安全感。荷莉喜欢在清晨时分的纽约第五大道上独自伫立在蒂凡尼珠宝店前，脸颊紧贴着橱窗，以艳羡的目光，观望着蒂凡尼店中的一切，赫本穿着小黑礼服着迷地盯着“蒂凡尼”的场景是片中的一个精彩画面。
这部影片被誉为“（20世纪）60年代最成功的喜剧影片”“描写纽约生活的十部最佳影片之一”。该片也使奥黛丽·赫本荣获奥斯卡最佳女演员提名。对于服装和时尚的关系来讲，这部影片的意义非常重大，它无疑具有风向标式的作用，其简洁雅致的风格成为当时的流行时尚，也成为高雅的代名词。而“小黑礼服”由此著名，以至于它的英文缩写“LBD”在今天的时尚圈成为对这种款式的专门称谓。
图1-72 赫本与纪梵希的合作——《龙凤配》中的剧装
图1-73 赫本在《蒂凡尼的早餐》中的“小黑礼服”局部
图1-74 “小黑礼服”全貌
（3）《欲望号街车》与白T恤
T恤原系法国军服的内衣，也有人说它来源于美国马里兰安纳波利斯的码头工人的工作服。但要说起真正使它大放异彩并被广为接受的事件，就不能不提马龙·白兰度（Marlon Brando）在电影《欲望号街车》（A Streetcar Named Desire）中的出色表现。这部1951年好莱坞出品的影片由著名影星马龙·白兰度和费雯·丽（Vivien Leigh）联袂主演。该影片获得了第24届奥斯卡最佳女主角、最佳女配角、最佳男配角、最佳黑白片艺术指导等多个奖项。整个影片的调子低沉，讲述了一个有关内心压抑的故事。在片中，穿着牛仔裤和紧身白T恤的白兰度眯着眼睛坏坏地笑着，浑身散发着一种近乎粗野的男子汉气概的形象，一下子使万千影迷倾倒，T恤也因此而流行开来。
随着这部电影的放映，以前只作为内衣的白T恤系列在美国许多商店被作为外衣出售。20世纪60年代来源于街头的文化为“血统”并不那么高贵的T恤抹上了更多时尚的色彩，成为年轻一代喜爱的服装。
（4）《飞车党》与黑皮夹克
如前述，美国影星马龙·白兰度于1953年在参演的那部描写青少年生活的影片《飞车党》中，扮演的摩托黑帮老大的形象被摇滚派奉为经典。这个摩托帮的年轻人骑着摩托车在加利福尼亚的各个小城间穿来穿去，寻找快乐打发时间。这部被影评家评论为“叛逆一代不朽的经典”的影片引发了新一轮的时尚流行。
剧中的马龙·白兰度斜戴着帽子，穿着翻领、收腰的黑色皮夹克，戴着同色的皮手套，下面是深蓝色的牛仔裤，漫不经心地皱着眉头，满眼调侃的神色。这个角色的塑造极为成功，以至于以他为代表的飞车党，穿着黑皮夹克、开着双轮摩托车招摇过市的形象，成为年轻一代热衷模仿的对象。从此，马龙·白兰度成为当时的一个偶像，而黑色皮夹克也成为这股年轻思潮的代表性着装。
图1-75 《欲望号街车》海报
图1-76 《飞车党》剧照
（5）詹姆斯·迪恩（James Dean）与牛仔裤
20世纪最有影响力的艺术家之一、波普艺术的领袖人物安迪·沃霍尔（Andy Warhol）认为，詹姆斯·迪恩一生只拍摄了三部电影，但即便他一生只拍一部，他依旧是20世纪50年代最伟大的男明星之一，由此可见迪恩魅力之一斑。
1873年5月20日，李维斯（Levi’s）在美国淘金热时诞生的矿工工装裤基础上，设计制作了第一条铆钉牛仔裤，这使其在时装史上留下了不可磨灭的印记。“二战”时它又被美军作为作业服，从此撒下了全球普及的种子。詹姆斯·迪恩1955年参演了《无因的反抗》（Rebel Without a Cause），他在剧中扮演一名聪明伶俐又多愁善感的农家青年，由于一直得不到严厉父亲的爱，所以进行了种种反抗，最后导致家破人亡的悲剧。在这部影片中，迪恩创造了一种新的性感模式，用带着几分邪气的危险眼神征服了观众。1955年，年仅24岁的詹姆斯·迪恩因车祸去世了，而他在影片中穿着牛仔裤的形象却随着这颗巨星的陨落成为年轻人心中永远的伤痛与挚爱。随后，“垮了的一代”（Beat Generation）以牛仔裤来强调他们放荡不羁的形象。
（6）玛丽莲·梦露（Marilyn Monroe）与香奈儿5号（Chanel No.5）
玛丽莲·梦露是20世纪50~60年代最受大众喜爱的明星之一。她的风情万种、她的性感妖娆在她离世的半个世纪之后依然吸引着无数影迷。
“香奈儿5号”香水是香奈儿在1923年推出的第一个以设计师的名字命名的香水。这款香水的香气馥郁，瓶子的造型十分简洁、洗练，受到消费者的喜爱。人们纷纷解囊购买这一著名的香水。此品牌的服装也因此得到了很好的宣传。
图1-77 詹姆斯·迪恩
图1-78 猫王也是这个时代的时尚偶像
图1-79 影星玛丽莲·梦露
（7）格蕾丝·凯莉（Grace Kelly）与凯莉包（Kelly Bag）
格蕾丝·凯莉是一个具有传奇色彩的明星，在其短短的53年生命中，她扮演了如下角色：好莱坞巨星、奥斯卡影后和摩纳哥王妃。她是著名导演希区柯克最钟爱的女演员，她有着明亮的双眸、卷曲的金发、白皙的皮肤、苗条的身材、古典的气质和独特的穿衣品位。
格蕾丝·凯莉1956年嫁给了摩纳哥王子，1958年《生活》杂志上，她手挽着爱马仕包挡在身前，以掩饰自己因怀孕而微微隆起的肚子。这只爱马仕棕色皮包也因此被命名为凯莉包，至今仍然名列“值得购买的包”前十位之一，并成为爱玛仕经典的镇店之宝。
（8）麦当娜（Madonna）与让-保罗·高缇耶（Jean-Paul Gaultier）的“尖胸装”
1990年，歌星麦当娜在全球巡回演唱会上穿了一套设计独特的“尖胸装”，这件服装的特点是“内衣外穿”，将女性的胸衣作为演出服，并且特别突出了胸点。这套服装在当时可谓大胆，让全世界记住了让-保罗·高缇耶的名字，也领略了他前卫的设计风格。这之后，他的服装不断从不同国家或地区、不同民族、不同类别的人身上汲取灵感，设计出一件件惊世骇俗的作品。
图1-80 著名的香奈儿5号香水
图1-81 影星格蕾丝·凯莉
图1-82 爱马仕凯莉包
图1-83 麦当娜穿着让-保罗·高缇耶的“尖胸装”
（9）奥黛丽·赫本与菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）鞋
赫本穿衣是最注重简洁、高雅与舒适的，她在穿鞋方面，有一段与菲拉格慕的“仙履奇缘”。赫本最初了解菲拉格慕鞋是从参观Palazzo Feroni Spini时开始的。出演《罗马假日》后不久，赫本前来参观，她剪着清凉短发，身着简洁收腰裙，手臂上挎着一个竹篮手袋，干净简单而又清纯脱俗，像一个坠入凡间的精灵。品牌创始人萨尔瓦托强烈地感觉到赫本身上的气质非常吻合菲拉格慕的品牌特质，决定专门为其进行设计并为其制作了脚模。赫本身材纤细修长，并且她也并不喜欢高跟鞋的束缚，萨尔瓦托针对这一特点为赫本制作了10双她最爱的平底鞋。从此，赫本成为菲拉格慕的忠实客户。而赫本所喜爱的这种平底鞋也成为菲拉格慕经典的热销款。
图1-84 菲拉格慕和赫本
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